Ev Kayıt Stüdyonuz için Akustik Tedavi

İnsanların bir kayıt stüdyosunda sık sık merak ettiği bir şey, duvarlara yapıştırılan malzeme artı odada duran ve tavanın duvarlarla birleştiği köşelerde sabitlenmiş garip şekilli nesnelerdir.

Bu malzemeler ve nesneler akustik işlem sağlamak için oradadır. Bu, ses dalgalarının oda içinde hareket etme ve duvarlardan, tavandan ve zeminden yansıtma şeklini kontrol etmek için tasarlanmıştır.

Küçük bir ev stüdyosunda bu akustik işlem duvarlara yapıştırılmış halılar, perdeler ve yumurta kutularını içerebilir. Büyük, pahalı bir stüdyo, çeşitli yerlerde difüzörler ve bas tuzaklarıyla birlikte duvarlara ve tavana tutturulmuş akustik panelleri içeren uzman akustik işlemeyi kullanacaktır.

Akustik tedavinin neleri içerdiğine ve neden ev kayıt stüdyonuzda bir şeyler kurmayı düşünmek isteyebileceğinize bir göz atacağız.

Hoparlörlerinizden Sesi Duymanıza Yardımcı Olur

Akustik işlem gereksiz görünebilir ve stüdyonuzun dağınık görünmesine neden olacağını düşünebilirsiniz. Ancak, parçanızın yazımını ve kaydını tamamladıktan sonra, doğru ses vermesini sağlamaya çalışmak oldukça sinir bozucu olabilir.

Akustik tedavi, hoparlörlerinizden çıkan sesin duyduğunuz alandan olumsuz etkilenmemesine yardımcı olur. Stüdyo monitör hoparlörlerine çok para harcayabilirsiniz , bu nedenle ses yansımalarının olduğundan emin olmak önemlidir. odadaki yüzeylerden duyduklarınızı bozmayacaktır.

Ev stüdyolarına odaklandığımız için muhtemelen aynı alanda kayıt, miksaj ve mastering yapacaksınız. Birçok ev stüdyosu yazmak ve kaydetmek için kurulur, ancak dinlemek için çok fazla değil.

Prodüksiyonlarınızı mikslerken ve mastering yaparken dinlemek çok önemlidir, bu nedenle hoparlörlerinizden gelen ses dalgalarının stüdyodaki yüzeyler tarafından nasıl yansıdığını veya emildiğini düşünmeniz gerekir.

Akustik Tedavi Nedir?

İnsanlar bir kayıt stüdyosunun duvarlarına yapıştırılmış yumurta kutularını, halıyı veya özel olarak tasarlanmış akustik panelleri gördüklerinde bazen ses yalıtımı sağlamak için orada olduğunu düşünürler.

Birçok durumda ses yalıtımı önemli olabilir ve bunu bir tür akustik işlem olarak düşünebilirsiniz. Bununla birlikte, akustik tedavi genellikle ses dalgalarının mekânda hareket etme ve stüdyonun duvarlarından yansıma şeklini kontrol etmeyi içerir.

Akustik işlem, emici yüzeylerin duvarlara ve tavanlara yapıştırılması ve odaya ses dalgalarının yayılması için nesnelerin yerleştirilmesiyle sağlanır. Bu, ses dalgalarının yansımasını azaltmaya yardımcı olur ve bu da belirli frekansların yükseltilmesine veya zayıflamasına (ses seviyesinin düşmesine) yol açabilir.

Kayıt Stüdyosunda Akustik Tedavi Neden Önemlidir?

Odadaki sesi kontrol etmeye yardımcı olması için ev stüdyonuza akustik işlem uygulamak isteyebileceğiniz üç ana neden vardır:

Sesin İçeri veya Dışarı Girmesini Durdurmak için Ses Yalıtımı

Ev stüdyosu için akustik işleme yalnızca genel bir bakış yaptığımız için, ses yalıtımı bir tür akustik işlem olarak ele alınacaktır.

Stüdyonuzun ses geçirmez olmasını istemenizin iki ana nedeni vardır. Birincisi sesin dışarı çıkmasını engellemek, ikincisi sesin dışarıdan girmesini önlemektir.

Kayıt stüdyonuzun evinizde olması, istediğiniz zaman çalışmanıza olanak tanır. Bununla birlikte, birlikte yaşadığınız diğer insanlar veya komşularınız, doğru anlamaya çalışırken bir parçanın aynı bölümünü tekrar tekrar dinlemeyi sevmeyebilir.

Bir mikrofon kullanarak kayıt yaptığınızda, harici gürültü kaydedilebileceği için ses yalıtımı da önemlidir. Bu harici gürültüyü oraya girdikten sonra bir kayıttan çıkarmak zordur.

Prodüksiyonlarınızı karıştırırken veya mastering yaparken dış gürültü bir sorun olabilir. Duyduklarınızın yalnızca hoparlörlerinizden geldiğinden ve dışarıdan gelen seslerin bunu engelleyebileceğinden emin olmanız gerekir.

Mikrofon Kullanarak Kaydederken Dış Parazit

Stüdyonuzun dışından gelen seslerin mikrofon kullanarak kaydetmeyi nasıl etkileyebileceğinden bahsettik. Stüdyonuzun duvarlarından (ve zemin ve tavanlarından) seslerin yansıma şekli de bunu etkileyebilir.

Muhtemelen mikrofon kullanarak vokalleri ve enstrümanları kaydederken insanların “odanın sesi” hakkında konuştuğunu duymuş veya okumuşsunuzdur. Akustik uygulama, istediğiniz performansı yakalayabilmeniz için odanın sesini kontrol etmenizi sağlar.

Karıştırma ve Mastering ile Girişim

Miksleme ve mastering, kaydedilen son parçanızın yapımında genellikle iki ayrı faaliyettir, ancak her ikisi de hoparlörlerinizden gelen sesi dikkatle dinlemeyi gerektirir.

Miksaj ve mastering için stüdyo hoparlörlerinin genellikle “düz frekans tepkisine” sahip olması gerekir. Bu, ses frekansı aralığının herhangi bir bölümünü vurgulamadıkları veya küçültmedikleri anlamına gelir.

Stüdyodaki yüzeylerden yansıyan ses dalgaları, belirli frekansların sesini artırabilir veya azaltabilir. Bu, hoparlörlerden gerçekte ne geldiği konusunda size yanlış bir izlenim verebilir ve sesi doğru şekilde dengelemeyi çok zorlaştırır.

Ne Tür Akustik İşlemler Mevcuttur?

Akustik tedavinin amacı, tüm ses yansımalarının ve yankılanmanın ortadan kalktığı bir oda oluşturmak değildir. Bu, çok doğal olmayan “ölü” bir sese sahip bir odayla sonuçlanır.

Bu, belirli frekansları artıran veya azaltan bir oda kadar büyük bir sorun olabilir, bu nedenle amaç, ses dengesi üzerinde nötr bir etkiye sahip bir oda oluşturmaktır.

Akustik tedavinin iki ana yönü absorpsiyon ve difüzyondur. Kelimeler oldukça açıklayıcı olsa da, her bir yaklaşımın neyi başarmayı amaçladığına hızlı bir şekilde bakacağız.

Emilim

Yumuşak yüzeye sahip malzemelerle ses dalgalarının soğurulması sağlanabilir. Bu, çarpan ses dalgalarını emebilir ve odaya geri yansımasını önleyebilir.

Duvarları halı veya yumurta kutuları gibi malzemelerle (ev stüdyolarında eski bir favori) kaplamak, yüksek ila orta frekanslı ses dalgalarının yansımasını azaltabilir. Bununla birlikte, daha düşük frekanslar doğrudan duvardan geçebilir ve duvardan (ve tekrar emici malzemeden) ve odaya geri yansıtılabilir.

Stüdyonuzda yumuşak mobilyalar olması, bu düşük frekansların bazılarını emmeye yardımcı olabilir. Örneğin, yatak odanızdaki stüdyonuzdaki sandalyeler, kanepeler ve hatta yatağınız bu konuda yardımcı olabilir.

Stüdyonuzun duvarlarına montaj için özel yapım emici malzeme kaplı paneller satın alabilirsiniz. Akustik köpük veya diğer benzer yumuşak malzemeler kullanarak uygun paneller yapmak da oldukça kolaydır.

Bu tip paneller, ses dalgalarını emdikleri ve yansıtılmasını engelledikleri için bazen “tuzaklar” olarak adlandırılır. Düşük frekanslı sesleri emen bas tuzaklarının daha kalın bir emici malzeme tabakasına sahip olması gerekir. Bazı bas tuzakları, optimum emilim için birden fazla yumuşak malzeme katmanı kullanır.

Genellikle, kayıt masası ve bazı enstrümanlardan ayrı olarak boş bir oda olarak ideal kayıt stüdyosunun bir görüntüsüne sahibiz. Bu çok düzgün ve profesyonel görünmesine rağmen, ses yansımalarını kontrol etmeyi oldukça zorlaştırır.

Difüzyon

Duvarlarda ve tavanlarda emici malzemeler kullanarak düşük frekanslı ses dalgalarını kontrol etmek zor olduğundan (zeminleri de unutmadan), muhtemelen onları absorbe etmeye çalışmanın yanı sıra ses dalgalarını da yaymanız gerekecektir.

Difüzyon, ses dalgalarını çeşitli yönlerde yansıtan düzensiz şekilli nesneler kullanır. Bu, ses dalgalarının duvardan duvara ileri geri yansımasını önlemeye yardımcı olur, bu da bazı frekansların güçlendirilmesine ve diğerlerinin azalmasına neden olabilir.

Stüdyonuzun akustik tedavisi için uzman difüzörler satın alınabilir. Bunlar duvara tutturulabilir veya bağımsız birimler olarak kullanılabilir. Kendin Yap seçenekleri arasında, stüdyonuzdaki ses dalgalarını rastgele yönlerde yansıtacak mobilyalar veya başka herhangi bir şey bulunur.

Ayrılmış Ev Stüdyosu mu, Çok Amaçlı Oda mı?

Pek çok farklı türde ev stüdyosu vardır, ancak hepsinin ortak noktası, yapımcının evinde olmalarıdır.

Akustik tedavinizi planlarken düşünmeniz gereken bir şey, stüdyonuzun yalnızca prodüksiyon amaçlı olup olmadığı veya yatak odası veya oturma odası olarak ikiye katlanması gerekip gerekmediğidir.

Çok amaçlı bir odaysa, akustik tedavi açısından yapabilecekleriniz konusunda sınırlı kalabilirsiniz. Bunun nedeni, oda “normal” kullanıma geri döndüğünde muhtemelen en azından eşyalarınızın bir kısmını yanınıza almanız gerekecek olmasıdır.

Bununla birlikte, bu tür stüdyoların ses dalgalarını emmeye ve yaymaya yardımcı olabilecek perdelere ve diğer mobilyalara sahip olma olasılığı daha yüksektir. Ayrıca, kullanılmadığında saklanabilen portatif akustik tedavi ekipmanı yapabilir veya edinebilirsiniz.

Özel bir stüdyo olarak kullanılabilecek bir odanız varsa, bu işleri çok daha kolay hale getirecektir. Ses yalıtımı, soğurma ve yayılma için gerekli tüm ekipmanları temin edip kurabilir ve yerinde bırakabilirsiniz.

Akustik İşleminizi Tasarlamak

Yalnızca deneme yanılma yoluyla gerçekten akustik olarak etkili bir ev stüdyosu alanı oluşturamazsınız. Genelde duyduğunuz sesin hoparlörlerden gelenleri gerçekten temsil etmediğini veya sadece dinleyerek problem frekanslarını tanımadığını bilemezsiniz.

Hepsini bir araya getirirken bazı akustik tedavi teorileri uygulamanız gerekecek. Sık duyulan bir tavsiye, odayı önden arkaya ikiye bölmektir. Bu kurulumda ön uç “çıkmaz” ve arka uç “canlı uç” dur.

Odanın Çıkmaz Yolu

Ön uçta (çıkmaz) monitör hoparlörleriniz , genellikle bilgisayarınızın her iki yanında ve karıştırma ekipmanına sahip olacaksınız . Muhtemelen kafanızın ve iki hoparlörün eşkenar üçgenin üç açısını temsil etmesi gerektiğini zaten biliyorsunuzdur.

Yukarıdaki düzenlemedeki hoparlörler doğrudan kulaklarınıza işaret ediyor ve ses doğrudan onlara doğru geliyor. Bununla birlikte, hoparlörlerden gelen ses dalgaları başka yönlerde de çıkıyor.

Stüdyonuzun bu ucundaki duvarlar işlenmemişse, bu ses dalgaları çok hızlı bir şekilde yansıtılır ve doğrudan hoparlörlerden kulaklarınıza ulaşan sesle karıştırılır. Bu, girişime neden olabilir ve duyduğunuz sesin netliğini etkileyebilir.

Bunun olmasını önlemek için, hoparlörlerin arkasındaki duvara ve her iki taraftaki duvarlara da absorpsiyon panelleri uygulayabilirsiniz. Bu paneller, yansıyan ses dalgalarını emer, böylece hoparlörlerden gelen ses hakkında daha net bir fikir edinebilirsiniz. Odanın “çıkmaz sokağı” olarak adlandırılmasının nedeni budur.

Odanın Canlı Sonu

Odanın diğer ucu, bilgisayarınızın başında otururken ve ekipmanı karıştırırken arkanızda, “canlı son” dur.

Ses dalgaları odanın bu ucuna ulaşmak için hoparlörlerden daha uzun bir mesafeye gittiğinden, sesin buradaki yüzeylerden yansıması genellikle daha az sorunludur. Ek olarak, ses dalgalarını absorbe etmek için odanın bu ucundaki duvarlarda absorpsiyon panellerinin kullanılması odanın genel sesini azaltabilir.

Buradaki amaç, ses dalgalarının duvarlar arasında ileri geri yansımasını engelleyerek durağan dalgalar oluşturarak işitilen sesle etkileşime neden olabilmektir. Ses dalgalarını rastgele yönlerde yansıtmak için odanın canlı ucunda difüzörler kullanmak iyi bir çözümdür.

Tavana Monte Akustik Paneller

Ses dalgalarının sadece stüdyonuzun etrafında yatay olarak dolaşmadığı, dikey olarak da hareket ettikleri unutulur. Bu, hoparlörlerinizden gelen ses dalgalarının tavana ve aşağıya da zemine doğru ilerlediği anlamına gelir.

Zeminde bir halınız varsa, bu ses dalgalarını emmeye yardımcı olabilir, ancak daha önce düşük frekanslı seslerin halıdan geçebildiğini ve alttaki zeminden yansıtıldığını görmüştük.

Çoğu stüdyoda tavan düz bir yansıtıcı yüzey olacaktır. Bu, hoparlörlerden gelen ses dalgalarının yanı sıra zeminden yansıyan ses dalgalarının ileri geri sıçrayabileceği anlamına gelir. Bu duran dalgalar, seste parazit ve parazit oluşturabilir.

Masanız, sandalyeniz, ses ekipmanınız ve diğer mobilyalarınız zeminden bu ses yansımasını önlemeye yardımcı olmak için dağıtıcı görevi görebilir. Yansımaları önlemek ve odanın bu ucunu daha da zayıflatmak için hoparlörlerin üzerindeki alanda tavana akustik paneller takılabilir.

Windows için Akustik Tedavi

Ev stüdyonuz bir veya daha fazla penceresi olan bir odadaysa, bunun için de akustik işlem düşünmeniz gerekecektir.

Ses yalıtımı açısından, pencereler sesin dışarıdan kolayca girmesine izin verebilir. Bu, kayıtlarda algılanabilir ve ayrıca miksaj veya mastering yaparken hoparlörlerinizi dinlerken karışabilir.

Pencereler ayrıca ses dalgalarını odaya geri yansıtarak girişime neden olabilecek düz bir yüzey sağlar. Neyse ki, düşük frekanslı ses dalgaları penceredeki camın içinden geçebilir, bu nedenle bu seslerin yansıması burada daha az sorun teşkil eder.

Yüksek frekanslı sesler, gerektiğinde kolayca pencere boyunca çekilebilen perdeler veya perdeler kullanılarak emilebilir. Dışarıdan gelen düşük frekanslı sesler perdelerden stüdyoya geçecektir, bu nedenle gerekirse bu sesi engellemek için pencere üzerine emici paneller yerleştirilebilir.

Ne Kadar Akustik Tedaviye İhtiyacınız Olduğunu Hesaplamak

Stüdyonuzda ne kadar akustik işleme ihtiyacınız olduğunu bilmek önemlidir. Çok az ve etkili olmayacak. Çok fazla şey size harcamanız gerekenden daha pahalıya mal olabilir ve odanın sesini çok fazla azaltabilir.

Neyse ki, ne kadar akustik tedaviye ihtiyacınız olduğunu belirlemenize yardımcı olabilecek çevrimiçi hesap makineleri ve diğer kaynaklar mevcuttur. Daha fazla bilgi için kaynaklarımıza ve önerilen donanım bölümüne bakın.

Akustik Tedaviyi Değerlendirme Yazılımı

Stüdyonuzun duyduğunuz ses üzerindeki etkisini değerlendirmek çok zor olabilir. Prodüksiyonunuzu kulaklık kullanarak dinlemeyi deneyebilir ve bunu odada hoparlörlerinizden duyduğunuz sesle karşılaştırabilirsiniz.

Muhtemelen kulaklıkların belirli frekansları vurgulayarak duyduğunuz sesi etkileyebileceğini biliyorsunuzdur, bu da başka sorunları beraberinde getirir . Buna yardımcı olan frekans yanıtını düzleştirecek (ses düzeyini frekans aralığında dengeleyecek) bir yazılım elde edebilirsiniz.

Stüdyonuzun hoparlörlerinizden gelen sesi nasıl etkilediğini analiz edecek bir yazılım mevcuttur. Yazılım tarafından üretilen sesi yakalamak için bir mikrofon kullanırsınız. Mikrofon tarafından yakalanan ses, odanın sese ne yaptığı hakkında bilgi sağlamak için analiz edilir.

Bu tür yazılımların en iyi örneklerinden bazıları ücretsizdir ve önerilen donanım bölümümüzden daha fazlasını öğrenebilirsiniz.

Ev Stüdyonuz için Akustik Uygulamayı İnceleme Zamanı

Parça yazmak ve kaydetmekle, hangi ekipmanı satın alacağınıza ve en iyi prodüksiyonları yapmak için hepsini nasıl kullanacağınıza karar vermekle meşgul olduğunuzda, akustik tedavi gibi şeyleri unutabilirsiniz.

Umarım bu kısa giriş, akustik tedavinin önemli olabileceğini ve başlamak için atabileceğiniz bazı temel adımlar olduğunu göstermeye yardımcı olmuştur.

Stüdyo Monitör Hoparlörleri – Bilmeniz Gereken 5 Şey

İnsanlar kayıt, miksaj veya mastering işlemi sırasında ses prodüksiyonlarını dinlemekten bahsettiklerinde, genellikle bunların özellikle monitör hoparlörlerine atıfta bulunduğunu duyarsınız.

Stüdyo monitör hoparlörleri bazen stüdyo referans hoparlörleri olarak adlandırılır ve profesyonel ses üretimi için tasarlanmıştır.

Bir noktada muhtemelen kendi prodüksiyonlarınızda kullanmak için bazı stüdyo monitörleri almak isteyeceksiniz. Monitörleri seçerken ne aramanız gerektiğini ve birçok bilgi ve spesifikasyonun gerçekte ne anlama geldiğini bilmek oldukça zor olabilir.

Monitör hoparlörlerini düşünürken kafa karıştıran bir diğer şey de muazzam fiyat aralığıdır. Monitör hoparlörleri, dahili amplifikasyonu olan bir çift için 100 doların altında, çok farklı görünmeyen bir çift hoparlör için 20.000 doların üzerinde olabilir.

Burada, yararlı bulacağınızı umduğumuz ev kayıt stüdyoları için stüdyo monitör hoparlörleri hakkında bilmeniz gereken beş şey hakkında bazı bilgilerimiz var:

  1. Bir hoparlörü stüdyo monitör hoparlörü yapan nedir
  2. Aktif ve pasif hoparlörler arasındaki fark
  3. Bağlantı noktalı ve bağlantı noktasız hoparlörler arasındaki fark
  4. Yakın alan ve uzak alan hoparlörleri arasındaki fark
  5. Stüdyo alanınız için doğru monitör hoparlörü boyutu ve gücü

Öyleyse, stüdyo monitör hoparlörleri hakkında bilmeniz gereken bu beş şeyin her birine daha ayrıntılı bir şekilde bakalım.

1. Bir Hoparlörü Stüdyo Monitör Hoparlörü Yapan Nedir?

Bir stüdyo monitör hoparlörü, bir stüdyoda kaydedilmiş veya üretilmiş sesi dinlemek için kullanılan herhangi bir hoparlör veya hoparlör çifti olabilir.

Bir hoparlör kabininde sesi gerçekten üreten şey hoparlör sürücüsüdür. İnsanlar tüm kabine hoparlör olarak ve aynı zamanda kabin içindeki bağımsız hoparlörlere (sürücüler) atıfta bulunduğundan biraz kafa karıştırıcı olabilir.

Stüdyo monitörleri genellikle profesyonel ses üretimi için özel olarak tasarlanmış hoparlörler olarak tanımlanır. Bu amaç için hoparlör tasarlarken ana odak noktası, “düz frekans tepkisine” sahip olmalarıdır.

Düz bir frekans yanıtı, ses seviyesinin, insanların duyabileceği tüm frekans aralığında aynı olduğu anlamına gelir, yani 20 Hz ila 20 kHz (20.000 Hz).

Unutulmaması gereken bir nokta, daha küçük hoparlörlerin frekans aralığının alt ucunda ses veremeyebileceğidir. Örneğin, 5 inçlik hoparlörlerin frekans aralığı 60 Hz civarında durabilir.

Düz bir frekans tepkisini resmetmek için, işitilebilir frekans aralığından diğerine yatay olarak uzanan düz bir yatay çizgi hayal edin. Bu, bir stüdyo monitör hoparlörü için ideal frekans yanıt profilidir.

Pratikte, ses seviyesi frekans aralığı boyunca tamamen düz değildir. Hoparlöre bağlı olarak, bir ucunda veya diğer ucunda hafif yükselmeler veya düşmeler olabilir, ancak mümkün olduğunca düz olacak şekilde tasarlanmıştır.

Stüdyo monitör hoparlörleri tarafından üretilen bu düz frekans tepkisi önemlidir çünkü miksinizin gerçekte neye benzediğini duymanızı sağlar.

Bir parça üzerinde çalışırken, ses sinyalinin gerçekte hangi sesi ürettiğini bilmeniz gerekir, böylece bitmiş parçanızın herhangi bir hoparlörde iyi çıkacağından emin olabilirsiniz.

Parçanız en sonunda yüksek kaliteli hoparlörlerde veya araba stereo hoparlörlerinde veya eski bir mutfak radyosunda veya cep telefonuyla birlikte gelen kulaklıklarda çalınabilir. Parçanızı tüm bu farklı hoparlör sistemlerine hazırlamanıza yardımcı olması için, parçanızın ses sinyalinin gerçekte neye benzediğini bilmeniz gerekir.

İnsanlar genellikle hoparlörleri uygun stüdyo monitörleri yerine bir ev Hi-Fi sisteminden kullanıp kullanamayacağınızı soruyor. “Hi-Fi” nin artık bir şey olup olmadığından emin değilim, ama sadece evde müzik dinlemek için kullandığınız hoparlörlerin türünü kastediyorum.

Hi-fi hoparlörler, onlardan çıkan müziği “düzleştirmek” ve sesini güzelleştirmek için tasarlanmıştır. Zevk için müzik dinlerken bu harikadır, ancak bir parça üzerinde çalışırken ses sinyalinin gerçekte hangi sesi ürettiğini bilmeniz gerekir.

Düz frekans tepkisine sahip uygun stüdyo monitör hoparlörlerini kullanmak, parçanızın sesini hoparlörler tarafından değiştirilmeden (veya mümkün olduğunca az değiştirilmeden) duymanıza olanak tanır.

Bu, bitmiş parçanızın herhangi bir hoparlörde iyi ses çıkaracağından emin olmanıza yardımcı olur.

2. Aktif ve Pasif Konuşmacılar Arasındaki Fark

Stüdyo monitörleri genellikle aktif veya pasif hoparlörler olarak tanımlanır. Bazen güçlü veya pasif olarak tanımlanırlar ve güçlü olarak aktifle aynı anlama gelirler.

Güçlendirilmiş veya aktif olarak tanımlanan hoparlörler arasında bir fark olsa da ortak noktaları, her ikisinin de kendi güç kaynağına ihtiyaç duymasıdır. Pasif hoparlörler ise kendi güç kaynağına ihtiyaç duymaz.

Pasif bir hoparlöre beslenen ses sinyalinin ayrı bir amplifikatör aracılığıyla gelmesi gerekir. Bu güçlendirilmiş sinyal daha sonra, sesi yüksek frekanslı tweeter hoparlör bileşenine ve düşük frekanslı woofer hoparlör bileşenine gönderilecek frekanslara ayıran hoparlörün içindeki devrelere aktarılır.

Hoparlör ve amplifikatörün bu şekilde ayrılması, pasif hoparlörlerin üretilmesinin nispeten ucuz olabileceği anlamına gelir. Aynı zamanda, hoparlörlerin ve amplifikatörlerin karıştırılabileceği ve eşleştirilebileceği, bu da esnekliği artırabileceği anlamına gelir. Ayrıca, halihazırda bir amplifikatörünüz varsa, sadece yükseltme zamanı geldiğinde hoparlörleri değiştirmeniz gerekir.

Kendi güç kaynağına sahip monitör hoparlörleri yerleşik bir amplifikatör içerir. Bu tür bir hoparlör, hepsi bir arada bir ünite olarak gelir ve ayrı bir amplifikatör satın almaya gerek yoktur.

Aynı zamanda, üretici bununla ilgileneceğinden, amplifikatör ve hoparlör arasında hiçbir uyumluluk sorunu olmaması gerektiği anlamına gelir.

Bu hoparlörler genellikle güçlü hoparlörler veya aktif hoparlörler olarak anılır. Bazen iki terim aynı şeyi ifade ediyor gibi görünüyor, ancak “standart” güçlü hoparlörler ile aktif hoparlörler arasında bir fark var.

Genel olarak aktif hoparlörler ile güçlendirilmiş hoparlörler arasındaki farkı yaratan şey, crossover adı verilen bir bileşendir. Geçiş, gelen sinyali alır ve frekansa göre böler, yüksek, orta ve düşük frekanslar, hoparlör kabini içindeki uygun hoparlör birimlerine (veya sürücülere) gönderilir.

Belirli bir monitör hoparlörünün teknik özelliklerine bakarsanız, bazen çapraz geçişin sinyali böldüğü frekansı görürsünüz. Örnek olarak bir KRK Rokit hoparlörü alırsak, hoparlörün kullanabileceği frekans aralığı 45 Hz ila 35 kHz ve geçiş frekansı 2,6 kHz’dir.

“Standart” güçlendirilmiş bir hoparlörde, geçiş “pasiftir” ve gelen sinyali frekansa göre filtrelemek için ek bir güç kaynağına ihtiyaç duymaz. Aktif bir hoparlördeki geçiş, sinyali filtrelemek için güce ihtiyaç duyar ve bu size daha fazla esneklik sağlayabilir ve sinyalle daha rafine bir şekilde ilgilenmenize olanak tanır.

Aktif veya pasif devreler kullanıp kullanmadığını görmek için satın almayı düşündüğünüz herhangi bir güçlendirilmiş hoparlörün özelliklerini kontrol etmeniz gerekecektir. Kendi güç kaynağı ve dahili amplifikatörü olduğu için aktif bir hoparlör olduğunu düşünmeyin.

3. Portlu ve Portlu Olmayan Hoparlörler Arasındaki Fark

Potansiyel olarak kafa karıştırıcı başka bir seçenek, portlu veya portlu olmayan (bazen portsuz olarak adlandırılır) hoparlörlerin seçilip seçilmeyeceğidir.

Bu, hoparlör kabininin kapalı olup olmadığını (sesin hoparlör birimlerinden veya sürücülerden çıktığı açıklık dışında) veya kabinde sesin başka yerlerden çıkmasına izin veren bir veya daha fazla açıklığa sahip olup olmadığını ifade eder.

Bağlantı noktası olmayan kapalı kabin tipi hoparlör bazen “sonsuz bölme” sistemi olarak anılır. Bu sızdırmaz kabin teorik olarak sonsuz büyüklükte bir bölme sağlar (bölme, hoparlörün ön yüzüdür), bu da hoparlör ünitesinin önünden gelen sesi hoparlörün arkasından gelen sesten izole eder.

Bağlantısız (kapalı kabin) bir hoparlörün faydalarından biri, doğal ses düşük frekansları ve net bir şekilde yeniden üretilmiş orta aralıklı seslerdir.

Bağlantılı hoparlör kabinlerine bazen refleks kabinleri adı verilir. Bu tasarımda kabin, kabinin içinden biraz ses çıkmasına izin veren bir açıklık veya delik içerir.

Kabindeki bu açıklık, küçük hoparlör kabinlerinin daha yüksek bas frekansları üretmesine ve hacimde genel olarak algılanan bir artışa izin verir.

Bağlantılı hoparlörlerde daha düşük frekansların bu şekilde vurgulanması, bir karışımdaki farklı bas seslerinin duyulmasını zorlaştırabilir.

Bir ev stüdyosuyla başlarken kullanılması muhtemel olan monitör hoparlörlerinin çoğu, taşınan türdendir. Bunun nedeni, küçük hoparlörleri kullanırken düşük frekanslarda çıkış seviyesini artırmaya yardımcı olabilmeleridir.

Genel his, portlanmamış hoparlörlerin ses sinyalini doğru bir şekilde yeniden üretmede en iyisi olduğu gibi görünüyor, ancak iyi tasarlanmış portlu hoparlörler de iyi sonuçlar sağlayabilir.

4. Yakın Alan ve Uzak Alan Hoparlörleri Arasındaki Fark

Yakın alan ve uzak alan konuşmacıları arasındaki temel fark, konumlandırmalarıdır.

Kaydedilmiş müziğinizi dinlerken, iki stüdyo monitör hoparlörünün bir eşkenar üçgenin iki köşesinde olması (yanlar aynı uzunlukta, tüm açılar 60 derece) ve prodüktörlerin kafasının üçüncü tarafa yerleştirilmesi tavsiyesini duymuşsunuzdur. köşe.

Bu düzenlemede, monitörler yakın alan hoparlörleri gibi davranmaktadır. Yakın alan, hoparlörlerin yapımcının kulaklarına yakın, genellikle yaklaşık 90 cm uzakta, her ikisinin de kafasına dönük olarak yerleştirilmesi anlamına gelir.

Konuşmacıların dinleyiciye yakınlığı, yakın alan konuşmacılarının genellikle oldukça küçük olduğu anlamına gelir.

Dinleyiciye yakın konumlandırılmak, duyulanın çoğunlukla doğrudan hoparlörlerden geldiği ve odalardaki duvar ve yüzeylerden yansıyan sesten fazla etkilenmediği anlamına gelir. Bunun nedeni, doğrudan sinyalin, yansıyan sinyallerden çok daha yüksek olmasıdır.

Bu yakın alan dinleme, stüdyo odasının ses üzerindeki etkisini en aza indirmeye yardımcı olabilir. Monitör hoparlörleri düz bir frekans yanıtına sahip olacak şekilde tasarlandığından, bu, hoparlörlere gönderilen gerçek ses sinyalini duymaya yardımcı olabilir.

Sıklıkla miks masasının arkasındaki bir rafa veya özel hoparlör sehpalarına monte edilmiş yakın alan hoparlörlerini görürsünüz. Önemli olan konuşmacıların dinleyicinin kafası ile aynı yükseklikte olmasıdır.

Adından da anlaşılacağı gibi, uzak alan monitörleri dinleyiciden daha uzakta olmalıdır. Hoparlörlerden dinleyiciye olan tipik bir mesafe yaklaşık on fittir.

Uzak alan hoparlörleri genellikle üreticinin önündeki duvara monte edilir veya yakın alan hoparlörlerinden biraz daha geride olan stantlara monte edilir.

Uzak alan hoparlörleri, etrafınızdaki boşluğun sesi nasıl etkilediğini dinlemenizi sağlar. Bu, ses dalgalarının duvarlardan ve diğer yüzeylerden kontrolsüz yansımasından kaynaklanabilecek ses bozulmasını en aza indirmek için stüdyo veya diğer dinleme odasının akustik olarak işlenmesi gerektiği anlamına gelir.

5. Stüdyo Alanınız için Doğru Monitör Hoparlör Boyutu ve Gücü

Yakın alan ve uzak alan hoparlörleri arasındaki farka baktıktan sonra, stüdyo alanınız için doğru monitör hoparlör boyutuna ve gücüne nasıl karar vereceğimizi düşünmeliyiz.

Monitör Hoparlör Boyutu

Stüdyo monitör kabinleri genellikle iki hoparlör veya sürücü içerir: bir tweeter ve bir woofer.

Muhtemelen bildiğiniz gibi, tweeter yüksek frekansları yönetiyor. Yüksek frekanslı sesler üretmek için tweeter’ın çok hızlı titreşmesi gerekir, bu nedenle boyutu buna yardımcı olmak için küçüktür. Tweeter’lar tipik olarak yaklaşık bir inç çapındadır.

Monitör hoparlör boyutundan bahsederken genellikle atıfta bulunulan woofer’dır. Woofer’lar düşük frekanslı sesleri idare eder. Stüdyo monitörlerindeki woofer’ların çapları genellikle üç inç ile sekiz inç arasında değişir.

Daha büyük woofer’lar, daha küçük woofer’lardan daha düşük frekansları daha iyi işleyebilir. Bu, muhtemelen üretmek istediğiniz müzik türü hakkında düşünmeniz gerektiği anlamına gelir.

Bas frekanslarının sese çok katkıda bulunduğu müzik üretiyorsanız, bu düşük frekansları üretebilen woofer içeren monitörler kullanmanız gerekecektir.

Müziğinizi karıştırırken ve mastering yaparken bu frekansları doğru şekilde duyamıyorsanız, sonunda bas frekanslarını düzgün üretebilen hoparlörlerden duyduğunuzda kötü bir şok yaşayabilirsiniz.

Ucuz Mackie monitör hoparlörleri için sağlanan bilgileri kullanarak, beş inç çaplı woofer’lar 60Hz’e kadar olan frekansları işleyebilirken, üç inç çaplı woofer’lar yalnızca 80Hz’e kadar inebilir.

İnsanlar 20Hz’e kadar frekansları duyabildiğinden, özellikle bas frekanslarını duyabilmek önemliyse, kurulumunuza bir sub-woofer eklemeyi düşünmeniz gerekebilir.

Alt woofer’lar daha büyük bir çapa sahiptir ve bu da çok düşük frekansları kullanmalarına olanak tanır. Normalde, çok düşük frekansların (yaklaşık 100 Hz’nin altında) kapalı bir alanda seyahat etme şekli nedeniyle bir çift yerine yalnızca bir sub-woofer’a ihtiyacınız olacaktır.

Yaklaşık 40Hz’nin altında ses duyulduğu kadar hissedilir, bu nedenle sub-woofer hoparlörler size müziğinizin bu yönünü sağlamanıza yardımcı olacaktır.

Hoparlör Gücü Monitör

Bir monitör hoparlörünün “gücünün” teknik özelliklerde açıklandığı birkaç yol vardır.

Ayrı bir amplifikatör ile eşleştirilmesi gereken güçsüz, pasif bir hoparlör ise, bilgi amplifikatörden gelen bir sinyal seviyesi ile nasıl başa çıkabileceği hakkında olacaktır. Amplifikatör, hoparlörlerin kaldırabileceğinden daha fazla güç üretebiliyorsa, hoparlörler hasar görebilir.

Güç veriliyorsa (pasif veya aktif devreli) bilgi, yerleşik amplifikatörün ne kadar güç sağlayabileceği ve hoparlör sürücülerinin bunu nasıl idare edebileceği hakkında olacaktır.

Monitör hoparlörünün gücü genellikle Watt (W) cinsinden ifade edilir. Watt, hoparlörün her saniye verebileceği enerji miktarını (bu durumda ses enerjisi) ölçer.

Konuşmacılarla ilgili olarak gücün ifade edilmesinin birkaç yolu vardır. Zaman içindeki ortalama ses çıkışını ifade eden “RMS” (kök ortalama kare) olarak yazıldığını görebilirsiniz. Diğer zamanlarda konuşmacının kısa aralıklarla ses üretme yeteneğini ifade eden “tepe” gücü diyecektir.

En yüksek güç çıkışı genellikle ortalamanın üzerinde olduğundan, RMS çıkışından, hoparlör üreticileri bazen teknik özelliklerin daha etkileyici görünmesini sağlamak için en yüksek değerleri sağlar. RMS çıkışı, genellikle hoparlörün güç özellikleri için daha iyi bir kılavuzdur.

Bir ev stüdyosu için uygun monitörlerin tipik güç çıkışı 50W civarındadır. Duyduğunuz sesin şiddeti sadece hoparlörün gücüne değil, aynı zamanda ondan ne kadar uzakta olduğunuza da bağlıdır.

Bir hoparlör tarafından üretilen sesin yüksekliği genellikle desibel (dB) cinsinden ölçülür. Sıklıkla alıntılanan buna örnekler arasında, normal konuşma (60dB), kulağınızda bağıran biri (100dB) bulunur.

Bunu kapsayan hoparlör teknik özelliklerine “ses basınç seviyesi” (SPL) denir ve bu normalde dB cinsinden ifade edilir. Örnek olarak, 50W’lık bir hoparlör 106dB’lik bir SPL üretebilir.

Hoparlör gücü (W) ve ses yüksekliği (dB) arasındaki ilişki basit değildir. İki kat Watt üretebilen bir hoparlörünüz varsa, üretilen sesin yüksekliğini iki katına çıkarmayacaksınız.

Bunun nedeni, dB ölçümünün logaritmik bir ölçek içermesidir. Hoparlörün güç çıkışını ikiye katlarsanız, ses yüksekliğinde yalnızca 3B artış elde edersiniz.

Burada Sadece 5 Şey – Dikkate Alınacak Daha Çok Şey Var

Burada stüdyo monitör hoparlörlerinin sadece beş yönüne baktık. Hoparlör hassasiyeti, hoparlör sürücülerini yapmak için kullanılan malzemeler, amplifikatör sınıfları ve monitör yerleşimi gibi dahil edebileceğimiz daha birçok şey var. Gelecekte geri dönüp bunlar ve diğer ilgili konular hakkında konuşacağız.

Sentezleyici Filtreleri ve Müzik Prodüksiyonunda Nasıl Kullanıldıkları

Stüdyonuzda ne tür müzik üretirseniz üretin, synthesizer kullanıyor olmanız muhtemeldir. Bazı şaşırtıcı ücretsiz yazılım sentezleyicileri mevcuttur, bu nedenle maliyet, bunları kullanmanın önünde bir engel değildir.

Ayrıca bir donanım sentezleyicisine sahip olabilirsiniz veya almayı düşünüyor olabilirsiniz. Bunları kullanmak, yazılım sentezleyicilerinden daha da eğlencelidir çünkü bir bilgisayar kullanmaktan ziyade enstrümanla gerçekten etkileşime girdiğinizi hissedersiniz.

Sentezleyicinin başından beri beni gerçekten ilgilendiren bir yönü filtreydi ve burada öğrendiklerim hakkında bir şeyler yazmak istedim.

Sentezleyiciler hakkında bilgi edinmeye başladığımda, ses üreten osilatörleri kullanarak sevdiğiniz bir sesi geliştirmek için zaman harcamanız, sadece onu sıkıcı ve belki daha az ilgi çekici hale getirmek için bir filtre kullanmak için zaman harcamalısınız.

Sentezleyicinin bu yönü, filtreyi kullanarak, başından beri beni gerçekten ilgilendirdi ve burada öğrendiklerim hakkında bir şeyler yazmak istedim.

Özel olarak filtrelere bakmadan önce sahneyi ayarlamak için sentezleyicilerin bazı genel özellikleriyle başlayacağız.

Analog ve Dijital Sentezleyiciler

Burada analog ve dijital sentezleyicilerin göreceli avantajları hakkında çok fazla endişelenmeyeceğiz. Odaklandığımız sentezleyici filtrelerin türü hem dijital hem de analog elektronik devreler tarafından üretilebilir.

Ek olarak, dijital sentezleyiciler donanım veya yazılım olabilir ve her durumda dijital işlemciler genellikle analog donanım elektroniklerini taklit eder.

Eksiltici Analog Sentez

Konuya giriş olarak, analog eksiltici sentezleyicilerin bazı temel yönlerine bakacağız. Bilgi, sentezleyiciler ve filtrelerin nasıl kullanılabileceği hakkındaki bilgilerini geliştirmeye başlayan ve geliştirmeye çalışan insanlara yöneliktir, bu yüzden oldukça basit tutmaya çalıştım.

Yukarıda bahsettiğim gibi, analog ve dijital sentezleyiciler arasındaki farklar hakkında fazla endişelenmeyeceğiz. Buradaki analog, analoji sentezleyicilerin çalışma şeklini taklit eden dijital sentezleyicilere de atıfta bulunmaktadır.

Çıkarmalı Sentezleyici Nedir?

En popüler ve en geleneksel sentezleyici türü, eksiltici sentez kullanır. Bu, 1960’larda Robert Moog tarafından geliştirilen sentezleyici türüdür.

Bu sentezleyici tasarımında ses, bir veya daha fazla osilatör tarafından yapılır. Osilatörlerden gelen ses, daha sonra bir amplifikatör aracılığıyla verilmeden önce bir filtreden geçirilir.

Sesi değiştirmek için genellikle osilatörlere, filtreye ve amplifikatöre uygulanabilen bir tür değiştirici vardır.

Osilatörlerin ve modülatörlerin önemine rağmen, her zaman insanların çok heyecanlandığı filtreler gibi görünüyor. Bu, buradaki konuyu keşfetmeme neden oldu.

Sentezleyici Filtreleri Ne Yapar?

Bir sentezleyici filtresi, bir sesten bazı frekansları ortadan kaldıran elektronik bir devredir. Öyleyse, bir ses çeşitli farklı frekanslardan oluşmalı mı?

Bir sentezleyici (veya bir gitar veya piyano veya hemen hemen herhangi bir enstrüman) tarafından çalınan bir sesi duyduğumuzda, belirli bir perdeyi duyarız. Perde, örneğin F-keskin, A-düz veya C olabilir.

Temel frekans veya perde olarak algıladığımız şey, temel olarak adlandırılan büyük, birincil bir titreşim tarafından üretilir. Bu temelin üstünde sonsuz sayıda yüksek frekanslı titreşimler de oluyor.

Bu daha yüksek frekanslı titreşimlere armoni (armoni) adı verilir ve sesin benzersiz kalitesini veya tını (bombeli tekerlemeler) üretirler.

Notaları aynı perdede çalan farklı enstrümanlar, bu yüksek frekanslı armoniler nedeniyle farklı ses çıkaracaktır, ancak temel her durumda aynıdır.

Bir sentezleyicinin osilatörü tarafından üretilen sese bir filtre uyguladığınızda, bu armonik seslerin bazılarını filtreliyorsunuz (ses seviyesini azaltarak). Farklı filtre türleri, sentezleyicinin ürettiği sesi şekillendirmenize olanak tanıyan farklı ses frekanslarının ses düzeyini azaltır.

Sentezleyici filtrelerine başlangıçta voltaj kontrollü filtreler veya VCF’ler deniyordu. Ad, filtreler artık bir voltaj tarafından kontrol edilmese bile hala kullanılmaktadır.

Filtre Kontrolleri

Birden fazla filtre türüne sahip sentezleyicilerin, kullanmak istediğiniz filtre türünü seçebilmeniz için bir kontrol anahtarı vardır ve şimdi bunlara bakacağız. Ayrıca, filtre için bu seviyeleri ayarlamanıza izin veren iki ana filtre kontrolü vardır: kesme ve rezonans.

Kesim Kontrolü

Kesme kontrolü, filtrenin ses içindeki çeşitli frekansların sesini azaltmaya veya “kesmeye” başlayacağı frekansı seçmenize olanak tanır. Göreceğimiz gibi, filtre en yüksek frekansları, en düşük frekansları veya her ikisini birden kesmeye başlayabilir.

Rezonans Kontrolü

Rezonans kontrolü, ses seviyesini, kesme kontrolünün ayarlandığı frekansta artırmanıza olanak tanır. Bu, notalar çalarken kesme frekansını ayarlarsanız veya tararsanız, kesme frekansını daha belirgin hale getirmek için vurgulamak için kullanılabilir.

Rezonans kontrolünü yeterince yükseltirseniz, sentezleyicinin osilatörlerinden gelenlere ek olarak “kendi kendine salınım” yapmaya başlayabilir ve kendi seslerini üretebilir.

Zarfları Filtrele

Filtre genellikle bir “zarf” ile kontrol edilebilir. Bu, onu statik değil dinamik bir filtre yapar.

Sentezleyicilerin genellikle amplifikatörle ilişkili bir zarfı vardır ve bunu anlamak daha kolay olduğundan, ilkenin bir örneği olarak bununla başlayacağız.

Amplifikatör Zarfları

Sentezleyici zarfları genellikle “ADSR” zarfları olarak adlandırılır. “A”, saldırı anlamına gelir ve daha geniş bir zarf içinde, bir tuşa bastığınızda sesin maksimum ses seviyesine ne kadar çabuk çıkacağını kontrol etmenizi sağlar.

“D” bozulmayı ifade eder ve sesin zirveden ne kadar hızlı düştüğünü kontrol etmenizi sağlar.

“S”, sürdürme anlamına gelir ve bu, sesin bozulma aşamasından sonra düşeceği ses düzeyidir. Uzatmayı maksimum düzeye ayarlarsanız, tuşa basılı tuttuğunuz sürece ses çalmaya devam edecektir.

“R”, anahtar serbest bırakıldıktan sonra sesin tamamen düşmesi için geçen süre olan serbest bırakma anlamına gelir. Minimum bırakma, sesin neredeyse anında durmasına neden olurken, maksimum bırakma değerleri, parmağınızı anahtardan çektikten sonra sesin devam etmesini sağlar.

Zarfları Filtrele

Filtre zarfları genellikle yükseltici zarflarla aynı ADSR düzenlemesini kullanır.

Filtre zarfı için başlangıç ​​noktası, genellikle filtre kesme kontrolünün ayarlandığı seviyedir. Bir filtre zarfı kullanmazsanız, statik filtre, notların çalındığı tüm süre boyunca sizin ayarladığınız şeyi yapacaktır. Bir filtre zarfı uyguladığınızda, filtre kesme seviyesi zarf tarafından otomatik olarak ayarlanır.

Saldırı kontrolü (A), filtrenin ne kadar hızlı açılacağını ayarlamanıza izin verir. Düşük geçiş filtresi ile bu, filtre kesmesinin ayarlandığı seviyeden, genellikle maksimum seviyeye (veya tamamen açık) filtreye kadar açıldığı anlamına gelir.

Bozulma kontrolü (D), filtre kesme seviyesinin düşmesi için geçen süreyi ayarlamanıza izin verir.

Uzatma kontrolü (S), notanın çalınmaya devam ettiği sürece (tuşuna basarak veya bir MIDI sinyali ile) filtre kesmenin kalacağı seviyeyi ayarlar.

Serbest bırakma kontrolü (R), filtre kesmesinin uzatma (S) seviyesinden kesmenin ayarlandığı seviyeye inmesinin ne kadar süreceğini ayarlamanıza izin verir.

Nota çalınırken sesin tınısını değiştirmek için bir filtre zarfı kullanılabilir. İlk fikir muhtemelen sentezleyicilerin akustik enstrümanları taklit etmelerini sağlamaktı. Bir enstrüman çalındığında tını, başlangıçta genellikle daha parlaktır (daha fazla armoni ile), ses azalırken daha sönük hale gelir.

ADSR zarf kontrollerine ek olarak, sentezleyiciniz sesin ne kadarının filtre zarfından etkileneceğini ayarlamak için bir kontrole sahip olabilir (geri kalanı yalnızca orijinal filtre kesme ayarından etkilenir).

Ters Zarflar

Bazı sentezleyiciler, filtre zarfını ters çevirmenize olanak tanır. Bu durumda filtre kesmesi ayarlandığı yerden başlayacak ve zarf çürüme, sürdürme ve bırakma ayarlarına göre orijinaline geri gelmeden önce filtrenin minimum seviyesine kapanmasına neden olacaktır.

Düşük Frekanslı Osilatör

Filtre kesme, sentezleyicinin düşük frekanslı osilatörü tarafından da kontrol edilebilir. Bu, kesme frekansını yukarı ve aşağı çevirmek için filtreye gönderilebilen ses altı (duymak için çok düşük) frekanslarda bir dalga üretir.

Bazı yazılım sentezleyicileri, düşük frekanslı osilatörü filtre rezonans kontrolüne bağlamanıza da izin verir, böylece bu, farklı bir efekt oluşturacak şekilde ayarlanabilir.

Anahtar Takibi

Filtre kesme frekansı klavye ile de kontrol edilebilir. Buna anahtar izleme veya anahtar izleme denir. Anahtar izleme etkinleştirildiğinde, kesilme frekansı, çalınan tuşun perdesine bağlı olarak biraz değişecektir.

Sıklıkla uygulanan anahtar izleme miktarını ayarlayabilirsiniz. Bunun sesi etkileme şekli, daha sonra bakacağımız filtre türlerinin her biri için farklıdır.

Filtre tipi

Sentezleyicilerde en yaygın olarak bulunan filtre türleri, alçak geçiren filtre, yüksek geçiren filtre, bant geçiren filtre ve çentik filtresidir. Bu filtre türlerinin her birine ve müzik yapımında kullanılabilecekleri bazı yöntemlere bakacağız.

Alçak geçiş filtresi

Alçak geçiren filtre, eksiltici sentezde en yaygın olarak kullanılan türdür. Bunu, belirli örneklerle açıklamak daha kolay olduğundan, sentezleyici filtrelerinin bazı genel ilkelerini göstermek için kullanacağız. Ardından, ilkelerin diğer filtre türleri için nasıl geçerli olduğuna bakacağız.

Moog voltaj kontrollü düşük geçişli filtre modülünün orijinal açıklaması, bir sinyalin harmonik spektrumunun alt kısmının üst harmonik kesme noktasını değiştirirken geçmesine izin verdiğini söylüyor.

Bunun anlamı, filtrenin daha yüksek frekanslı armonileri kesmesi ve alt tonları geçmesi için bırakmasıdır. Genel etki, sesi “daha koyu” veya “daha yumuşak” yapmaktır.

Alçakgeçiren filtre kesme kontrolünü sonuna kadar çevirerek tüm aşırı ton frekanslarının geçmesine izin vererek başlayabilirsiniz. Kontrol düğmesini veya kaydırıcıyı aşağı doğru hareket ettirdiğinizde, yüksek frekanslardan başlayarak ve kademeli olarak en alçak seviyeye doğru giderek daha fazla armonik tonu kaldıracaksınız.

Bunu yapmanın amacı benim için bir gizemdi, ta ki sentezleyiciden genellikle bu şekilde çıkmak istemezsiniz, ancak müzik çalarken filtreleri açıp kapatarak sesin tınısını değiştirmek istemezsiniz.

Örneğin elektronik dans müziğinde bir parça oldukça uzun ve çok tekrarlı olabilir ama sıkıcı olmaz. Bu genellikle, şaşırtıcı miktarda çeşitlilik ve duygusal etki sağlayabilen bir sentezleyicideki düşük geçiş filtrelerini açıp kapatarak elde edilir.

Filtre genellikle sesi dik açıyla kesmez. Filtre genellikle armonik seslerin sesini kademeli olarak azaltır. Bir alçak geçiren filtre durumunda bu, daha yüksek frekanslarla başlayacak ve en çok azaltılacaktır.

Filtre kesiminin eğimi genellikle oktav başına desibel (oktav başına dB) olarak tanımlanır. Bu, kesme frekansının üzerindeki armonik seslerin hacminin ne kadar azaltıldığını ifade eder ve bazen geçiş eğimi olarak adlandırılır.

Oktav başına 6dB’lik bir filtre, armonik tonlar üzerinde kademeli bir etkiye sahipken, oktav başına 24dB’lik bir filtre ses üzerinde çok daha belirgin bir etkiye sahip olacaktır. Sentezleyicilerdeki yaygın filtre eğimleri 6dB, 12dB ve 24dB’dir (oktav başına).

Geleneksel donanım sentezleyicilerinde temel filtre birimi, oktav başına 6dB filtre idi, bu nedenle oktav başına 12dB ve 24dB filtreler, iki veya dört 6dB filtre birleştirilerek yapıldı.

Tek Kutuplu, İki Kutuplu ve Dört Kutuplu Filtreler

Bazen bu filtre eğimleri “kutup” kelimesi kullanılarak tanımlanır. Tek kutuplu bir filtre, oktav başına 6dB, iki kutuplu filtre oktav başına 12dB ve dört kutuplu filtre 24dB oktav anlamına gelir.

“Kutup”, filtrelerin etkilerini analiz eden elektronik mühendisleri tarafından üretilen grafiklerden gelir. Oktav başına 6dB (tek kutuplu) filtre tarafından üretilen grafik, bir kutup üzerine dökülmüş bir tabakaya benziyor, oktav başına 12dB (iki kutuplu) filtre, iki kutup üzerine dökülmüş bir tabakaya benzeyen bir grafik ve her biri için 24dB oktav (dört kutuplu) filtre grafiği, dört kutup üzerine dökülmüş bir tabakaya benziyor.

Oktav başına 18dB filtreler, sentezleyicilerde daha az yaygındır, ancak bu, üç kutuplu bir filtre olarak adlandırılır ve üç kutuplu bir tabakaya benzeyen bir grafik üretir.

Düşük Geçişli Filtre Anahtar Takibi

Notalar bir akustik enstrümanda çalındığında, yüksek perdeler genellikle düşük olanlardan daha parlak çıkar. Bu etki, kendisine uygulanan anahtar izleme ile bir alçak geçiren filtre kullanılarak bir sentezleyicide taklit edilebilir.

Daha düşük notalar çalındığında, anahtar izleme kontrolü filtre kesme seviyesini ayarlandığı seviye civarında bırakacaktır. Kademeli olarak daha yüksek notalar çalınırken, izleme kontrolü, daha fazla armoninin geçmesine izin vermek için alçak geçiş filtresini biraz daha açar. Bu, yüksek notaların sesini düşük notalardan daha parlak hale getirir.

Yüksek geçiren filtre

Adından da anlaşılacağı gibi, bir yüksek geçiren filtre, bir alçak geçiren filtreye zıt etkiye sahiptir. Bu durumda filtre, kesme seviyesinin altındaki frekansları bastırır. Bir yüksek geçiren filtrenin kontrol düğmesi veya kaydırıcısı, bir alçak geçiren filtrenin tersi yönde çalışır.

Bir alçak geçiren filtre ile kontrol sağa çevrildiğinde (bir düğme için sola veya bir kaydırıcı için alt) filtre tamamen kapanır ve hiçbir frekansın geçmesine izin verilmez. Sağa döndürüldüğünde (düğme sağa, kaydırıcı yukarı) alçak geçiren filtrenin hiçbir etkisi olmaz ve tüm frekansların geçmesine izin verilir.

Bir yüksekgeçiren filtre kontrolü sağa çevrildiğinde (bir düğme için sola veya bir kaydırıcı için aşağıya), filtrenin hiçbir etkisi olmaz ve tüm frekansların geçmesine izin verilir.

Yüksekgeçiren filtrenin kesme kontrolünü yükseltmeye başladığınızda, filtrelenen en düşük frekanslardır (ses kısılmıştır). Bu, önce güçlü temel tonun sesten çıkarılacağı ve bunun sonucunda parlak ama ince bir sese neden olacağı anlamına gelir.

Kesme kontrolü açıldığında, daha düşük armonik sesler kaldırılır ve ardından daha yüksek armoniler gelir. Bu, kesme seviyesi yükseldikçe giderek daha ince bir sesle sonuçlanır.

Bir parçanın genel sesinin çamurlu olmasını önlemek için karışımdaki bir sentezleyicinin sesinden daha düşük frekansları çıkarmak için EQ’ya benzer şekilde bir yüksek geçiş filtresi kullanılabilir.

Düşük frekansların kaldırılması, ikisi aynı anda çalarken iki parçanın seslerinin çakışmasını önlemeye yardımcı olduğundan, DJ’ler genellikle bir parçayı diğeriyle karıştırırken yüksek geçiş filtresi kullanır.

Bant geçiren filtre

Bir bant geçiren filtre, bir yüksek geçiren filtre ile örtüşen bir alçak geçiren filtre gibidir. Alçak geçiren filtre, yüksek frekansları keser ve yüksek geçiren filtre daha düşük frekansları keser, böylece ortadaki frekanslar bandı kalır.

Bu tip filtre için kesme kontrolü, yukarıdaki ve altındaki tüm frekansları filtreleyerek istediğiniz dar frekans aralığını seçmenize olanak tanır.

Çentik Filtresi

Çentik filtresine bazen bant reddetme filtresi denir. Üst ve alt frekansları geçerken, ortadaki frekansları ortadan kaldırarak bant geçiren filtrenin tam tersi şekilde çalışır.

Yine, bunu bir yüksek geçiren filtre ile birleştirilmiş bir alçak geçiren filtre olarak düşünebilirsiniz. Ancak bu sefer üst üste gelmezler ancak birbirleriyle örtüşmeden zıt uçlardan yaklaşırlar.

Ortadaki frekansların ne alçak geçiş ne de yüksek geçiş filtresinden geçmesine izin verilmez ve bu frekansların filtrelendiği frekans aralığının ortasında bir “çentik” oluşturur.

Bu tip filtre için kesme kontrolü, “çentik” ortasındaki frekansı veya reddedilen frekanslar aralığını seçmenize izin verir. Kesme frekansını yukarı ve aşağı hareket ettirmek için bir çentik filtresi için kesme kontrolüne düşük frekanslı bir osilatör bağlanabilir, bu da fazer efekt pedalıyla elde ettiğiniz ses türünü üretir.

Müzik Prodüksiyonunda Sentezleyici Filtreleri

Modern synthesizer’larda bulunan tüm özelliklere rağmen, insanlar her zaman filtrenin üretebileceği seslerle neredeyse her şeyden daha çok ilgileniyor gibi görünüyor.

Çeşitli filtre türlerinin çalışma şeklini ve bunların anahtar izleme ve düşük frekanslı osilatörler tarafından manipüle edilme yöntemlerini anlamak, prodüksiyonlarımızı öne çıkaran bir ses elde etmeye çalışırken gerçekten yardımcı olabilir.

Ev Stüdyonuzda Vokal Kaydetmek İçin 5 Profesyonel İpucu

Ev stüdyonuzda ne tür müzik kaydediyor olursanız olun, er ya da geç bazı vokaller kaydetmek isteyeceksiniz. Vokalleri kendiniz yapıyor olabilirsiniz veya bir vokalistle kayıt yapıyor olabilirsiniz.

Belki bir vokalistten demo parçanızda şarkı söylemesini isteyen bir söz yazarısınız ya da kendi parçalarını üretmelerine yardımcı olmak için bir vokalistle çalışıyorsunuz. Kendiniz yapıyorsanız, vokalist bile olabilirsiniz.

Vokal içeren bir parçayı dinleyen kişiler normalde vokal performansına odaklanır. Bu, kaydınızdaki herhangi bir eksikliğin vokalde parçanın herhangi bir yerinden daha belirgin olacağı anlamına gelir.

Vokal kaydınızda harika bir performans yakalamak için düşünmeniz gereken bazı şeyler var. Ev stüdyonuzda vokal kaydederken harika sonuçlar elde etmek için 5 profesyonel ipucu:

  1. Vokalist için uygun bir çalışma alanına sahip olun
  2. Duyarlı olun ve vokalisti destekleyin
  3. Doğru mikrofon kurulumunu kullanın
  4. Kulaklık karışımını doğru şekilde alın
  5. Hazırlıklı olun ve dikkat edin

Şimdi, harika bir vokal kaydı yakalamanıza yardımcı olmak için nasıl kullanılabileceklerini görmek için bu ipuçlarının her birine daha ayrıntılı olarak bakalım.

1. Vokalist İçin Uygun Bir Çalışma Alanına Sahip Olun

Enstrümantalleri veya hatta vokalleri kendi başınıza kaydederken, dağınık bir stüdyo ortamından kurtulabilirsiniz.

Bu düzensizlik, klavyeleri, gitarları ve diğer enstrümanları, telleri, pedalları, amplifikatörleri, hoparlörleri, rafları ve uygun şekilde kaldırmadığınız diğer ekipmanları içerebilir.

Nasıl çalıştığınıza bağlı olarak, bu her şeyi elinizin altında tutabilir ve verimli çalışmanıza izin verebilir veya işleri daha da zorlaştırabilir. Her iki durumda da, bu sizin stüdyonuz ve sizin seçiminiz.

Stüdyonuzda sizinle çalışmak için birisi geldiğinde bu düzensizlik işleri daha da zorlaştırabilir. Bir enstrümanı çalmak için gelen insanlar onun etrafında çalışabilirler – normalde pratik yaptıkları her odada etrafta yatan enstrümanlar ve amplifikatörlerde kullanılabilirler.

Öte yandan vokalistler, ekipmanla çevrelenmiş haldeyken performans sergilemeye alışık olmayabilirler ve bu onları daha en başından rahatsız hissetmelerine neden olabilir.

Stüdyonuzda vokalistin kendini rahat hissedebileceği ve “alana girebileceği” açık bir alan olması, harika bir performans ortaya koymalarına yardımcı olacaktır.

Bu “şarkıcı istasyonunda” mikrofon, bir müzik sehpası ve çekimler arasında kulaklıkların saklanabileceği bir yer ile uygun bir mikrofon sehpasına monte edilmelidir. Ayrıca mikrofon etrafında bir tür akustik işleme de ihtiyacınız olabilir. Aslında vokalisti kaydetme ile ilgili olarak bu konulara sayfanın ilerleyen kısımlarında bir göz atacağız.

Profesyonel stüdyolar genellikle vokalistin stüdyo alanının geri kalanından izole edildiği bir ses kabinine sahiptir. Buna rağmen bazı yapımcılar kayıt yaparken vokalist ile aynı odada olmayı tercih ediyor.

Örneğin, “Meydan Okuyanlar” adlı belgesel dizisini izlerseniz, Dr Dre’nin size yeni evinde inşa ettiği ev stüdyosunu gezdirdiğini göreceksiniz.

Vokal odasına geldiğinde, vokali kaydederken vokalistin stüdyo odasında yanına gelmesini sevdiği için onunla ne yapacağını merak ettiğini söylüyor.

Ayrıca vokalistin odada yanınızda olmasını isteyip istemediğinizi veya ayrı bir alana sahip olmasının onlar için daha iyi olup olmayacağını da düşünmelisiniz.

Stüdyo Aydınlatması ve Sıcaklık

Düşünülmesi gereken diğer bir konu da stüdyo aydınlatması ve sıcaklığıdır.

Stüdyoda güçlü bir aydınlatma olması yararlı olabilir, böylece ne yaptığınızı ve şeylerin nereye takılması gerektiğini görebilirsiniz, ancak bu vokalisti rahat hissettirmeyebilir.

Daha yumuşak aydınlatma, çevreye daha yakın bir his uyandıracağından vokalistin performansını artırma olasılığı daha yüksektir.

Stüdyo aydınlatmanız için karartıcı anahtarlar takmak zor değildir, ancak devre tarafından üretilen gürültü ve ses paraziti ile ilgili sorunlar yaşayabileceğiniz için buna dikkat etmeniz gerekir.

Daha iyi bir çözüm, iyi aydınlatmak için ihtiyacınız olan her şey için ayrı aydınlatmaya sahip olmak ve stüdyonun vokalistin performans göstereceği bölümünde daha kısık aydınlatmaya sahip olmak olabilir.

Vokalist bir şarkı sözü okumak isterse, nota sehpasında küçük bir okuma ışığına ihtiyaç duyulabileceğini unutmayın.

İyi bir vokal performansı elde etmek için stüdyodaki sıcaklığın doğru olduğundan da emin olmanız gerekir.

Çok sıcaksa, vokalist uyuşukluk hissetmeye başlayabilir ve bu, daha fazla ısınmamak için hareket etmeyi bırakmalarına neden olabilir. Çok soğuksa, vokalistin ses telleri gerilebilir ve bu da şarkı söyleme yeteneklerini engelleyebilir. Çok sıcak veya çok soğuk olan bir stüdyo, düz ve duygusuz bir kayda yol açabilir.

2. Vokaliste Duyarlı ve Destekleyici Olun

Vokalist ister daha önce hiç tanışmadığınız biri, ister en iyi arkadaşlarınızdan biri olsun, duyarlı ve destekleyici olmanız gerekir.

Siz ve vokalist kayda devam etmek isteyebilirsiniz, ancak seans gerçekten başlamadan önce genellikle biraz sohbet etmek ve bir ilişki geliştirmek yardımcı olur.

Vokalistin ayrıca kayda başlamadan önce “ısınması” gerekecektir ve muhtemelen bunu yapmak için kendi rutinleri olacaktır. Vokalist ısınırken dikkat ederseniz, gün içindeki perde doğruluğu ve vokal aralığı hakkında bazı fikirler edinebilirsiniz.

Harika bir vokal kaydının anahtarlarından biri, vokalistten parça için gereken duyguları aktaran bir performans almaktır. Vokalistler için rahat hissetmezlerse bunu yapmak çok zordur.

Endişeli hisseden biri, normalde kolayca yapabileceği şeyleri yapmakta zorlanır. Yüksek basınçlı durumlarda her zamanki kadar iyi performans gösteremeyen sporculara bakın. Şarkı söylemek aynen böyledir.

Bir vokalist strese girdiğinde, ses telleri gerginleşir ve şarkılarını doğru şekilde perdelemekte zorlanırlar. Ağız ve boğaz kurur, bu yüzden öksürmeye başlayabilir veya olabileceğinden endişe ettikleri için odaklarını kaybedebilirler.

Başını sallamaya ve gülümsemeye devam et

Hem vokalist şarkı söylerken hem de bir bölümü kaydetmeyi bitirdikten sonra cesaret verici olmak önemlidir.

Başlamadan önce, vokaliste bir hata yaparsa devam etmesini söylemeniz genellikle yararlıdır. Performans, tek bir hatanın dışında harika olabilir ve bu genellikle daha sonra düzeltilebilir.

Vokalist, kayıt sırasında sizi görebilecekleri bir yerdeyse, tepkinizi görmek için neredeyse kesinlikle size garip bir bakış atıyor olacaklardır.

Ortalama bir performans olsa veya belki de pek iyi gitmese bile, müzikle vaktinde başını sallamak ve hoşuna gidiyormuş gibi görünmek her zaman yararlıdır.

Vokalistten bir şeyi tekrar denemesini istemek, önceki girişimlerin yeterince iyi olmadığı anlamına gelebilir ve bu da vokalistin endişeli hissetmesine neden olabilir. Öyleyse, onlardan başka bir şey yapmalarını nasıl isteyeceğinizi düşünün.

Bu vokalisti cesaretlendirecek ve rahatlamasına yardımcı olacaktır. Vokalistin rahatlamış olması, o anda kaydedilen bölüme ve ayrıca oturumda daha sonra kaydedilecek bölümlere yardımcı olacaktır.

3. Doğru Mikrofon Kurulumunu Kullanın

Vokal performansını yakalayacak olan mikrofon, bu yüzden (tabii ki) bunu doğru şekilde ayarlamak önemlidir.

Bu , kullanılacak mikrofon türü , sesi etkili bir şekilde yakalamak için nasıl yerleştirileceği ve çevresinde herhangi bir akustik işleme ihtiyacınız olup olmadığı hakkında düşünmeniz gerektiği anlamına gelir.

Önerilen donanım bölümümüzde bu tür donanımlar hakkında daha fazla bilgiye sahibiz.

Mikrofon Türü

Ses kaydetmek için kullanılan üç ana mikrofon türü vardır. Bunlar dinamik mikrofonlar, şerit mikrofonlar ve yoğunlaştırıcı mikrofonlardır.

Üç mikrofon da bir elektrik alanında bir şeyi hareket ettirerek sesi bir ses sinyaline dönüştürerek ses titreşimlerini ses sinyaline dönüştürür.

Her birinin güçlü yönleri ve sınırlamaları vardır, ancak biri diğer ikisinden çok daha fazla vokal kaydetmek için kullanılır.

Dinamik Mikrofonlar

Dinamik mikrofonlar, canlı bir performansta sahnede kullanan şarkıcıları göreceğiniz türdür. Çok fazla cezaya dayanabilirler, bu yüzden çoğunlukla canlı bir ortamda kullanılırlar.

Bir mıknatısın içinde ağır bir bobin bulunan ses dalgalarını bir ses sinyaline dönüştürme biçimleri nedeniyle, yakalanan ses, vokal kaydı için gereken tanımdan yoksun olabilir.

Şerit Mikrofonlar

Şerit mikrofonlar, ses dalgalarını ses sinyaline dönüştürmek için manyetik alanda hareket eden ince bir metal malzeme şeridi kullanır. Şerit düzeneğinin hafifliği bu mikrofonları çok hassas kılar ve kayıt için çok uygundurlar.

Başlıca zayıflıkları ne kadar kırılgan olduklarıdır, bu yüzden kolayca zarar görürler. Bu, yüksek fiyatları ile birlikte, onları ev kayıt stüdyolarında çok nadiren gördüğünüz anlamına gelir.

Kondansatör / Kondansatör Mikrofonları

Kondansatör mikrofonlar, ses dalgalarını ses sinyaline dönüştürmek için bir kapasitör kullandıklarından bazen kapasitör mikrofonlar olarak adlandırılır.

Bu kapasitör, ses dalgaları tarafından vurulduğunda titreşen elektrik yüklü bir diyafram şeklini alır. Titreşimler, kaydedilen ses sinyaline dönüştürülür.

Gelen ses dalgalarının diyaframı hareket ettirmesi kolay olduğundan, bir kondansatör mikrofon çok hassastır ve sesi doğru şekilde yakalamanızı sağlar.

Sonuç olarak, yoğunlaştırıcı mikrofonlar “düz” bir frekans tepkisine sahiptir, bu da sesin duyulabilir frekans aralığı boyunca oldukça eşit bir şekilde temsil edildiği anlamına gelir. Bu, yoğunlaştırıcı mikrofonları bir stüdyo ortamında vokal kaydı için çok uygun hale getirir.

Kondansatör mikrofonları oldukça hassastır ve kolayca zarar görebilir, ancak şerit mikrofonlardan daha az olabilir. Ayrıca daha ucuz olabilirler.

Bunu söyledikten sonra, bir kondenser mikrofon için ödeyebileceğiniz fiyat çok değişir. Her zaman kullandığım bir tane var ve 50 dolardan daha düşük maliyetli harika sonuçlar veriyor. En pahalı kondenser mikrofonların her biri yaklaşık 10.000 dolara mal olabilir.

Bir kondenser mikrofon, stüdyonuzda vokal kaydetmek için neredeyse kesinlikle en iyi seçimdir ve bir tane satın alırken fiyat aralığınızı düşünmeniz gerekecektir.

Tavsiye, size istediğiniz sesi veren bir mikrofon bulmak için her zaman farklı mikrofonları denemektir. Eğer Max Martin veya Calvin Harris iseniz, bunu kolayca yapmanın yollarına sahip olabilirsiniz, ancak çoğumuz için diğer insanlardan gelen tavsiyeleri dinlemeli ve kararı buna göre vermeliyiz.

Neyse ki çevrimiçi olarak bize yardımcı olacak çok sayıda makale ve video var. 50 sterlinlik kondenser mikrofonuma böyle karar verdim ve bunu yaptığım için mutluyum.

Mikrofon Yerleşimi

Kullanılacak en iyi mikrofonu seçtikten sonra , vokalistin performansını yakalamak için doğru konumda olması için yerine sabitlemeniz gerekecektir.

Bir ev stüdyosunda, vokalleri kaydetmeye ayrılmış kalıcı bir alana sahip olamayabilirsiniz. Bu, muhtemelen mikrofon standını gerektiği gibi içeri ve dışarı hareket ettirebilmeniz gerekeceği anlamına gelir.

Taşınabilir mikrofon sehpaları çeşitli tiplerde gelir. Çoğu insanın düşündüğü şey, şarkıcıların sahnede kullandığını gördüğünüz “düz yukarı-aşağı” dikey mikrofon standıdır. Ayrıca, mikrofonu daha hassas bir şekilde konumlandırmanıza olanak tanıyan ayrı bir bom ile dikey bir bölümü olan “boom” mikrofon sehpaları da alabilirsiniz.

Alan sınırlıysa, bir bom yatay olarak genişlediğinden ve daha fazla alana ihtiyaç duyduğundan, düz dikey mikrofon sehpasıyla gitmek isteyebilirsiniz.

Kullandığınız stand türü ne olursa olsun, mikrofon bir “şok montajı” kullanılarak takılmalıdır. Bu, zeminden, mikrofon sehpasından ve genel olarak odadan gelen istenmeyen titreşimlerin çok hassas kondansatör mikrofon tarafından alınmasını önler.

Mikrofon normalde vokalistin burnu ve ağzı arasında bir yere işaret edecek şekilde yerleştirilmelidir. Mikrofon üreticilerine göre Shure, bu, mikrofonun sesin tüm sesini almasına yardımcı oluyor.

Mikrofon, vokalistin ağzının önünde olması gerekmesine rağmen, “b”, “p”, “d” gibi patlayıcılardan “pop” sesi çıktığında üretilen hava patlamalarının yakalanmasını önlemek için genellikle hafifçe merkezin dışına yerleştirilir. ve “k” söylenir veya söylenir.

Pop-Filtre Kullanın

Bir vokal kaydında yakalandıktan sonra pop sesleri çıkarmak çok zordur. Bazen açılır kalkan olarak adlandırılan bir açılır filtre kullanarak sorunu daha da ortadan kaldırabilirsiniz.

Bir pop filtresi genellikle mikrofonun önüne, mikrofonla vokalistin ağzı arasına yerleştirilen bir çerçeve tarafından desteklenen ince bir ağdan oluşur.

İnce ağ, patlayıcı sesler tarafından üretilen patlamayı durdururken vokalistin seslerinin mikrofon tarafından alınmak üzere geçmesine izin verir.

Mikrofon ve Vokalistin Ağzı Arasındaki Mesafeyi Ayarlayın

Hangisinin sesini beğendiğinizi görmek için birçok farklı mikrofonu deneyemeyebilirsiniz, ancak istediğiniz sesi elde etmek için mikrofon ile vokalistin ağzı arasındaki mesafeyi kesinlikle ayarlayabilirsiniz.

Örneğin, vokalistin ağzı mikrofona daha yakınsa, bu yakınlık efekti denen şeyi üretebilir. Sonuçlar, mikrofon tarafından yakalanan daha düşük frekanslarda bir artış. Samimi bir ses türü arıyorsanız bu harika olabilir, ancak daha enerjik bir ses için uygun değildir.

Vokal Performansını İzole Etmeye Çalışın

Yalnızca vokalistin performansını yakalamak istediğinizden, stüdyodaki yüzeylerden gelen yansımalardan veya yankılardan kaynaklanan parazitleri önlemek için vokalisti ve mikrofonu stüdyonun geri kalanından izole etmek önemli olabilir.

Stüdyonuz, ses yansımalarını kontrol etmek için zaten bazı akustik işlemlere sahip olabilir , ancak vokalleri kaydettiğiniz yere özel bir işlem uygulanabilir. Bu, mikrofonun arkasını emici bir ekranla çevreleyerek yapılabilir. Bunlar bazen taşınabilir ses kabinleri olarak tanımlanır.

Ekran genellikle yaklaşık bir fit yüksekliğinde ve iki fit genişliğindedir ve esnek yan bölümlere sahiptir, böylece ekran mikrofonun kenarları etrafında uzayabilir.

4. Kulaklık Karışımını Doğru Alın

Vokalistinizin genellikle şarkı söylerken bir tür arka parça duyması gerekecektir. Bu neredeyse her zaman kulaklık kullanılarak yapılır.

Vokaliste eşlik edebilecekleri bir kulaklık karışımı sağlamanız gerekecek. Buna genellikle katlama karışımı denir.

Vokalist, foldback karışımına neyin dahil olduğu konusunda bir tercihe sahip olabilir. Örneğin, bazı vokalistler arka planın tamamını duymaktan hoşlanırken, diğerleri sadece geri alınmış bir kılavuz parçasını dinlemeyi sever. Ayrıca, katlama sırasında kendi seslerinin ne kadarını duyabilecekleri konusunda da bir tercihleri ​​olabilir.

Katlamanın hacmi de bir fark yaratabilir. Destek hattı çok sessizse, doğru şekilde takip edemeyebilir ve bu da ayarlama sorunlarına yol açar. Çok yüksekse şarkı söylerken kendi kendilerini duyamayabilirler ve bu da benzer sorunlara yol açabilir.

Geri dönüşteki vokallere biraz yankı eklemek, vokalistin performansı hakkında daha emin hissetmesine yardımcı olabilir ve daha iyi performans göstermesini sağlayabilir.

Sıkıştırma eklemek de vokal sesini daha iyi hale getirir, ancak vokalistin performansındaki dinamikleri daha iyi yargılayabilmesi ve kontrol edebilmesi için bunu geri çekmeye eklememek tercih edilebilir.

Vokalist, geri dönüşü dinlerken, parçanın muhtemelen koro olan en gürültülü bölümlerinden birini söylemelerini isteyin ve seviyeleri kontrol edin.

Vokal kanalındaki kazancı 0dB FS’nin (Tam Ölçek) üzerine çıkmaması için ayarlayın. Ardından kazancı biraz daha azaltın, belki -3dB daha fazla. Bu, vokalist performans sırasında “buna devam edebileceği” ve denemeden biraz daha yüksek sesle şarkı söyleyebileceği için biraz boşluk bırakıyor.

5. Hazırlıklı Olun ve Dikkat Edin

Vokalistlerin bir kayıt seansına hazırlanmalarına yardımcı olacak pek çok bilgi var, peki ya siz, yapımcı?

Bir ses kaydı oturumu için uygun şekilde hazırlanmanız çok önemli, ancak ne hazırlamalısınız?

Destek parçasına sahip olmanız ve vokaliste uygun geri katlama için bir kulaklık karışımı sağlamak için bazı seçeneklere sahip olmanız gerekecektir.

Ayrıca şarkının, sizin, vokalistlerin veya başka birinin olsun, içten dışa bilmeniz gerekecek. Bu, kayıt sırasında parkurda nerede olduğumuzu bulmak için mücadele etmenize gerek olmayacağı anlamına gelir.

Ayrıca, hangi vokal kayıtlarına ihtiyaç duyulduğunu, hangi armoni vokallerini dahil etmek istediğinizi ve eklenebilecek tüm adlibleri (adliblerin kendiliğinden olması gerekse bile) önceden çalışmalısınız.

Daha önce, vokalisti rahatlatmak için eleştirel bir şekilde dinlemek yerine sadece performansın tadını çıkarıyormuş gibi görünmenizi tavsiye etmiştik.

Bu doğru olsa da, yapmanız gereken şey eleştirel bir şekilde dinlemektir. Olabilecek sorunları belirlemeniz ve bunları düzeltmenin yollarını düşünmeniz gerekir.

Örneğin, vokalistin tonlaması çok iyi olmayabilir veya daha yüksek notalara basmakta zorluk çekebilirler. Ayrıca, vokalist şarkı söylerken sallanıyor olabilir, bu da ses düzeylerini tutarsız hale getirecek şekilde mikrofonla aralarındaki mesafeyi değiştirebilir.

Ve bu bir Sargı

“Kaydet” düğmesine bastıktan sonra olanlara gerçekten fazla odaklanmadığımızı fark etmişsinizdir. Bunun nedeni, deneyimsiz ev stüdyosu üreticileri için sorunlara yol açabilecek bir vokalisti ev stüdyonuzda kaydetmenin pratik ve insani yönüne bakmak istememizdi.

Gelecekteki bir makalede “Kaydet” düğmesine basıldıktan sonra önemli olan bazı şeylere daha fazla odaklanacağız.

Ses Mastering Nedir ve Ev Stüdyonuzda Kendiniz Yapabilir misiniz?

Müzik prodüksiyonunuzdaki parçaları kaydetmeyi ve mikslemeyi bitirdikten sonra, muhtemelen sürecin bir sonraki aşamasının sese hakim olmak olduğunu biliyorsunuzdur. Peki ses mastering tam olarak nedir?

Ses yönetimi, bir gizlilik içinde örtülmüş gibi görünebilir ve gizli bir topluluğun yalnızca seçilmiş birkaç üyesi bunu yapabilir. Uzmanlaşmanın çok fazla uzmanlık ve bazı pahalı ekipman gerektirebileceği doğru olsa da, anlamaya çalışmanız ve mümkün olan her yerde kendi başınıza yapmaya çalışmanız gereken bir şeydir.

Audio Mastering nedir?

Mastering, tarih veya kayıt üretiminden gelen bir terimdir. Ana disk, disk üzerindeki bir kaydın tüm kopyalarını üretmek için kullanıldı ve bu diskler plak dükkanlarında satılacaktı.

Vinil kayıtlar bir geri dönüş yapıyor gibi görünüyor, bu yüzden gençlerin birkaç yıl önce olabileceğini düşündüğüm gibi bu süreci hayal etmeleri o kadar zor olmayacak.

Günümüzde mastering dediğimiz sürece ön-mastering deniyordu ve bu, sesi ana diske kesilmeye hazır hale getirme süreciydi.

Bu modern mastering işlemi sırasında, ses prodüksiyonumuzu mümkün olduğunca geniş bir ses ekipmanı yelpazesinde mümkün olduğunca iyi ses verecek şekilde hazırlamamız gerekiyor.

Mastering sürecinin müzik prodüksiyonuna “cila” kattığı söyleniyor. Bu, müziğin ses mastering olmadan çalışacağını ve sesinin iyi olacağını gösterir. Bununla birlikte, mastering işlemi, müziğinizin öne çıkmasını ve profesyonel olarak üretilmiş diğer kayıtlarla tutarlı ses çıkarmasını sağlayacak son dokunuşları ekler.

Üretimlerinizde Kendi Kendinize Ustalaşma

“Profesyonel sürüm” için müziğe mastering konusunda kabul edilen görüş, her zaman bunu kendi başınıza yapamayacağınız (veya denemek için delireceğiniz) ve prodüksiyonunuzu kesinlikle bir mastering stüdyosuna (veya mastering house) göndermeniz gerektiği şeklinde göründü. ) doğru şekilde yaptırmak.

Ancak, “profesyonel serbest bırakma” nın anlamı son birkaç yılda değişti. Herkes müziğini Soundcloud gibi bir web sitesinde yayınlayabilir ve müziğinizi Spotify gibi bir akış hizmetinden almak o kadar da zor değil.

Prodüksiyonlarınızın profesyonel görünmesini ve diğer benzer müzikler kadar iyi olmasa da iyi olmasını istiyorsunuz. Profesyonel uzmanlık hizmetleri size bu konuda yardımcı olabilir ve gerçekten çok kapsamlı değiller.

Ancak, ses mastering sürecini anlıyorsanız ve bunu kendiniz nasıl yapacağınızı biliyorsanız, o zaman bu sizi daha iyi bir yapımcı yapmalıdır. İşlemin nereye gittiğini bileceğiniz için kayıt ve miksaj sürecini daha iyi anlamanıza da yardımcı olacaktır.

Bu, prodüksiyonlarınıza kendi başınıza hakim olmaya karar vermeniz veya bunları bir mastering stüdyosunda bir mastering mühendisi tarafından yaptırmanız durumunda geçerlidir. Öyleyse, kendi ses masteringinizi yaparken nelerin dahil olduğuna temel bir bakalım.

Basit DIY Ses Yönetimi

İnsanlar bazen, mastering stüdyosuna gönderdiklerinin prodüksiyonunuzdaki tüm parçalar olduğunu düşünür. Bu neredeyse hiçbir zaman böyle değildir.

Bir stüdyoya mastering yapmak için normalde göndereceğiniz şey bir stereo ses dosyasıdır. Bu, dikkatli kayıt ve karıştırma işleminizin sonucudur ve mastering mühendisi bunu mastering işlemi için başlangıç ​​noktası olarak kullanır.

Yalnızca bir stereo ses dosyasına erişim sahibi olmak, değişiklik yapmak için karışımdaki tek tek parçalara geri dönemeyeceklerinden, mastering mühendisinin yapabileceklerine sınırlamalar getirir.

Bu nedenle, uzmanlık mühendisi belirli parçalara, yalnızca tek stereo ses dosyasına erişimleri olmadığı için geri dönüp miksaj sorunlarını çözemediğinden, prodüksiyonunuzu düzgün bir şekilde mikslemeniz gerektiği her zaman vurgulanır.

Kendi müziğinizde ustalaşacaksanız, mastering sürecinden geçerken tek tek parçalara erişiminizin olması yardımcı olabilir. Mastering aşamasına geçmeden önce parçanızı mikslemeyi bitirmelisiniz, ancak en azından miks içindeki parçalara ayarlamalar yapma yeteneği yardımcı olabilir.

Akılda tutulması gereken bir şey, üzerinde çalışacağınız ses dosyalarının örnekleme hızı ve bit derinliğidir . Son mastering parçanız 16 bit çözünürlükte ve 44,1 kHz örnekleme hızında dışa aktarılabilse de, genellikle miksaj ve mastering işlemi sırasında daha yüksek çözünürlüklü sesle çalışmanız önerilir.

Depolama alanı normalde modern bilgisayarlar ve depolama cihazlarında bir sorun değildir ve daha yüksek çözünürlüklü sesin gerektirdiği CPU yükünü yönetebilirsiniz, bu nedenle bunun bir sınırlama olması olası değildir. Süreç boyunca sesi olabildiğince yüksek çözünürlükte tutmanın daha iyi sonuçlar üretmeye yardımcı olduğu düşünülmektedir.

Stereo Ses Dosyanızı Mastering İçin Hazırlayın

Efektler ve otomasyon dahil tüm parçaların istediğiniz şekilde karıştırıldığından emin olduğunuzda, bunları ileriye taşımak için hazır hale getirmeye başlamalısınız.

Parçalardaki enstrüman ve efekt ayarlarıyla uğraşmaktan kaçınmak için, parçanızdaki her bir parçayı bir ses dosyası olarak işleyebilirsiniz. Başlamak için bir ses dosyası olsa bile, bu, tek tek ses dosyalarına herhangi bir efekt ve otomasyon yerleştirmenize izin verecektir.

Her parçanın son sürümüne bu taahhüdü vermek önemlidir. Kendi kendinize, bu özel parçanın bittiğini ve artık onu değiştirmeyeceğinizi söylüyorsunuz.

Bu “çoklu kanallara” sahip olduğunuzda, bazıları mono, biraz stereo, müzik parçanızı oluşturan “gövdeleri” oluşturmak için bunları belirli enstrüman veya öğe gruplarında birleştirebilirsiniz.

Bu parçaları bir grup ses parçası veya kök olarak oluşturmadan önce, o grup için karışımı dengelemek için her gruptaki ayrı parçaların seviyelerini ayarlayabilirsiniz. Artık “Drums Stem.wav”, “Keys Stem.wav”, “Vox Stem.wav” gibi adlara sahip daha az sayıda ses dosyasına sahip olacaksınız.

Orijinal çoklu kanalların kök olarak işlenmesi, üzerinde çalıştığınız toplam parça sayısını azaltmanıza olanak tanır. Ayrıca, ürettiğiniz dosyaların sesine bir taahhütte bulunduğunuz başka bir nokta sağlar.

Sürecin her aşamasında bu taahhüt adımlarını atmazsanız, ses dosyalarına taahhüt vermezseniz, orijinal parçalara, hatta orta parçalardaki enstrüman ayarlarına gidip gelmek çok kolaydır.

Artık grup kök ses dosyalarının seviyelerini, tek bir stereo ses dosyasına dönüştürmeden önce birlikte çalanları dinlerken ayarlayabilirsiniz.

Stereo Ses Dosyanızı Dinleyin

İnsanlar bir parçada ustalaşmaya başladıklarında, genellikle sesi değiştirmek için eklentileri ve diğer cihazları kullanma sürecine doğrudan atlarlar. EQ, uyarıcılar, kompresörler, sınırlayıcılar ve müziklerinde sihir yaratabilecek her şeyi kullanmak istiyorlar.

Genellikle yapmayı unuttukları şey, ses dosyalarını dinlemektir.

Profesyonel uzman mühendislerini “özel” kılan şeylerden biri, hoparlörlerden (veya kulaklıklardan) çıkan sesi gerçekten dikkatle dinlemeleri. Kendi kayıtlarında ustalaşmaya çalışan insanlar genellikle buna yeterince zaman harcamazlar.

Unutmayın, mastering, müziğinizi olabildiğince çok farklı ses ekipmanı üzerinde mümkün olduğunca iyi hale getirmekle ilgilidir.

Telefonunuzla birlikte gelen kulaklıklarla, sahip olduğunuz en iyi miksleme kulaklıkları, stüdyo monitörleriniz, arabanızdaki hoparlörler, mangallara götürdüğünüz bluetooth hoparlör ve normalde müzik dinlediğiniz hoparlörler aracılığıyla ses dosyanızı dinleyin. evde. PA hoparlörlerine erişiminiz varsa veya bir gece kulübünde çalabiliyorsanız, bunu da yapın.

Kaydı her dinlediğinizde ne duyduğunuzu düşünün. Neyin kulağa iyi gelip neyin o kadar iyi gelmediğine dair genel bir izlenim edinmeye çalışıyorsunuz. Ayrıca, bu aşamada istenmeyen gürültü olup olmadığını dikkatlice dinleyin. Tüm bu farklı konuşmacılarda ve farklı ortamlarda dinlemek, bunu anlamanız için size iyi bir fırsat verir.

Gürültünün türünü ve ortaya çıkan müzik parçası içindeki zamanı not edin. Buna daha sonra geri döneceğiz.

Müziğe verdiğiniz duygusal tepkiyi düşünün. Kaydı bitirdiğinizde muhtemelen “bitirdiğiniz” için oldukça heyecanlıydınız. Karıştırırken muhtemelen ayarlamalarınızın ve efektlerinizin kulağa daha iyi gelmesini sağlama şeklinden keyif alıyordunuz.

Peki ya şimdi? Bu seni nasıl hissettiriyor? Usta usta Bob Katz’a göre, müziği daha heyecanlı hale getirmek için neler yapabileceğinizi düşünmeniz gerekiyor. Umarım zaten oldukça heyecan verici, harika bir melodi ve uyum, belki de harika bir vokal performansıyla ve şimdi mümkün olduğunca iyi bir ses çıkarmak istiyorsunuz.

Dosyayı DAW’nize Yükleyin ve Stüdyonuzda Dinleyin

Stüdyo monitör hoparlörleri ve stüdyonuz için akustik işleme ile ilgili bazı konulara zaten baktık , bu yüzden burada bunlar hakkında konuşmaya fazla zaman harcamayacağız.

Ancak, stüdyo hoparlörlerinizin ve sesin duvarlardan ve diğer yüzeylerden yansıma şeklinin işittiğiniz sesi etkileyebileceğinin farkında olmak önemlidir.

Şimdi kaydınızın stereo ses dosyasını müzik üretim yazılımınıza veya DAW’a (dijital ses iş istasyonu) yüklemelisiniz. Bu aktiviteyi kayıt ve miksaj sürecinden ayırmanız gerektiğinden, mastering için yeni bir proje başlatmalısınız. Bu yüzden taahhüt etmeniz önerildi

1. İstenmeyen Gürültüyü Dinleyin

Karıştırma işlemi sırasında herhangi bir istenmeyen gürültüyü almalı ve gidermelisiniz. Bununla birlikte, parçalar ve gövdeler sese dönüştürüldüğünde bazı istenmeyen seslerin gizlice sızması mümkündür.

Bu aşamada istenmeyen gürültünün giderilmesi önemlidir. Mastering sürecinin önemli bir kısmı, kaydın ses yüksekliğini arttırmaktır ve bu gürültülü sesin yüksekliğinin de artmasını istemezsiniz.

Müziğinizi farklı kulaklık ve hoparlörlerde ve farklı ayarlarda dinlerken, herhangi bir tıklama, uğultu veya diğer istenmeyen gürültüyü ve parçada ne zaman meydana geldiğini not etmiş olmanız gerekir.

DAW’nizde kaydınızı dinlerken, seslerin oluştuğu noktaları yakınlaştırabilir ve nerede oluştuğunu işaretleyebilirsiniz.

Stereo ses dosyasından tüm miksi temsil eden gürültüyü kaldırmak zor olabilir, bu nedenle grubunuzun kaynaklarının ve çoklu kanallarının mevcut olmasının yardımcı olabileceği yer burasıdır.

Her grup kökünü dinleyin ve gürültünün herhangi bir ses dosyasında olup olmadığına bakın. Öyleyse, o grup gövdesini oluşturan ses parçalarının her birini dinleyin ve hangisinin gürültüyü içerdiğini görün.

Bu şekilde, etkilenen tüm ses parçalarındaki gürültüyü gidermek için çalışabilirsiniz. Daha sonra, öncekinden çok daha az gürültüye sahip olması gereken yeni bir stereo ses dosyası oluşturmadan önce parçaları bir grup köküne dönüştürebilirsiniz.

Mastering stüdyolarındaki mühendislerin genellikle grup köklerinize (bunlara sahip olsalar da) veya bireysel parçalara erişimi yoktur. Normalde pahalı olabilecek gürültüyü gidermek için yazılım kullanırlar, bu nedenle kendi başınıza yaparken parçalara erişmek bu masraftan kaçınmanıza yardımcı olur.

2. DAW’nızdaki bir Referans Parçasını dinleyin

Kaydınızda ustalaştığınızda başvurmak için ürettiğiniz parçayla aynı stil veya türdeki bir şarkı veya parçayı içe aktarın.

Eğer DAW’nizde profesyonel olarak üretilmiş ve ustalaşmış bir parçayı daha önce çaldıysanız, muhtemelen ürettiğiniz müzikten ne kadar farklı ses çıkardığına şaşıracaksınız. Bu şekilde profesyonelce hazırlanmış müzikleri dinlemeye alışkın değilseniz kulağa oldukça tuhaf gelebilir.

Referans parçayı dinlemek ve prodüksiyonunuzla karşılaştırmak, ton dengesi, dinamik aralık ve parçanın ne kadar heyecan verici duyulduğu açısından neyi hedeflediğinizi duymanızı sağlar. Bu aşamada, prodüksiyonunuz muhtemelen kıyaslandığında oldukça düz görünüyor.

3. EQ (Eşitleme) uygulayın

Daha önce olduğu gibi, EQ uygulamak için başlangıç ​​noktası parçanızı dinlemektir. Bundan sonra ona parça olarak değineceğiz, çünkü bu, DAW’nizde bir stereo ses parçası.

Daha önce de bahsettiğim gibi, birçok insan müziğini dinlemek yerine görsel olarak karıştırmaya ve ustalaşmaya çalışıyor. Görsel araçlar size yardımcı olmak için tasarlanmıştır ancak kulaklarınızı değiştirmeyi amaçlamaz.

Düşük ve yüksek frekanslar arasındaki dengeyi dinleyin, miks içindeki ayrı enstrümanların ve seslerin sesini dinleyin. Kaydınızdaki ayrı bölümleri karıştırırken bunu yapıyor olacaksınız, ancak mastering işlemi sırasında tekrar gözden geçirmeniz gerekecek. Bu, EQ kullanarak neyin ayarlanması gerektiğine karar vermenize yardımcı olacaktır.

Özetlemek gerekirse, EQ kontrolleri belirli frekansları seçmenize ve o frekansta ses seviyesini yükseltmenize veya azaltmanıza izin verir . Bazı EQ eklentileri bunu yalnızca tek bir frekansta yapmanıza izin verirken çoğu, seviyeleri birkaç ayrı frekansı seçmenize ve ayarlamanıza izin verir.

Daha fazla etki sağlamak için bir frekansın seviyesini artırmak genellikle caziptir. Bununla birlikte, profesyonellerin tavsiyesi genellikle vurgulamak istediğiniz frekansın seviyesini düşürmektir, çünkü bu, daha hoş bir şekilde öne çıkmasına yardımcı olur.

Uzman mühendislerin kullanacakları terimleri kullanarak dinlediği şey türleri, kulağa çamurlu gelip gelmediği ve tanımdan yoksun, gümbürtülü sesler, zayıf sesler veya biraz “toppy” olup olmadığıdır.

Bunların tümü EQ kullanılarak azaltılabilen veya düzeltilebilen sorunlardır. Efekt eklentileri yapan bir şirket olan Waves’in her biri ile ilgili olarak deneyebileceğiniz bazı kısa önerileri burada.

Çamurlu Sesler ve Tanımı Eksik

Parçanız çamurlu ve tanım açısından eksik geliyorsa, bunun nedeni orta aralık frekanslarının genel sese hakim olması olabilir. 150-350Hz aralığında ses seviyesini düşürürseniz yardımcı olabilir. Bu, sırasıyla yukarıdaki ve altındaki frekansların seviyesini keserek daha düşük ve daha yüksek frekansların vurgulanmasına yardımcı olacaktır.

Mix İnce Sesler

Parça “zayıf” veya özü eksik geliyorsa, yukarıdaki sorunun tam tersini yapabilirsiniz. İnce bir sondaj parçası genellikle orta aralıkta enerjiden yoksundur, bu nedenle bunun yardımcı olup olmadığını görmek için seviyeyi 500Hz civarında yükseltmeyi deneyebilirsiniz.

The Track Boomy Sesleri

“Gümbür gümbür gümbür” sesi çıkaran bir parça, genellikle daha düşük işitilebilir frekans aralığında çok fazla enerjiye sahiptir. Frekans seviyelerini 100-150Hz civarında düşürmeyi deneyebilirsiniz.

Bunu, belirli frekans aralığını keserek, üstündeki ve altındaki seviyeleri etkilenmeden bırakarak ve 150Hz’nin altındaki tüm frekansları keserek ve hangisinin en iyi çalıştığını dinleyerek yapmayı deneyin.

Parça En İyi Sesler

Eğer parça yüksek frekanslarda çok fazla enerjiye sahipse, sesin “toppy” olduğu söylenir. Bu, zil gibi şeylerin yaşadığı çok yüksek frekanslar değil (aşağıya bakın), ancak diğer enstrümanların işgal ettiği yüksek frekanslar, 3-8 kHz civarında. Bu frekanslar civarında seviyeyi düşürmek dengeyi yeniden sağlayabilir.

Ses Donuk

Çok yüksek frekansların olmaması parçanızın sesini sıkıcı hale getirebilir. Frekans seviyesini 10 kHz’in üzerine çıkarmak, parçanıza biraz daha fazla “zing” verebilir. Ancak, yüksek frekanslar gerçekten öne çıkabileceğinden, zil gibi şeyleri fazla vurgulamamaya dikkat etmelisiniz.

Parçanın Varlığı Yoktur

“Varlığın” olmaması, genellikle bir şeyin eksik olduğu anlamına gelir. Bir kaydın en göze çarpan kısmı genellikle baş vokal veya baş enstrümandır (örneğin gitar veya piyano) ve genellikle göze çarpmayan şey budur.

Kurşun vokaller ve enstrümanlar, 3-5kHz civarında seviyeler artırılarak parçada vurgulanabilir. Seviyeleri çok fazla yükseltmemeye dikkat edin, çünkü bu unsurları çok fazla öne çıkarmak parçanın sesinin doğal olmaymasına neden olabilir.

4. Dinamik Aralıkta Ayarlamalar Yapın

Parçanızdaki farklı frekanslar arasındaki dengeden memnun olduğunuzda, dinamik aralıkta ayarlamalar yapmak için ilerleyebilirsiniz. Bu normalde bir kompresör kullanılarak yapılır .

Bir kompresör, daha sessiz sinyalleri etkilemeden daha yüksek sinyallerin sesini azaltmanıza olanak tanır. Daha yüksek bölümlerin ses seviyesi azaltıldığında, parçanızın genel ses seviyesini artırabilirsiniz. Bu, parçanın sesini daha yüksek yapma etkisine sahiptir ve sonuç olarak genellikle daha iyi ses çıkarır.

Yolunuzdaki belirli frekanslarla ilgili hala sorun yaşıyorsanız, aynı anda birkaç belirli frekansı hedeflemenize izin veren çok bantlı bir kompresör kullanabilirsiniz.

Basit olması için, EQ kullanarak frekansları dengelemeyi başardığınızı ve tek bantlı bir kompresör kullanacağınızı varsayacağız. İsim, tek bantlı bir kompresörün belirli bir frekans aralığını hedeflemenize izin verdiğini öne sürüyor, ancak burada terimi, belirli bir frekansı hedeflemeyen bir kompresörü ifade etmek için kullanıyoruz. Bu, teorik olarak yine de tüm frekansları eşit şekilde sıkıştıran bir kompresör anlamına gelir.

Kompresör kullanımıyla ilgili her türlü karmaşık bilgiyi okudum ve bazılarını takip etmekte oldukça zorlandım. Sıkıştırma basit olmalı gibi görünüyor. 1. Belirli bir eşik seviyesinin üzerine çıkan sesin seviyesini düşürürsünüz, bu da parçanın sesini daha sessiz hale getirebilir. 2. Makyaj kazanım kontrolünü kullanarak sesi tekrar yükseltirsiniz ve hey-presto, her şey daha yüksek sesle duyulur.

Bu konudaki basit görüşüm, son zamanlarda bir ücretsiz kompresör eklentisi denediğimde pekiştirildi. İki ana kontrolü vardı – sıkıştırma ve makyaj kazancı. Adı Klanghelm MJUCjr – ücretsizdir ve kontrol etmenizi tavsiye ederim.

Aylardır kendimi dans ediyormuş gibi hissettirmek için dans tarzı bir parça almaya çalışıyordum ve hiçbir şey işe yaramadı. Parçanın genel sesini beğendim ama kulağa yorgun geliyordu ve tamir edemedim. Süslü mastering eklentileri denedim ve hiçbiri aradığım farkı yaratmadı.

Öyleyse, bedava kompresörüme dönelim. Diğer süslü eklentileri kaldırdım ve onu hem kontroller hem de saat 12 yönünde yola koydum. Aradaki fark inanılmazdı – parça hoparlörlerden fırladı ve ilk kez mutlu ve güçlü geliyordu.

Dolayısıyla, belki kendin yap uzmanlığı amacıyla sıkıştırma kullanımını böyle güzel ve basit tutmak yararlı olabilir.

5. Harmonik Geliştirme ve Stereo Genişletme ekleyin

Yapımcılar parçalarını daha iyi seslendirmek için daha fazla yol bulmaya çalışırken, yapımlarına daha ışıltı katmak için bir harmonik güçlendirici veya uyarıcı kullanabilirler. Bununla ilgili mevcut bilgilerin çoğu, bu cihazların üreticileri tarafından sağlananlar dışında, dikkatli olunmasını tavsiye eder.

Bağımlılık yapıcı olarak tanımlanırlar ve ses üzerinde çok önemli etkileri olabilir. Bazen insanlar bir parçanın daha iyi ses çıkarması için uygun EQ ve sıkıştırma yerine bunları kullanmaya çalışır. Bunları belirli frekanslarda seçici olarak kullanmak yerine, bunları tüm karışıma uygulamak kolaydır ve bu, üreticinin kararını bulanıklaştırır.

Yukarıda anlattığım dans şarkım örneğinde, eksik olduğunu düşündüğüm şeyi vermek için armonik bir uyarıcı kullanmaya çalışıyordum (bunun ne olduğunu gerçekten bilmesem de). Herhangi bir yargıda bulunmadım, sadece uyguladım ve en iyisini umuyordum.

Stereo genişletme bazen koro gibi bir parçanın bir bölümünü farklı türde bir etki vermek için kullanılır. Miksaj işlemi sırasında gerektiğinde stereo efektler uygulayacaksınız ve bu aşamada daha fazla bir şey yapmanız gerekmeyebilir.

Bu aşamada dikkatli kullanılmazsa stereo genişletme, parçanın ortasında bir şeyin eksik gibi göründüğü bir “delik” izlenimi verebilir. Stereo efektleri genel miksajın ayrı bölümlerine daha erken bir aşamada uygulamak muhtemelen daha iyidir.

6. Ana Sınırlamayı Uygulayın

Mastering sürecinin son aşaması, genellikle bir sınırlayıcı eklemektir, böylece yolun genel seviyesi, “kırpmaya” ve hoş olmayan dijital distorsiyona yol açan eşiği aşmadan arttırılabilir.

Aşılmaması gereken seviye 0dBFS’dir (desibel tam ölçek). Desibel oldukça kafa karıştırıcı olabilir ve desibel kullanan bir dizi farklı ölçek vardır.

Desibel Tam Ölçek, bir dijital sistemin distorsiyon oluşturmadan idare edebileceği tam ölçekli veya maksimum düzey olan 0dB’de başlar (kırpma olarak da adlandırılır). Bu nedenle son seviye çıktının 0dBFS’nin altında olması gerekir.

Sürecin daha önceki bir aşamasında sıkıştırılmalarına rağmen, yolun farklı bölümleri yine de farklı maksimum veya tepe seviyelerine sahip olacaktır. Örneğin ayet, korodan daha sessiz olabilir ve ayetten daha sessiz bir arıza bölümü olabilir.

Parçanızı dinlemeniz ve çalarken zirve seviyesini izlemeniz gerekecek. Daha sonra sınırlayıcıyı, seviye hala zirvede 0dBFS’nin hemen altında olacak şekilde ayarlayabilirsiniz. Sadece güvenli tarafta olması için normalde tepe seviyesinin -0.3dBFS’den yüksek olmaması önerilir.

7. Ana Parkurunuzu Dışa Aktarma

Parçanızı kaydederken, mikslerken ve mastering yaparken 24 veya 32-bit çözünürlükte (umarız) çalışıyor olacaksınız. Ana track’inizi dışa aktardığınızda, kullanılacak formatı bit derinliği ve örnekleme oranı açısından düşünmeniz gerekecektir .

Bir CD’ye yazacaksanız (sanırım insanlar hala bunu yapıyor?) 16 bit çözünürlük kullanmanız gerekecek. Soundcloud gibi akış hizmetleri de 16 bit çözünürlüğü tercih eder.

Parçanızı dışa aktarırken bit çözünürlüğünü düşürdüğünüzde titreme uygulamanız gerekecektir. Bu, dışa aktarma sırasında çözünürlük kaybının neden olduğu artefakt riskini azaltan bazı düşük seviyeli rastgele gürültüler ekler.

DIY Audio Mastering Üzerine Son Düşünceler

Bu nedenle, uzmanlık, yalnızca süper gelişmiş işitme yeteneğine sahip mühendisler, hiper pahalı donanım ve yazılımlar kullanarak yapılabilecek gizemli bir süreç değildir. Sende yapabilirsin.

Profesyonel uzmanlık hizmetleri parça bazında o kadar pahalı olmasa da ve kendiniz bu kadar iyi sonuçlar alamayabilirsiniz, ancak neden denemiyorsunuz? Öğreneceğiniz başka bir önemli beceri ve aynı zamanda eğlenceli.

Ses Efekti İşlemcileri – Ne Yaparlar, Başlangıç ​​Kılavuzu

Ses efektleri, müzik üretiminde önemli bir araçtır. Efektler bir sesi dönüştürebilir ve sıkıcı bir parçayı gerçekten heyecan verici bir şeye dönüştürebilir. Ses prodüksiyonu ve stüdyo tekniği hakkında daha fazla şey öğrendikçe, ses efektlerinin yapabileceği katkıyı giderek daha fazla önemsiyorum.

Örneğin, ilginç bir sentezleyici sesi üretmekte zorlandım, sadece ses yankısını yapmak için biraz gecikme efekti eklemenin kendi başına bir yaşam sürmesine neden olduğunu bulmak için uğraştım.

Vokalistler, bir miktar EQ ve reverb eklenmesi, hayran oldukları en iyi şarkıcılar kadar iyi ses çıkarana kadar bir kayıtta seslerinden son derece mutsuz oldular.

Buradaki amaç, müzik yapımında yaygın olarak kullanılan bazı ses efektlerine kapsamlı bir şekilde bakmaktır. Donanım ve yazılım efekt birimleri arasında bir ayrım yapmadık.

Odak noktası, çeşitli efekt işlemcilerinin sese ne yaptığı ve bu birimlerde bulunan bazı kontrollerin efekti değiştirmek için ne yaptığı üzerinde olacaktır.

Ekleme ve Gönderme Efektleri

Bazı özel ses efektleri örneklerine bakmadan önce, sesleri işlemek için efektlerin kullanıldığı iki ana yoldan başlamak istedim.

Bu, efekt işlemcilerinin “sinyal zincirine” nasıl yerleştirildiğini, efekt biriminin gerçekte ne yaptığından ziyade ses sinyalinin gittiği yolu ifade eder. Bunlara “ekleme” efektleri veya “gönderme ve geri dönme” efektleri denir, bazen “ekler” ve “gönderimler” olarak kısaltılır.

Bir amplifikatöre takılı bir gitar örneğini kullanarak aralarındaki farkı anlamayı en kolay buluyorum. Ayrıca onunla kullanmak istediğiniz bir efekt pedalına sahipsiniz ve bunu bir ekleme efekti veya bir gönderme ve geri dönüş efekti olarak kullanabilirsiniz.

Efekt Ekle

Ekleme efektleri anlaşılması en kolay olanlardır. Kabloyu elektro gitarınıza, diğer ucunu da efekt pedalınızdaki giriş soketine takarsınız. Daha sonra pedalın çıkış soketine başka bir kablo ve diğer ucunu amplifikatörünüzün girişine takarsınız.

Bu durumda gitarınızdan gelen tüm ses sinyali efekt pedalına gider ve pedaldaki kontrolleri ses sinyaline uygulanan efekt miktarını ayarlamak için kullanabilirsiniz.

Efektleri Gönder ve İade Et

Gönderme ve geri dönüş efektlerini anlamak biraz daha zor olabilir. Elektro gitar örneğine bağlı kalarak, kabloyu daha önce olduğu gibi elektro gitarınıza takarsınız, ancak bu durumda kablonun diğer ucu sinyali ikiye bölen bir kutuya takılır.

Ayırıcı kutusunda, her çıkışa sinyalin ne kadarının gideceğini ayarlamanıza izin veren bir kontrol düğmesi vardır.

Bir çıkıştan bir kablo alıp doğrudan amplifikatörün girişine takarsınız. Diğer çıkıştan gelen kablo efekt pedalına takılır ve efekt pedalı çıkışından gelen kablo amplifikatöre takılır. Bu ikinci çıkış efekt pedalına “takılı”.

Gönderme ve geri dönüş kurulumunun farkı, enstrümandan gelen sinyalin ne kadarının efekt pedalından geçeceğini kontrol etmenize izin vermesidir.

Yukarıda bahsedilen ayırıcı kutusundaki kontrol düğmesi, tüm sinyali doğrudan amplifikatöre göndermenize ve hiçbirini efekt ünitesine veya tüm sinyali efekt ünitesi yoluyla ve hiçbirini doğrudan amplifikatöre veya arada bir yere göndermenize izin verir.

Şimdi bu kurulumdaki “ayırıcı kutunun” birkaç girişe sahip olduğunu ve böylece birkaç enstrüman veya vokal takılabileceğini hayal ediyorsanız. Bu, efekt ünitesindeki kontrolleri bir kez ayarlamanıza ve her enstrümandan veya vokalden değişen miktarlarda yönlendirmenize izin verir.

Bu, ihtiyaç duyulan bilgisayar gücü miktarını azaltmanıza izin verdiği için DAW müzik prodüksiyon yazılımında efekt uygulamanın çok yaygın bir yoludur.

Her bir yazılım efekt işlemcisi, bilgisayar işleme gücünü kullanır, bu nedenle aynı efekt birimleri üzerinden yönlendirilen birkaç ize sahip olmak, bilgisayarınıza gelen talepleri azaltmaya yardımcı olur.

Islak ve Kuru Sinyaller

Genellikle bir efekt işlemcisi üzerinde sinyalin ne kadar “ıslak” veya “kuru” olduğunu ayarlamanıza izin veren bir kontrol görürsünüz. Genellikle, kontrolün açılabileceği en yüksek nokta tamamen ıslaktır ve tam aşağı çevrildiğinde tamamen kurudur.

Islak, sinyalin efekt tarafından işlenen kısmını ifade eder. Kuru kısım, etkilenmeden doğruca geçer. Tamamen ıslak, tüm sinyalin etkilendiği anlamına gelir ve tamamen kuru, hiçbirinin etkilenmediği anlamına gelir.

İşlemciyi bir “ekleme” etkisi olarak kullanıyorsanız, ıslak / kuru kontrolü normalde etkinin ne kadarının sinyale uygulanacağını kontrol etmek için kullanılır. Bunu bir “gönderme” efekti olarak kullanıyorsanız, normalde kontrolün tamamen ıslanmasını sağlarsınız, uygulanan efekt miktarı, daha önce bahsedilen ayırıcı kutu tarafından efekt aracılığıyla gönderilen sinyal kısmı tarafından kontrol edilir.

Belirli Ses Efekti İşlemcileri

Şimdi ses efekti işlemcilerinin bazı özel örneklerine, ne yaptıklarına ve bu birimlerde bulunan en yaygın kontrollerin sese ne yaptığına bakacağız.

EQ (Eşitleme)

EQ’ya (eşitleme) giriş, genellikle bunun stereonuzdaki ton kontrollerine biraz benzediğini söyleyerek başlar.

Stereo sisteminizde tiz kontrolü ile yüksek perdeli seslerin seviyelerini azaltabilir veya artırabilir ve bas kontrolü ile alçak ses seviyelerini azaltabilir veya artırabilirsiniz. Grafik ekolayzır ile daha sofistike ton kontrolü elde edilebilir, bu da sesli frekans aralığında perde seviyelerini azaltmanıza veya artırmanıza olanak tanır.

İnsanların müzik dinleme yollarının çoğu artık ton kontrollerini (veya en azından kolayca bulunabilen kontrolleri) içermediğinden, bu örneği kullanmanın ne kadar mümkün olacağından emin değilim.

Her neyse, EQ işlemenin yaptığı şey budur – seçilen ses frekanslarının seviyelerini düşürmenize veya artırmanıza izin verir. Kazanç, ayarlanmakta olan seviye için en çok kullanılan terimdir. Azaltmak yerine kullanılan diğer terimler arasında kes veya zayıflat bulunur ve hemen hemen aynı anlama gelirler.

EQ’nun normalde müzik üretiminde kullanılmasının nedeni, istediğiniz frekansları vurgulamanıza ve istenmeyen frekansları daha az fark edilir hale getirmenize izin vermesidir.

Çoğu müzik prodüksiyonu, enstrümanların veya vokallerin kaydedileceği bir dizi parça içerir. Bu ayrı parçaların her biri ayrı ayrı kulağa harika gelebilir, ancak birbirleriyle karıştırıldıklarında, birleşik ses çamurlu olabilir ve tek tek parçaların sesi zayıf bir şekilde tanımlanabilir.

EQ, parçanın karışıma katkıda bulunması gereken enstrümanın veya vokalin temel özelliklerini vurgulayabilmeniz için her bir parçaya uygulanabilir.

Temel özellikler genellikle sınırlı bir frekans aralığında olacaktır. EQ işlemcileri, o yoldaki diğer istenmeyen frekansların seviyelerini düşürürken, söz konusu frekans aralığını vurgulamanıza izin verir.

Bu frekansları istenmeyen kılan şey, karışımdaki diğer parçalara ait olmalarıdır. Birkaç parça aynı frekansta sesler içeriyorsa, çok çamurlu görünmeye başlayabilir.

Karışımdaki her parça için bunu yaptığınızda, her enstrüman veya vokal kendi küçük frekans cebinde oturuyor. Bu, her parçanın karışıma kendi özel katkısını yaptığı ve diğer parçalarla çakışmadığı anlamına gelir.

Parçaların karışımda çakışmadan birbirine oturmasını sağlamanın yanı sıra, EQ bazı ses sistemlerinde rahatsız edici gelebilecek çok düşük frekansların seviyelerini azaltmak ve olabilecek çok yüksek frekansların seviyelerini azaltmak için tüm miksere de uygulanabilir. karışımın “teneke gibi” çıkmasını sağlayın.

EQ Kontrolleri

İşte bir EQ efekt işlemcisinde bulunan en yaygın kontrollerden bazılarının kısa bir açıklaması.

Frekans Kontrolü

Frekans kontrolü, hedeflemek istediğiniz frekansı seçmenize izin verir. Çoğu yazılım EQ efekt işlemcisinin frekansı seçmenize izin veren bir düğmesi veya kaydırıcısı vardır. EQ işlemcileri arasındaki temel farklardan biri, aynı birim üzerinde seçebileceğiniz frekans sayısıdır.

Örneğin, bazı EQ birimleri yalnızca bir frekans seçmenize izin verir, bazıları üçü seçmenize izin verir ve bazıları yedi veya sekiz frekans seçmenize izin verir. Açıkçası, bir ünitede daha fazla frekans seçme yeteneği size daha fazla kontrol sağlar, ancak yalnızca bir veya az sayıda frekansı hedefliyorsanız buna gerek olmayabilir.

Kontrolü ele al

Kazanım kontrolü, seçilen frekansın ses seviyesini azaltmanıza veya artırmanıza izin verir. Kazanç kontrolünün çalışmasının bazı farklı yolları vardır.

Parametrik kazanç kontrolü, hacimdeki küçük bir tepe veya düşüş gibi seçilen frekansın seviyesini düşürmenizi veya yükseltmenizi sağlar. Kısaca bahsedeceğimiz, zirveyi daha geniş veya daha dar yapmanıza izin veren başka bir kontrol (Q-kontrol) var.

Yüksek veya alçak geçiren bir filtre, yalnızca belirli bir frekansın üzerindeki (yüksek geçişli) veya belirli bir frekansın altındaki (düşük geçişli) ses sinyalinin geçmesine izin verir. Bu, birçok sentezleyicide bulunan filtre türlerine benzer. Bu EQ filtreleri, bir kayıttan çok düşük frekanslı “gürültüyü” veya yüksek frekanslı “tıslamayı” azaltmak için kullanılabilir.

Bir raf kontrolü, yukarıda özetlenen yüksek ve alçak geçiren filtrelere benzer ve genellikle yüksek raf veya düşük raf olarak adlandırılır. Yüksek raf kontrolü, belirli bir frekansın üzerindeki seviyeleri artırmanıza veya azaltmanıza izin verirken, düşük raf, belirli bir frekansın altındaki seviyeyi artırmanıza veya azaltmanıza izin verir.

Q-Kontrol

Bu kontrol birçok insanın kafasını karıştırır ve bazen “Q” nun kaliteyi temsil ettiğini açıklamak yararlı olabilir. Bir benzetme olarak, bir eşya yapan bir fabrika hayal edin ve her birinin aynı büyüklükte olması gerekiyor.

Fabrikadaki kalite kontrolü düşükse, öğelerin boyut aralığı büyük olacaktır. kalite kontrol yüksekse, tüm öğe yaklaşık aynı boyutta olacaktır.

EQ ünitesindeki Q kontrolüne geri dönüyoruz. Açarsanız, o frekansta daha dar, yüksek kaliteli bir kazanç seviyesi ayarı elde edersiniz. Eğer onu düşürürseniz, kazanç seviyesinde daha geniş, daha düşük kaliteli bir ayar elde edersiniz. Düşük Q, seçilenin her iki tarafındaki frekansların kazanç kontrolü tarafından daha fazla etkilenmesine neden olur. İstediğiniz şey bu olabilir veya daha yüksek bir Q seviyesi olan belirli bir frekansa daha fazla odaklanmak isteyebilirsiniz.

Daha fazla bilgi edinmek için EQ ile ilgili başka makalelerimiz ve bunun müzik üretiminde neden önemli olduğunu merak edebilirsiniz .

Dinamik İşleme

Sinyalin dinamik aralığı ve seviyesi, dinamik efekt işlemcileri kullanılarak ayarlanabilir. Dinamik efektlerin örnekleri arasında kompresörler, sınırlayıcılar, özücüler, gürültü kapıları ve genişleticiler bulunur.

Kompresörler

Bir kompresör, daha sessiz parçaların seviyelerini düşürmeden belirli bir izdeki veya genel karışımdaki hacimdeki zirveleri azaltmanıza olanak tanır. Bu işlem, sıkıştırmanın uygulandığı sesin dinamik aralığında bir azalmaya neden olur.

Seviyeleri daha tekdüze hale getirmek için bir ses kaydının dinamiklerini kontrol etmek için sıkıştırma kullanılabilir. Bir ses parçasının genel ses seviyesini artırmak için de kullanılabilir. Sıkıştırma kullanmanın bir başka sonucu da sıkıştırılmış sesin size daha yakınmış gibi ses çıkarmasıdır.

Bu, yukarıda belirtildiği gibi tepe seviyelerini düşürerek yapılır, bu da gürültüyü azaltır, ardından ses seviyesini tekrar makyaj kazancı olarak adlandırılan orijinal seviyeye döndürür. Bu, daha sessiz bölümlerin ses seviyesini artırma etkisine sahiptir, bu da ses sinyalinin genel yüksekliğinde bir artışa neden olur.

Kompresör Kontrolleri

Burada, tipik olarak bir ses sıkıştırıcı efekt işlemcisinde bulunan bazı kontrollerin kısa bir özeti verilmiştir.

Eşik Kontrolü

Eşik, ses sinyalinin sıkıştırılmaya başladığı seviyedir. Eşik ne kadar düşük ayarlanırsa o zaman kompresörden daha fazla ses sinyali etkilenecektir. Ses sinyalindeki tepe noktaları eşiği geçtikçe, kompresör bunları “sıkıştırır”. Bu eşik seviyesinin üzerine çıkan zirveler, genellikle eşiğin üzerindeki desibel (dB) cinsinden ifade edilir.

Oran Kontrolü

Oran kontrolü, kompresörün sinyali ne kadar “sıkıştıracağını” ayarlamanıza izin verir. Adından da anlaşılacağı gibi, kontrol seviyeleri genellikle oran olarak işaretlenir, örneğin 2: 1, 4: 1 8: 1, vb.

Örneğin, oran 2: 1 olarak ayarlanırsa ve eşik 4 dB aşılırsa, kompresör tepe düzeyini eşiğin 2dB üzerine indirecektir. Oran 4: 1 olarak ayarlanırsa, aynı tepe değeri eşiğin 1dB üzerine düşürülecek ve bu da daha fazla “kazanç azalması” ile sonuçlanacaktır.

Saldırı Zamanı

Saldırı süresi kontrolü, kompresörün kazancı azaltmaya ne kadar hızlı başlayacağını seçmenize izin verir (ses seviyesini sıkıştırın). Bu, sesin geri kalanını sıkıştırırken, örneğin bir davul vuruşunun “saldırısı” gibi sesin ilk zirvesinin geçmesine izin vermek istiyorsanız kullanışlıdır. Bunun için saldırı süresini biraz arttırırsınız. Sıkıştırmanın tüm sese uygulanmasını istiyorsanız, saldırı süresini olabildiğince kısa tutarsınız.

Yayın Zamanı

Bu, kompresörün ses sinyalini ne kadar hızlı “bıraktığını” ve sıkıştırmayı durdurduğunu (ezmek – özür dilerim, bu benzetmeyi seviyorum) kontrol etmenizi sağlar. Uzun bir yayın süresi, ses üzerinde daha doğal, daha az fark edilir bir etki ile sonuçlanır.

Kısa bir serbest bırakma süresi daha belirgin bir etki yaratır ve bazı dans müziği türlerinde popüler olan pompalama sesinin üretilmesine yardımcı olabilir.

Diz Kontrolü

Kompresörler genellikle size “sert diz” veya “yumuşak diz” seçeneği sunar. Sert diz, kompresörün bir anahtar atılmış gibi davranmaya başladığı ve kapandıktan sonra gittiği anlamına gelir. Yumuşak diz, sanki bir düğme kapalı konumdan yukarı doğru çevrilmiş ve kademeli olarak en yüksek seviyesine çıkmış gibi, kompresörün biraz daha yavaş hareket etmeye başlaması anlamına gelir.

Makyaj Kazancı

Adından da anlaşılacağı gibi, makyaj kazanımı kontrolü, ses seviyesini (kazanımı) ses sinyali sıkıştırılmadan önceki seviyeye geri getirmenize izin verir. Sıkıştırılmış olan sesin yalnızca en gürültülü kısmı olduğu için, sıkıştırma sonrasında kazanç düzeyini tekrar yükseltmek, sesin daha sessiz bölümlerinin ses düzeyini artırarak genel ses yüksekliğinde bir artışa neden olur.

Müzik üretiminde ses kompresörlerinin kullanıldığı bazı yolları başka bir makalede daha detaylı inceledik .

Sınırlayıcılar

Sınırlayıcı, yüksek oran ayarına sahip bir kompresördür. Bazen efekt ünitesine bu nedenle kompresör / sınırlayıcı adı verilir veya sınırlayıcı ayrı bir cihaz olabilir.

Teoride bir sınırlayıcı, sonsuz: bir oran ayarına sahip bir kompresördür, bu da tepe sinyalinin ses sinyali hiçbir zaman eşiği aşmayacak kadar sıkıştırılmasına neden olur. Bu nedenle, sınırlayıcılara bazen sinyali düz bir şekilde sıkıştıran bir “tuğla duvar” adı verilir. Pratikte, 10: 1 veya daha yüksek oranlı bir kompresör, bir sınırlayıcı olarak kabul edilecektir.

Sınırlayıcılar genellikle bir sinyalin seviyesinin hiçbir zaman belirli bir seviyeyi geçmediğinden emin olmak için “kırpılmaları” ve istenmeyen dijital bozulmaları önlemek için kullanılır. Sınırlayıcılar üzerinde bulacağınız ana kontrol, ses sinyalinin “sınırlı” olacağı seviyeyi ayarlamanıza izin veren eşik kontrolü.

De-Essers

De-esser, sıkıştırma için yüksek frekansları hedeflemenize izin veren bir kompresördür. Bu seçici sıkıştırma, aşırı “s” seslerinin bulunduğu aralıktaki ses frekanslarının seviyesini düşürerek ıslığı azaltabilir.

Gürültü Kapıları

Gürültü kapısı, çok düşük seviyede bulunan istenmeyen sesleri ortadan kaldırmanıza olanak tanır. Kontrol, kapının altında kapanacağı ve düşük seviyeli sesleri engelleyeceği seviyeyi seçmenize izin verir. Geriye doğru biraz sınırlayıcı gibidir, belirli bir seviyenin altındaki ses ezilir ve duyulmaz hale getirilir.

Genişleticiler

Genişletici efektinin adı oldukça kafa karıştırıcı olabilir. Aslında tam tersi olduğunda, bir ses aldığını ve onu büyüttüğünü ima eder. Genişletici, ters yöndeki bir kompresör gibidir.

Bir sesin seviyesi bir eşiğin altına düştüğünde, genişletici sesi daha sessiz ve daha az fark edilir hale getirir. Bu, istenmeyen düşük seviyeli gürültüyü tamamen ortadan kaldırmak yerine azaltmanıza olanak tanır, bu da bir gürültü geçidinin yaptığı şeydir.

Zamana Dayalı Efektler – Reverb, Delay, Chorus, Flangers and Phasers

Zamana dayalı efektler, ses sinyalinize bir “boşluk” hissi verir. Yüzeylerden yansıyan ses dalgaları ve ince veya oldukça belirgin olabilen yankılar üreterek, sesin bir tür kapalı alanda hareket ettiği hissini verirler.

Reverb Efektleri

Yankı efektleri, duyduğunuz sesin kapalı bir alanda duyulduğu izlenimini vermek için kullanılır. Yankı genellikle bir “gönderme” efekti olarak kullanılır ve ses sinyalinin yalnızca bir kısmı yankı işlemcisinden geçerken, sinyalin geri kalanı doğrudan ses çıkışına geçer.

Farklı yankı efekti türleri, ses dalgalarının kapalı alandaki yüzeylerden doğal yansımasını elektronik olarak kopyalar. Bu, ilk yansımaları, ardından yansıyan sesin yansımalarını ve diğer yansımaları vb. İçerir.

Yankı efektleri genellikle belirli bir fiziksel mekanın büyüklüğü, örneğin bir konser salonu, bir bodrum veya oturma odası olarak tanımlanır. Her oda tipinde, genellikle o oda tipine bağlı olarak çeşitli seçenekler sunulur. Eğer elde etmek istediğiniz yankı türünü hayal edebiliyorsanız, efekt işlemcisi tarafından sunulan bir ön set seçmek oldukça basit olabilir.

Reverb İşlemci Kontrolleri

Yankı efekti işlemcileri birçok farklı kontrol içerebilir, ancak çoğunda bulunan birkaç tane vardır.

Reverb Decay Time

Yankı bozunma süresi bazen sadece yankı süresi veya bozulma süresine kısaltılır. Bu, yankılanmaların yok olması için gereken zamandır. Daha büyük kapalı bir alanda yankılanmaların sönmesi genellikle daha küçük bir odadakinden daha uzun sürer.

Çürüme süresini artırarak, boyutu gittikçe artan bir odada çalınan veya söylenen sesin etkisini taklit edebilirsiniz. Bazı yankı birimlerinde, bu sadece oda boyutu veya oda türü açısından etiketlenebilir veya bunu gerçek zamana göre ayarlamanıza izin veren bir kontrol olabilir.

Ön Gecikme Süresi

Ön gecikme süresi kafa karıştırıcı olabilir. Bu, kaynak tarafından üretilen ses ile dinleyicilerin kulaklarına ulaşan ilk yansımalar arasında, genellikle milisaniye cinsinden zamandır.

Gerçekte yansımalar asla hemen başlamaz çünkü ses dalgalarının yansıtıcı yüzeye ulaşması ve yansıması zaman alır. Yankı efektleri işlemcisinde, üniteye giden orijinal ses ile uygulanan yankı arasındaki zaman aralığı olarak düşünülebilir.

Ön gecikme, genel yankı zayıflama süresinde değişiklik yapmadan alanın veya odanın görünen boyutunu değiştirmeye izin verir.

Difüzyon

Yayılma kontrolü, ses kaynağının dinleyiciden görünen mesafesini ayarlamanıza izin verir. Yüksek yayılma seviyeleri, yankılanmaların daha fazla ve daha uzun süre ilerlediği izlenimini verecek ve daha yaygın hale gelmesine yol açacaktır.

Gecikme Etkileri

Gecikme işlemcisi, zamana dayalı efektlerin en temelidir. Yalnızca gelen sinyalin bir kopyasını oluşturur ve ardından kısa bir gecikmeden sonra kopyayı çıkarır.

Gecikme İşlemci Kontrolleri

Gecikme efektleri işlemcisinde bulunan kontroller, orijinal sinyalin kopyasının çeşitli şekillerde çıkış şeklini ayarlamanıza olanak tanır.

Gecikme süresi

Gecikme süresi kontrolü, orijinal ses sinyalinin çıkışı ile kopya arasındaki süreyi ayarlamanıza izin verir. Uzun bir gecikme süresi, orijinal seste net bir “yankı” ile sonuçlanırken, çok kısa gecikme süreleri belirgin bir yankı üretmez, ancak sese bir tür parıltı eklenmesi ile sonuçlanır.

geri bildirim

Geri besleme kontrolü, gecikmeli sinyalin tekrar sayısını ayarlar. Düşük geribildirim ayarları birkaç eko üretir ve daha yüksek ayarlar bir süre devam edebilecek ekolar üretir.

Koro Efektleri

Koro efekti, aynı şeyi çalan birden fazla enstrümanın elektronik öykünmesi olarak düşünülebilir. Görünüşte aynı olan iki enstrüman çaldığında veya iki şarkıcı aynı notaları söylediğinde, tek başına bir enstrüman veya şarkıcıdan oldukça farklı geliyor. Bunun nedeni perde, tını, artikülasyon ve kompozit sese yol açan bir dizi diğer faktördeki küçük değişikliklerdir.

Koro efektleri işlemi, gelen sinyalin bir gecikme efektine benzer şekilde bir kopyasını oluşturur, ancak kopyalardan birinde onu biraz farklı kılmak için işlem uygulanmıştır. İşlenen sinyal orijinal ile birleştirildiğinde, varyasyonların neden olduğu parıltılı koro efekti elde edersiniz.

Koro Efekti Kontrolleri

Koro efektleri işlemcisindeki kontroller, bu koro işleminin uygulanma biçiminde ayarlamalar yapmanızı sağlar.

Oranı

İşlemeyi koro ünitesindeki sinyal kopyasına uygulayan şey, düşük frekanslı bir osilatör veya LFO’dur. Hız kontrolü, sese eklenen “parıltı” nın varyasyonunu üreten LFO’nun hızını ayarlar.

Yoğunluk

Yoğunluk kontrolü bazen “derinlik” olarak etiketlenir ve sinyale uygulanan modülasyon miktarını ayarlamanıza izin verir.

Flanger

“Flanşlama”, bir flanger tarafından üretilen efektin adıdır ve insanların bir bant makarasının flanşına (kenarına) dokunup serbest bırakarak yavaşlamasına ve hızlanmasına neden olan etkiyi ifade eder.

İki senkronize kaset makinesi aynı sesleri veya müziği çaldığında ve bu bunlardan birine yapıldığında, yavaşlama sesleri senkronize dışı bıraktı ve ses efekti üretildi.

Elektronik flanger efektinde, orijinal sesten bir kopya yapılır ve kopya orijinalle birleştirildiğinde gecikme süresini artırmak ve azaltmak için bir LFO kullanılır. Bu flanş etkisi yaratır. Koro efektine benzer ancak gecikme süresi çok daha kısadır.

Hız ve Yoğunluk

Bir flanger üzerindeki hız ve yoğunluk kontrolleri, koro efektleri işlemcisindekilere benzer.

geri bildirim

Flanşlıların hız ve yoğunluğa ek olarak sahip oldukları bir kontrol geri bildirimdir. Bu, sinyal çıkışının ne kadarının flanger’a geri beslendiğini kontrol etmenizi sağlar. Daha yüksek geri besleme seviyeleri, süpürme efektini ses içinde daha belirgin hale getirebilir.

Phaser Efektleri

Fazer efekti, sesin ikiye bölünmesi açısından bir flanger’a benzer. Bir fazerde kopyanın fazı orijinaline göre kaydırılır ve bu da fazlama efekti oluşturur.

Bir fazer üzerindeki kontroller, filtre taramasının hızını kontrol eden hız ile flanger üzerindekilere benzer.

Sadece Bazı Yaygın Örnekler

En sık kullanılan ses efekti işlemcilerinden bazılarının yalnızca temel yönlerine baktık. Başka bir makaledeki bazı ek örneklere göz atacağız, ayrıca profesyonel ses prodüksiyonlarında nasıl kullanıldıklarını görebilmemiz için seçilen efektlere daha derinlemesine bakacağız.

Şarkı Yazma Becerilerinizi Nasıl Geliştirirsiniz ve Neden Önemlidir?

Kayıt stüdyonuzun başarılı olmasına gerçekten yardımcı olacak bir şey şarkı yazabilmektir. İyi bir söz yazarı olmak şarkıcıları, müzisyenleri ve diğer müzik yapımcılarını size çekecektir.

Ne tür bir kayıt stüdyosuna sahip olduğunuz ya da ne tür müzik ürettiğiniz önemli değil, siz ve stüdyonuz şarkı yazabilirseniz diğer insanlar için çok daha değerli olacaksınız. Yani şu anda hangi seviyede olursan ol, şarkı yazma becerilerini geliştirmen gerekiyor.

Her Şey Bir Şarkıyla Başlar

Nashville’de dedikleri gibi, “her şey bir şarkıyla başlar”. YouTube’a bakarsanız, harika sesli müzik yapan birçok video göreceksiniz, ancak eksik olan, prodüksiyonu temel alabileceğiniz iyi bir şarkı.

Öncelikle şarkı yazma becerilerinizi geliştirmeniz gerekecek ve ikinci olarak, şarkınızı bitmiş bir parçaya dönüştürebilmek için prodüksiyon becerilerinizi geliştirmeniz gerekecek.

Burada işlerin prodüksiyon yönünden biraz bahsedeceğiz, ancak bazen ikisini gerçekten ayıramasanız da çoğunlukla şarkı yazımına odaklanacağız.

Şarkı Yazımı Değişiyor

Şarkı yazma, son birkaç yılda çok değişti veya gelişti. Bu değişimin bir kısmı, zaman içinde doğal olarak meydana gelen müzik ve insanların zevklerindeki gelişmelerden kaynaklanıyor.

Değişikliklerin çoğu, uygun fiyatlı kayıt teknolojisinin mevcudiyetinden kaynaklanıyor, bu da oldukça kolay bir şarkı yazarı / yapımcısı olabileceğiniz anlamına geliyor. Söz yazarı / yapımcı adından da anlaşılacağı gibi iki takım beceri geliştirmeniz gerekecek: şarkı yazarlığı ve prodüksiyon.

Birkaç yıl önce bir icra hakları organizasyonu (PRO) seminerindeydim ve biri şarkı yazarı olarak başarılı olmanın en iyi yolunu sordu.

Bu arada, icra hakları organizasyonları şarkı yazarları adına radyo istasyonlarından, iTunes’dan, Spotify’dan ve müziklerinin kullanımı için ödeme yapması gereken herkesten ödeme alır.

Her neyse, seminer paneli üyeleri bu adama şarkı yazmanın yanı sıra prodüksiyon becerilerini geliştirmeye çalışması gerektiğini söyledi. Bunun ona sadece bazı sözler ve bir melodi üretmekten daha fazlasını yapmasına yardımcı olacağını söylediler (ve belki de ona eşlik edecek bazı akorlarla).

Eski Tarzda Şarkı Yazımı

Geçmişte şarkı yazımının en çok çalıştığı yol, şarkı sözleri ve melodiyi sizin yazmanızdı. Ya da bunlardan birini yaptınız ve diğerini yapan biriyle işbirliği yaptınız.

Şarkı sözlerini ve melodiyi aldıktan sonra bir demo kaydı yapardınız. Bu demo kaydı yalnızca dinleyicilere sözlerinizi ve melodinizi duyma fırsatı vermesi gerekiyordu ve bitmiş bir prodüksiyon gibi ses çıkarmaya gerek yoktu.

Daha sonra demo kaydınızı çeşitli müzik yayıncılarına veya sanatçı temsilcilerine göndererek herhangi birinin kaydetmek isteyip istemediğini görmek ve ticari olarak yayınlamak istersiniz.

Hem kayıt sanatçısı hem de şarkı yazarı olsaydınız, demo profesyonel bir plak yapımcısına ticari yayın için bitmiş parçanız için bir başlangıç ​​noktası sağlamak için kullanılırdı.

Geçtiğimiz birkaç yıl içinde profesyonel standartta kayıt teknolojisi yaygın bir şekilde kullanılabilir hale geldi. Sonuç olarak, demo kayıtlarının çok yüksek bir standartta olacağı beklentisi var ve iyi müzik prodüksiyon becerilerine sahip olmak, bir şarkı yazarı olarak bu demoları kendiniz yapmanıza olanak tanıyor.

Ayrıca, artık demo kayıt aşamasını tamamen atlamak ve şarkı yazarlarının ticari sürüm için hazır parçalar üretmesi mümkün.

Yine de Şarkı Nedir?

Şarkılar hakkında konuşurken aslında ne demek istiyoruz? Şarkı sözlerine ve tanınabilir bir yapıya sahip olması gerekiyor mu? Sözlüğe bakarsanız, bir şarkının tanımı, müziğe ayarlanmış bir tür şiir olmasıdır.

Geleneksel şarkı yazma görüşünün geldiği yer burasıdır. Bir şarkının sözleri ve melodisi olması gerekir ve diğer her şey prodüksiyonla ilgilidir ve ayrı bir şeydir. Ama artık değil.

Ayrıca, amaçlarımız doğrultusunda bir şarkı birkaç farklı şey olabilir. Sözleri olabilir veya olmayabilir. Başarılı şarkıların ticari yayın için kaydedildikleri şekliyle yapısı da değişiyor.

Eskiden insanlar koronun şarkının en önemli parçası olduğunu söylerlerdi, ama şimdi sık sık “düşüş” hakkında bir şeyler duyuyorsunuz. Görünüşe göre düşüş genellikle koronun yaptığı şarkıda aynı işi yapıyor.

Şarkı yazımında daha iyi olmanın yollarına geçmeden önce bazı farklı şarkı türlerine bir göz atalım.

Geleneksel Şarkı Yapısı

Muhtemelen çeşitli geleneksel şarkı yapılarına rastlamışsınızdır. Bazen AAA, AABA, dizeli koro veya diğerleri gibi özetler kullanılarak tanımlanırlar. Bunun sizin için yeni olması durumunda, işte her birinin çok kısa bir açıklaması.

AAA Şarkı Yapısı

AAA yapısı genellikle, üç ayet gibi hepsi aynı yapıya sahip birkaç bölüme (bu durumda üç) sahip bir şarkıya atıfta bulunur. Genellikle her ayetin sonunda her ayette tekrarlanan kısa bölüm vardır. Buna nakarat denir.

AAA yapısına sahip şarkılar, şarkının bir hikaye anlattığı halk ve country müziğinde popülerdir ve dinleyicinin ilgisini her şeyden daha fazla tutan hikayedir.

AABA Şarkı Yapısı

AABA, aynı yapıya sahip üç bölümden ve bir de farklı olan AAA’ya benzer.

İlk iki A bölümünü dinledikten sonra dinleyici sıkılabileceğinden üçüncü (B) bölümü farklı bir yapıya sahiptir. Bu biraz farklı bir melodi içerebilir veya sözlerin yapısı farklı olabilir.

Bu yeni bölümle dinleyicinin ilgisi geri kazandıktan sonra şarkı, öncekilerle aynı yapıda son dizeye geri dönüyor.

B-bölümündeki veya köprüdeki sözler genellikle bazı yeni bilgileri ortaya çıkarır veya şarkı sözlerinde anlatılan hikayeye yeni bir bakış açısı sağlar. Yine bu form halk ve ülke müziğinde çok popüler.

Bu arada, “B-bölümü” ve “köprü” gibi terimler, farklı insanlar için farklı anlamlar ifade edebilir. Burada sadece diğer üçünden farklı bir bölümü ifade etmek için kullanıyoruz.

Ayet-Koro Şarkı Yapısı

Ayet-koro yapısına sahip bir şarkıda dizeler hikâyeyi anlatır ve her dizenin sonunda bir koro bulunur. Bu koro genellikle her seferinde aynıdır ve genellikle dinleyiciye hikayenin amacının ne olduğunu söyler.

Her mısra hikayeyi geliştirir, böylece koro her duyulduğunda biraz farklı bir anlam ifade etmeye başlayabilir. Bir verse-chorus şarkısını daha uzun ve daha heyecan verici bir nakaratı olan bir AAA şarkı olarak düşünebilirsiniz.

Tüm popüler müzik türlerinde dize-koro şarkıları çok yaygındır. Koro, dinleyicinin dikkatini çeken ve her söylendiğinde duymayı dört gözle beklemelerini sağlayan müzikal ve lirik bir kanca sağlar.

Koro Öncesi ve Köprülü Ayet-Koro Şarkısı

Şarkı ayetten koroya ön-koro denilen koroya geçerken genellikle kısa bir bölüm vardır. Bu ön koro, şarkıdaki gerginliği ve heyecanı artırmaya yardımcı olur, böylece koro dinleyiciye bir çıkış sağlar.

Dize-koro şarkıları ayrıca daha önce açıklandığı gibi B bölümü veya köprü içerebilir. Bu genellikle sekiz çubuk sürdüğü için bazen “orta sekiz” olarak adlandırılır. Yine burada, bu farklı bölüm genellikle dinleyicinin ilgisini çekmek ve yeni bilgiler veya farklı bir bakış açısı sağlamak için ayet ve koro iki kez söylendikten sonra gelir.

Pop müzikte, köprüden sonra koro genellikle bir kez daha söylenir ve ardından bir tür “outro” gelir, bu koronun birkaç kez tekrarlanmasını içerebilir.

Köprüden sonra başka bir mısra ve nakaratın olması da mümkündür, ancak bu bazen şarkının ve şarkının akılda kalan korosunu duymak isteyen dinleyici için çok fazla olabilir.

Daha Yeni Şarkı Formları

Yaklaşık 2010’dan beri birçok popüler hit şarkının çalışma biçiminde bazı değişiklikler oldu.

Geleneksel olarak pop şarkılarında bir mısra vardır, ardından koroya ve koronun getirdiği büyük gerilim salımına dayanan bir ön koro gelir. Sonra bunu tekrarlarsınız, işlerin sıkıcı olmasını önlemek için bir köprü (veya orta sekiz) koyarsınız ve nakaratın bir tekrarı ile bitirirsiniz.

Son birkaç yıldır hit şarkılar genellikle bir dizeye sahip, ardından bir ön koro izliyor ve büyük çıkış, geleneksel koronun yerine geçen “drop” tarafından sağlanıyor.

Damla, genellikle çeşitli noktalarda ses kısımlarının girip çıktığı büyük bir enstrümantal bölümdür. Bu, şarkının sonuna kadar bazı değişikliklerle devam edebilir.

Tekrar dizeye geri dönme ihtiyacı hissetmeyen büyük, yüksek enerjili bir koroya benziyor biraz. Hatta bazı sanatçılar daha geniş pop kitlesine hitap etmeye çalışırken, bu tür şarkıları modern country müziğinde bile alıyorsunuz.

Enstrümantal Parçalar

Enstrümantal parçalar şarkı olarak kabul edilebilir mi? Kesinlikle ve vokali olmayan düzinelerce hit şarkı örneği var. Popüler enstrümantal parçalar (veya şarkılar) orkestra, pop ve elektronik müzik türlerinde bulunabilir.

Bu enstrümantal parçalar tanınabilir bir şiir-koro yapısına sahip olabilir veya tamamen farklı bir yapıya sahip olabilir. Her iki durumda da, parkuru ilginç kılmak için farklı bölümlere veya başka bir çeşit varyasyona sahip olacaklar.

Şarkı Yapısı Hakkında Ne Kadar Bilmeniz Gerekiyor?

Şarkıların yapısı hakkındaki tüm bu bilgileri gerçekten anlamanız gerekiyor mu? Evet, muhtemelen yaparsınız.

Bazen insanlar şarkılarının işe yaramadığını düşünür ve neden olduğundan emin olmazlar. Başarılı şarkıların yapısını anlarsanız çok yardımcı olabilir.

Örneğin, bilinçsizce şarkınızı ticari olarak piyasaya sürülen bir şarkı olduğunu duymayı umduğunuz bir şarkı ile karşılaştırıyor olabilirsiniz. Yazmaya çalıştığınız şarkının türünü anlarsanız, neyin işe yaramadığını anlamak çok daha kolay olabilir. İlk etapta şarkıyı yazmayı da çok kolaylaştırıyor.

Zaten şarkı yapısını bildiğinizi düşünebilirsiniz. Yaptığımı biliyorum ve bunun hakkında daha fazla şey öğrenmek için fazla zaman harcamaya gerçekten hazır değildim.

Bununla birlikte, şarkı yazarlarının tavsiyesi üzerine benden çok daha yetenekli şarkı yapısı ve şarkıların yazılma şekli hakkındaki bilgilerimi geliştirmeye çalıştım ve bu bana gerçekten çok yardımcı oldu.

Çok genç ve çok havalı müzik yapımcılarının parçaları hakkında konuştuğunu duyduğumda, bu tür şeylerin ne kadarını biliyor gibi göründükleri beni her zaman şaşırtıyor.

Genellikle akışa devam ettikleri izlenimini verirler ve şaşırtıcı parçaları sadece içgüdü tarafından üretilir. Ama söylediklerini gerçekten dinlerseniz, yaptıklarının ardındaki birçok teoriyi gerçekten bildiklerini söyleyebilirsiniz.

Şarkı Yazımında Nasıl Daha İyi Olursunuz?

Şarkı yazmada nasıl daha iyi hale geleceğiniz sorusunun kısa cevabı, daha fazlasını yapmaktır.

Birisi en iyi şarkı yazarlarından birine nasıl daha harika şarkılar yazabileceklerini sordu ve cevap, daha kötü şarkılar yazmaları gerektiğiydi.

Söyledikleri, daha iyi şarkılar yazmak için daha fazla şarkı yazmanız gerektiğiydi ve bazıları çok iyi değilse çok fazla endişelenmemelisiniz.

Sadece şarkı yazmak, bunu daha iyi yapmanıza neden olur. Ayrıca harika bir melodiye sahip bir şarkınız olduğunu ancak sözlerinin iyi olmadığını ve harika sözlere sahip ve çok iyi bir melodiye sahip olmayan başka bir şarkı olduğunu da görebilirsiniz. Öyleyse her birinden iyi parçaları alın ve harika bir şarkı yaratın.

Şarkı yazma, öğrenmeniz gereken bir zanaat becerisidir. Nashville’deki müzik yayıncılarının yazarlara “henüz hazır olmadıklarını” söylediklerini sık sık duyarsınız. Şarkı yazarlarının devam etmesi gerektiğini ve daha iyi olacaklarını biliyorlar.

Bir Şarkıyı Bitirmek İçin Bir Şarkı Yazmaya Başlamalısınız

Oldukça açık görünebilir, ancak bir şarkı yazmaya başlamazsanız bitmiş bir şarkıyla bitmezsiniz. Pek çok insan şarkı yazarı olmak ister ama asıl problemleri asla şarkı yazmamalarıdır.

Çok açık görünüyor – eğer şarkı yazarı olmak istiyorsan şarkı yazmalısın. Pek çok insan tüm zamanlarını şarkı yazmaya, şarkı yazmayı öğrenmeye, şarkı yazmalarına yardımcı olacak ekipmanlar satın almaya hazırlanmak için harcıyor, ama etrafta olmadıkları şey aslında herhangi bir şarkı yazmak.

Sonuç üretmenize yardımcı olabilecek eylemlere odaklanarak şarkı yazmada daha iyi hale gelmek için bazı fikirler. Çoğu öğrenmeyi içerir, ancak sadece öğrenmek için öğrenmeyi içermez. Yapmanız ve öğrenmeniz gerekir ve çoğu zaman öğrenme sürecinin dışında bir şarkı geliştirebilirsiniz.

Bir şeyler deneyin

Sadece oturup bir şarkı yazmayı düşünmek onu yazmayı sağlamaz. Aslında bir şey yazmazsanız, nasıl şarkı yazılacağını bilmek size yardımcı olmayacaktır.

Şarkı yazımına gelince, bir şeyler denemek her zaman bir şeyler düşünmekten daha iyidir.

Sadece şarkı sözleri hakkında düşünmeyin, onları yazın. Sadece melodileri düşünme, onları söyleme, çalma, kaydetme, bir şekilde onları kafandan çıkar.

Sadece fikirlerinizi kendi kafanızın dışında gördüğünüzde veya duyduğunuzda onları geliştirmeye başlayabilirsiniz. Etrafta oturup düşünmekten çok daha iyidir, bu sizi çok uzağa götürmez.

Şarkı Başlatma Teknikleri

Yukarıda önerildiği gibi bir şeyler denemeye karar verdiğinizde, bir şarkı veya şarkı yazmaya başlamak için aslında hangi eylemleri gerçekleştirebilirsiniz?

Bir şarkıyı başlatma teknikleriyle ilgili birçok ipucu bulabilirsiniz ve burada en sevdiğim bazılarını ekledim.

Bir Başlık Fikri ile Başlayın

Bir çok profesyonel şarkı yazarının bir “kancalı kitabı” vardır. Kancalı kitaplarına şarkılar için fikirlerin yanı sıra şarkı sözü parçacıklarını da yazarlar. Kitapta yazdıkları en önemli şeylerden biri başlık fikirleri.

Güçlü bir şarkı adı, şarkıyı henüz duymamış olsalar bile dinleyicinin dikkatini çekmelidir.

Spotify gibi bir akış hizmetindeki şarkı listelerine göz atarken, gözün genellikle belirli bir şarkının başlığına çekilir. Başlık, şarkının neyle ilgili olduğunu ilginç bir şekilde açıklayabilir veya başlık gizemli ve ilgi çekici olabilir.

Her durumda başlık dikkatinizi çekti ve şarkıyı dinleme olasılığınız daha yüksek. Ve bunu yaptığınızda, söz yazarına ödeme yapılır. Kendi şarkılarınız için istediğiniz şey bu.

Öyleyse tüm başlık fikirlerinizi yazın ve bunları gözden geçirmek ve hangilerinin size şarkı yazmaya ilham verdiğini görmek için düzenli olarak biraz zaman ayırın.

Bir Şarkı Planı Çizin

Bir şarkı için bir fikriniz varsa ancak henüz güçlü bir adınız yoksa şarkı planı çizmek yardımcı olabilir. Şarkı planı, şarkı sözlerini yazmak için bir başlangıç ​​noktanız olması için şarkının ana hatlarını gösteren bir şemadır.

Şarkı planınıza başlamak için daha önce bahsettiğimiz şarkı yapılarından birini kullanabilirsiniz. Örnek olarak şiir-koro yapısını kullanalım ve dinleyicinin ilgisini çekmeye yardımcı olacak bir köprü ekleyelim.

Aşağıdaki başlıkları bir kağıda yazın:

  • Ayet 1
  • Koro
  • 2. Kıta
  • Koro
  • Köprü
  • Koro

Bu başlıkların her birinin altına şarkının o kısmının ne hakkında olduğuna dair çok kısa bir özet yazın. Şarkının her bölümü için bir fikriniz olduğunda, şarkı sözlerini yazabilir ve planınızı tam bir şarkı sözü setine dönüştürebilirsiniz.

Bir Riff veya Melodik Kanca ile başlayın

Keith Richards’ın gecenin bir yarısı kafasında bir riffle uyanmasının hikayesini neredeyse kesinlikle duymuşsunuzdur. Görünüşe göre çabucak bir kayıt cihazına söyledi ve uyumaya gitti. Sabah kaydedilen rif’i çaldığında, onu Rolling Stones’un hit şarkısı “Satisfaction” a çevirdi.

1960’ların bir başka efsanesi Paul McCartney, sabahları kafasında “Scrambled Eggs” i doldurma sözleri olarak kullanarak kendi kendine söylediği küçük bir melodiyle uyandı. Daha sonra uygun sözler yazdı ve şarkı şimdiye kadarki en başarılı şarkılardan biri olan “Dün” oldu.

Keith veya Paul’un küçük melodilerini yakalayıp geliştirmediklerini hayal edin – bu harika şarkılar asla yazılmazdı. Bu da bizi bir sonraki öneriye getiriyor.

Her Şeyi Kaydedin

Şarkı yazma sürecinizin bir parçası olarak ne yaparsanız yapın, kaydettiğinizden emin olun. “Bir şeyler denediğinizde” yazdığınızın farkında olmayabilirsiniz ama yazdığınızı, bu yüzden çalışmanızı kaybetmeyin. Ve daha sonra hatırlayacağını düşünme, çünkü hatırlamayacaksın.

“Strum and hum” yöntemini kullanarak yazmaya çalışıyorsanız (akor çalmak ve bir melodi mırıldanmak) her şeyi kaydettiğinizden emin olun. Klavyede küçük riffleri denerken kaydedin. Bir arka planda doğaçlama yaparken, söylediklerinizi kaydettiğinizden emin olun.

Kaydediciyi her zaman çalışır durumda tutun. Daha sonra oynayabilir ve isterseniz hepsini silebilirsiniz, ancak kaydetmezseniz asla hatırlayamayacağınız harika bir şeyi kaybetme riskini göze almayın.

Kayıt sadece bir ses kaydı yapmak anlamına gelmez, aynı zamanda bir şeyler yazmak anlamına da gelebilir.

Aklınıza bir fikir geldiğinde onu yazın. Birinin ilginç bir şey söylediğini duyarsanız, yazın. Yazdığınız bir satırla kafiyeli kelimeler bulmaya çalışıyorsanız, bunları yazın.

Şarkı Sözü Yazma Becerilerinizi Geliştirin

Pek çok popüler müziğin başarısı kulağa gelenlerden kaynaklansa da şarkı sözlerinin önemini küçümseyemezsiniz.

Bir şarkı, şarkının geri kalanı için sürekli olarak devam eden bir düşüşe geçmeden önce yalnızca bir dize ve bir ön koroya sahip olabilir, ancak dizedeki ve korodaki sözler dinleyiciyi damlaya götürmek için gereklidir. .

Sözler, şarkının havasını belirleyecek ve şarkının geri kalanında boğmaca ve diğer rastgele görünen seslerin tadını çıkarırken dinleyicinin zihninde olacak.

Öyleyse şarkı yapısı hakkında bilgi edinin, kafiye hakkında bilgi edinin ve yazmak istediğiniz tarzda başarılı şarkılar çalışın. Ve hala öğrenirken öğrenmenizi pratiğe dökün. Şimdi başla.

Melodi Yazma Becerilerinizi Geliştirin

Aynısı melodi yazma becerileri için de geçerli. Şarkı sözlerinizden en iyi şekilde yararlanmak ve şarkının havasını oluşturmak için harika bir melodiye ihtiyacınız var.

Bu yüzden başarılı şarkılarda melodinin nasıl çalıştığını incelemek için zaman ayırın. Notların çoğu zaman bir adım yukarı aşağı gitme şekline bakın. Hattan çizgiye biraz yinelenen ve değişen melodinin, motiflerin küçük bölümlerinin olması. Nasıl iki veya üç adım atlar ve bazen biraz heyecan aşılamak için büyük bir oktav atlayışı elde edersiniz.

Ve sadece üzerinde çalışmayın, yapın. Küçük melodi parçaları yazın ve sözlerinizi onlara yerleştirin. Şarkının çeşitli kısımlarını vurgulamak ve heyecan yaratmak için bazı büyük adımlar atın. İlk başta bitmiş bir şarkı üretmenize gerek yok, yavaş yavaş yapın ve oraya varacaksınız.

Topline Yazma Becerilerini Geliştirin

Pek çok DJ ve dans müziği üreticisi, kulağa harika gelen ve insanları dans pistinde hareket ettiren parçalar yazıp kaydediyor, ancak parçalarını bir sonraki seviyeye nasıl taşıyacaklarından emin değiller.

Bir sonraki seviye nedir? Dans parçasını pop müzik listelerinde popüler olacak ticari bir sürüm haline getirmek.

“Topline yazar” burada devreye girer. Topline yazar, gerçekten sadece yüksek düzeyde üretilen akor ilerlemesi olanı alır ve bunun için bir melodi ve bazı sözler yazar.

Topline yazma, şarkı yazımı olarak adlandırılan şeydir. Bir şarkı sözler ve melodiye göre tanımlanırdı ve akor ilerlemesini yeni bulursanız hiçbir kredi (veya ödeme) almazsınız.

Groove ve prodüksiyon değerleriyle parçanın önemi ile günümüzde, parça yapımcısı, eğer üst düzey yazarlar zaten kurulmuşsa şarkı telif ücretlerinin% 50’sini, yoksa muhtemelen daha fazlasını isteyecek.

Parçayı kendiniz üretebilir ve melodiyi ve şarkı sözlerini üstüne yazabilirseniz, o zaman tüm parayı alacaksınız. Yani bu, kendi başınıza geliştirebileceğiniz bir beceridir veya diğer yapımcılar için üst düzey bir yazar olarak çalışabilirsiniz.

İnsanlar için çalmak üzere bir şarkının demo kaydını yapmak amacıyla başlasanız bile, bu kaydın son makale haline gelebileceğini unutmayın.

Ayrıca, az önce üst düzey bir yazar olmaktan ve parça yapımcıları ve DJ’lerle çalışmaktan bahsediyorduk. Parça yapımcısı olmaya ve en iyi yazarlarla çalışmaya ne dersiniz?

Bu başka bir olasılık. Bu nedenle, DAW yazılımınızda ve kayıt ekipmanınızda ustalaşmak için biraz zaman ayırın.

Diğer Yazarlar, Müzisyenler ve Yapımcılarla İşbirliği Yapın

Son öneri, işbirliği yapmaktır. Bir parça yapımcısı ve üst düzey bir yazar arasındaki işbirliğine baktık, ancak bir söz yazarı olarak diğer şarkı yazarlarıyla işbirliği yapmak da harika bir fikir.

Bir söz yazarı ile bir melodi yazarı arasında bir işbirliği olabilir veya ortak çalışanlar her ikisini de yapabilir. Ve işbirliği yapan iki kişi olmak zorunda değil, bir şarkı yazmak için istediğiniz kadar çok insanla işbirliği yapabilirsiniz.

Birleşik Krallık’ta Xenomania adında çok başarılı bir şarkı yazma ekibi var. Normal bir ekip olarak çalışıyor gibi görünüyorlar ve ekibin farklı üyeleri şarkıların farklı bölümlerini yazıyor. Ardından, belirli bir şarkıda hangi bölümleri geliştirmek istediklerine karar vermek için bir araya gelirler.

Daha sonra, ekip olarak parçaları bir araya getirip, yüksek düzeyde üretilmiş demo kayıtları yapmadan önce onları son şarkıya dönüştürürler.

Şarkı Yazma Yolculuğunuza Bugün Başlayın

Şimdiki zaman gibisi yok, bu yüzden bugün şarkı yazınızı geliştirmek için ilk adımı atın.

Geçmişte yazdığınız şarkı sözlerine bir göz atın ve beğendiğiniz ve geliştirebileceğiniz bir şey olup olmadığına bakın. Geçmişte yaptığınız kayıtları dinleyin ve üzerinde çalışabileceğiniz şeyler bulun. Üzerine şarkı sözleri ve melodi yazabileceğiniz enstrümantal bir parçanız var mı?

Yeni şeyler yazmaya başlayın. Onu kaydet. Oraya götürün. Duymayı dört gözle bekliyorum.

Parçalarınızı Ses Mikslemeye Hazırlama: 5 Adımlı Kılavuz

Ses prodüksiyonunuzdaki ayrı parçaları kaydettikten sonra, parçaları bitmiş müzik parçasına karıştırma zamanı. Genellikle ihmal edilen bir şey, parçaları karıştırma işlemine hazırlamak için parçaları düzgün bir şekilde hazırlamaktır.

Karıştırma, son miksajda işini düzgün bir şekilde yaptığından emin olmak için her parçanın sesinde ayarlamalar yapmayı içerir. Karıştırma işlemi, parçaları uyumlu bir şekilde birbirine karıştırmaya yardımcı olur.

Ayrı ayrı parçaların seviyelerini ayarlamanız, her bir parçayı uzayda konumlandırmanız (geri ve ileri, sol ve sağ) ve gereken efektleri uygulamanız gerekir.

Parçalarınızı etkili bir şekilde karıştırabilmek için, karıştırma işlemine başlamadan önce onları hazırlamak faydalı olacaktır. Karıştırma karmaşık olabilir ve uygun hazırlık, süreci olması gerekenden daha karmaşık hale getirmekten kaçınmaya yardımcı olur.

Parçaları kendiniz mi karıştırıyorsunuz yoksa başka biri mi yapıyor?

İster miksajı kendiniz yapıyor olun, ister kaydedilen parçalarınızı karıştırmak için başka birine gönderiyor olun, parçalarınızı doğru şekilde hazırlamalısınız.

Miksajla kendiniz ilgileniyorsanız, parçalarınızı önceden hazırlamak çok yardımcı olacaktır. Parçalarınızı başka biri tarafından karıştırılmak üzere gönderiyorsanız, bu gerekli olabilir, çünkü mix mühendisi uygun bir şekilde sağlanmadıysa bunları kabul etmeyebilir.

Parçalarınızı Mikslemeye Hazırlamak için 5 Adım

Süreçteki bireysel adımlar hakkında konuşmaya geçmeden önce, neye bakacağımızın bir özeti:

  1. Parçalarınızı Düzenleyin
  2. Parçalarınızı Gruplayın
  3. Kazanç Evrelemesiyle Kırpma ve Dijital Bozulmayı Önleyin
  4. Midi Parçalarını Sese Sıçrama
  5. Parçalarınızı Kırpın

1. Parkurlarınızı Düzenleyin

Yaratıcı olmaya çalışırken, sadece onunla devam etmek cazip gelebilir ve ses miksajı çok yaratıcı bir süreçtir. Sesi nasıl etkilediğini görmek için muhtemelen seviyeleri ayarlamaya ve çeşitli ses efektleri eklemeye başlamak istersiniz.

Ancak, önce parçalarınızı organize etmezseniz ortalığı karıştırabilirsiniz. Bir müzik yapımcısı olarak temel “ev idaresi” görevleri öncelikler listenizde çok üst sıralarda olmayabilir, ancak bu iyi bir karışım oluşturmanın önemli bir parçasıdır.

Ses ve midi parçalarınızı kaydederken, bunlar genellikle oldukça rastgele bir sırayla eklenir. Temel ritim, akor ve melodi parçaları belirlendikten sonra, prodüksiyonun ilerlemesine yardımcı olabilecek şeyler düşündüğünüzde daha sonra gelen parçalar birer birer eklenmiş olabilir.

Sonuç olarak, muhtemelen çok sayıda, farklı türlerde ayrı ayrı parçalarınız vardır ve bunları anlamanız çok zor olabilir.

Bu, tüm izlere dikkatlice bakmanız ve neye sahip olduğunuzu görmeniz gereken zamandır.

Her Parçayı Adlandırın

Bazı parça adlarınızın çok mantıklı olmadığını fark edebilirsiniz, bu da neyle uğraştığınızı anlamanızı zorlaştırır. Parçaların bazılarını bir süre önce kaydetmiş olabilirsiniz ve bunların ne olduklarını ve amaçlarının ne olduğunu unutmuş olabilirsiniz.

Örneğin, prodüksiyonunuza ses klipleri aktarıyorsanız, bu parçalar içerdikleri ses kliplerinden sonra adlandırılabilir. Örneğin, “008-trig-320-138bpm-dry.wav” veya benzer bir şey.

Parçaya “Ana Davul Döngüsü” gibi açıklayıcı bir ad vermek çok daha iyidir, böylece ne olduklarını görmek için her seferinde parçaları ayrı ayrı dinlemek zorunda kalmadan neyle uğraştığınız anlaşılır.

Benzer şekilde, sanal enstrüman eklentisi kullanan parçalar otomatik olarak enstrümanın adını alabilir. Örneğin, “Sylenth1”, “Kontakt” veya kullandığınız herhangi bir cihaz.

Onu “Synth Lead”, “Funky Bass” veya bu parçanın gerçekte ne olduğunu netleştiren bir şey olarak adlandırmak çok daha iyi. Ayrıca, parçanın genel müzik parçasındaki amacını da anlatır.

Parçalarınızı Renk Kodlayın

Parçalarınızı adlandırdıktan sonra, neden üretiminizde olduklarını anlayabilmeniz için onları renklerle kodlamak iyi bir fikirdir.

İzleri renklendirmeye başlamadan önce, onları kategorize etmenin mantıklı bir yolunu seçmelisiniz. Örneğin, birkaç sentezleyici parçanız olabilir, böylece onları sentezleyici kategorisine koyabilirsiniz.

Veya, sentezleyici parçalarının bazıları bas parçaları olabilir, bazıları ana parçalar olabilir ve diğerleri arpejlenmiş parçalar olabilir, bu nedenle bunun yerine bunları kategorilere ayırmak isteyebilirsiniz.

Parçalarınızı yerleştirmek için kategorileri nasıl seçeceğiniz konusunda gerçekten herhangi bir kural yok. Ancak, ürettiğiniz müzik parçası için mantıklı olması gerekiyor.

Her bir parça türü için belirli bir renk seçin. Örneğin, tüm davul parçalarını kırmızıya, bas parçalarını maviye, vokal izlerini mora, gitar parçalarını yeşile ve özel efekt parçalarını sarıya boyayabilirsiniz.

Bu geniş renk kategorileri içinde, alt işlev, enstrüman veya ses türleri için belirli rengin tonlarına da sahip olabilirsiniz.

Bölüm İşaretçileri Ekle

Parkurlarınızı düzenlemenin son kısmı, proje penceresine bölüm işaretçileri eklemektir. Bu belirteçler, farklı DAW yazılımlarında farklı şeyler olarak adlandırılır, ancak amaç genellikle aynıdır. Giriş, ilk dize, ön koro, koro, köprü ve düşüş gibi şeylerin aranjmanınızın zaman çizelgesinde nerede olduğunu belirtmenize izin verir.

2. İzlerinizi Gruplayın

Artık prodüksiyonunuzdaki parçaları kategorilere ayırmak için mantıklı bir yola karar verdiğinize ve her bir kategoriyi renk kodlu hale getirdiğinize göre, parçalarınızı gruplar halinde düzenlemeye başlayabilirsiniz.

Farklı renk kodlu iz türlerine sahip olmak, DAW yazılımınızın proje penceresinde “hangisinin” olduğunu görmenin kolay olduğu anlamına gelir . Artık her türden izleri, proje penceresinde birlikte oturacak şekilde sürüklemek kolay bir iş.

Parça kategorilerinizin DAW’da görünmesi gereken sırayla ilgili kesin ve hızlı kurallar yoktur, ancak genellikle insanlar önce davullara sahiptir (veya çoğu DAW yazılımında en üstte), bunun altında bas, sonra baş enstrümanlar, vokaller, özel efektler , ve bunun gibi.

Artık proje pencerenizde birlikte oturan çeşitli müzik türlerine (davul, bas, vokal) sahip olduğunuza göre, bunları gruplara atayabilirsiniz. Burada gruplama, DAW yazılımında çeşitli türlerdeki gruplara ayrı ayrı izlerin atanma yolları ile ilgilidir.

Farklı DAW’ların parçaları gruplamak için farklı yolları vardır, bu nedenle müzik prodüksiyon yazılımınızı kullanarak nasıl yapıldığını kontrol etmeniz gerekecektir. Bazı DAW’ler gruplara atıfta bulunmak için “yığınlar” veya “klasörler” gibi sözcükler kullanır ve çalışma şekillerinde bazı küçük farklılıklar vardır.

Parçalarınızı bu şekilde gruplandırmanın iki ana faydası vardır.

Birincisi , tek tek parçalar ilgili gruplara atandıktan sonra parçaları daraltabilir ve her birinin görünür olmasına ihtiyacınız olmadığında grubu gösterebilirsiniz.

Bu, her grup kendi başına bir iz gibi görüneceğinden (ancak o gruptaki tüm parçaları içerdiğinden) proje penceresinde yer tasarrufu sağlar. Bir grup içindeki tek tek parçalar üzerinde çalışmak istediğinizde, tek tek parçaları kullanılabilir hale getirmek için grubu açmanız yeterlidir.

İkinci fayda , ses düzeylerinde ayarlamalar yapabilmeniz, efektler ekleyip ayarlayabilmeniz ve bir bütün olarak grup için yönlendirmeyi kontrol edebilmenizdir.

Bununla birlikte, gruptaki her bir parçanın karıştırıcıda yine de kendi kanalı olacak, fader kontrolü ve efektler ve yönlendirme için yuvalar ile tamamlanmış olacak. Bu, bir bütün olarak parça grubu için kontrolleri değiştirebileceğiniz ve her gruptaki ayrı parçalar için aynı şeyi yapabileceğiniz anlamına gelir.

Parçalarınızı başkasının karıştırması için gönderecekseniz, buna dikkat etmeniz gerekecektir. Farklı DAW yazılımı kullanırlarsa, gruplanmış parçalar bilgisayarlarında düzgün açılmayabilir.

3. Kazanç Aşamasında Kırpma ve Dijital Bozulmadan Kaçının

Tek tek parçaları kaydederken, ses sinyalinin seviyesi genellikle son miksajda olacağından çok daha yüksektir. Ayrıca, bir enstrüman eklentisi kullanarak MIDI kaydederken, genel miksere nasıl uyacağını düşünmeden enstrümanın sesine odaklanabilirsiniz.

Bu aşamada, her bir parçanın prodüksiyonunuza ne katkıda bulunduğunu ve karışımda her bir parçanın ne kadar gürültülü olması gerektiğini düşünmeye başlamanız gerekir. Ayrıca, her bir parçanın veya parça grubunun stereo alanda nerede oturması gerektiğini düşünme zamanı.

Bu aşamada son seviyeleri belirlemeye çalışmıyorsunuz. Nihai karışımın nasıl ses çıkaracağına daha sonra daha kolay karar verebilmek için kaba bir karışım oluşturun.

Parçalarınızı tek tek veya gruplar halinde kaydetmiş olabileceğinizden, son çıktıda karışımın genel seviyesini izlemiyor olabilirsiniz. Bu, parçaları birlikte çaldığınızda, birleştirilmiş parçalardan çıkış seviyesinin çok yüksek olabileceği ve bu da sorunlara neden olabileceği anlamına gelir.

Kırpma ve Dijital Bozulma

Muhtemelen bildiğiniz gibi, dijital bir sistemde, istenmeyen distorsiyona neden olabilecek sinyal “kırpılmasını” önlemek için seviyenin 0dB’nin üzerine çıkmasından kaçınmanız gerekir.

Bu nedenle, dengeli bir ses elde etmek ve stereo çıkışındaki seviyeyi kırpma noktasının altında tutmak için parçaların ses seviyelerini azaltmanız gerekir.

Sonunda çok sessiz hale getirirseniz, daha sonra son ses dosyasının seviyesini her zaman artırabilirsiniz, ancak oraya girdikten sonra dijital distorsiyonu kaldıramazsınız.

Dijital sistemlerde kullanılan ölçek dBFS’dir; burada FS, Tam Ölçek için kısadır, ancak genellikle yalnızca dB olarak ifade edilir. Dijital bir ses sistemiyle ilgili öneri, genellikle seviyelerin -18dBFS’nin altında olduğundan emin olmaktır, çünkü bu, analog sistemlerde ölçülen 0dBVU’ya eşdeğerdir.

Parçaları sadece miksaj için hazırlamaya çalışıyoruz, bu yüzden bu konuda çok fazla endişelenmeyeceğiz. Efektler daha sonra karıştırma işleminde uygulandığında seviyeler değişebilir, böylece daha kesin seviyeler ayarlanabilir.

Miksere Giren Seviyeleri Ayarlayın

DAW’nizin mikser konsolu penceresindeki seviye ölçere bakarken miksinizi çalın. Mikserdeki bağımsız sayaçlardan herhangi biri kırmızıya dönüyorsa, artık kırmızı görünmeyene kadar seviyeyi ayarlamalısınız.

Ses parçalarınızı kaydettiğinizde kaydetme düzeyini doğru bir şekilde ayarlamış olacağınızdan, bu parçalar muhtemelen kırmızıya dönmeyecektir. Bunu yapan sanal enstrüman eklenti parçaları olma olasılığı daha yüksektir.

Bu sanal enstrüman izleri için mikser konsolundaki fader’ı aşağı çevirmek muhtemelen yardımcı olmayacaktır, çünkü bu, seviyeyi geldikçe kontrol etmek yerine yalnızca bir sonraki aşamaya gönderilmeden önce ayarlar.

Sanal enstrümanın kendi çıktısını ayarlamanız gerekecektir. İlgili enstrümanlar için düzenleme penceresini açın ve seviye göstergeleri artık kırmızıya dönmeyene kadar sesi kısın.

Ses parçalarınız için de işe yarayacak olan bunu yapmanın başka bir yolu, “pre-fader gain” kontrolünü ayarlamaktır. Bu, mikserdeki her bir kanalın kanalına gelen sinyalin seviyesini azaltır.

Her biri için farklı olduğundan, kurulumunuzda bunu nasıl yapacağınıza ilişkin talimatlar için DAW yazılımınızın kılavuzuna bakın.

Son Çıktıdaki Seviyeleri Kontrol Edin

Şimdi, stereo çıkış parçasının seviye ölçeri, baştan sona kadar tüm yol boyunca çalarken bir bütün olarak düzenleme için kontrol edin.

Bu seviye ölçer herhangi bir noktada kırmızıya döner mi? Bu ölçüm cihazının seviyesi 0dBFS’nin üzerine çıkmamalıdır. Bu, ölçüm cihazının kırmızıya geçtiği ve sinyale dijital distorsiyonun girebileceği zaman “kırpılma” meydana geldiği zamandır.

Stereo çıkış ölçerdeki seviye 0dBFS’nin üzerindeyse, düzenlemenin en gürültülü kısmı sırasında kırpma seviyesinin hemen altına gelene kadar aşağı çevirin.

Stereo çıkış ölçerdeki seviyenin, düzenlemenin en gürültülü bölümleri sırasında kırpma seviyesinin bir şekilde altında olması olabilir. Eğer öyleyse, stereo çıkış için fader’ı en gürültülü noktalarda kırpma seviyesinin hemen altına düşene kadar yükseltebilirsiniz.

4. Midi Parçalarını Sese Yansıtın

Artık MIDI parçalarındaki sanal enstrümanların çıkışında seviye ayarlamaları yaptığınıza göre, bunları ses dosyalarına dönüştürebilirsiniz. Bu bazen parçaların sese dönmesi veya işlenmesi olarak adlandırılır.

Bunu yapmadan önce, sanal enstrüman parçasının son sesinden memnun olduğunuzdan emin olmalısınız. Bir ses parçasına dönüştürüldükten sonra, enstrüman kontrollerine artık erişemezsiniz.

MIDI parçalarınızı sese dönüştürmenin birkaç avantajı vardır. Birincisi, parçanın sesine bağlı kalmanıza ve enstrümanda (muhtemelen) gereksiz ayarlamalar yapmak için geri gitmekten kaçınmanıza yardımcı olmasıdır. İkincisi ve en önemlisi, bilgisayarınıza yüklenen talepleri azaltmaya yardımcı olmasıdır.

Sanal enstrümanlar çok sayıda bilgisayar kaynağı kullanabilir ve bilgisayarınızda yalnızca çok fazla kullanılabilirlik vardır. Sanal enstrümanlar kullanan birkaç parçayı miksliyorsanız, bilgisayarınızın işlem gücünün bittiği aşamaya gelebilirsiniz.

Ayrıca, karıştırma işleminin sonraki aşamalarına geçtiğinizde, EQ (eşitleme) , sıkıştırma , yankı ve doygunluk gibi şeyleri uygulamak için efekt işlemcilerini kullanacaksınız . Bu efektlerin her biri ayrıca bilgisayar işlem gücünü kullanacaktır.

Ses parçaları MIDI parçalarından çok daha az bilgisayar işlem gücü kullanır. MIDI parçalarınızı sese dönüştürmek, karıştırma işlemi sırasında efekt işlemcileri tarafından kullanılabilecek birçok bilgisayar kaynağını serbest bırakır.

Çoğu DAW yazılımı, proje penceresindeki orijinal MIDI parçalarının hemen yanında ses parçalarını oluşturmanıza olanak tanır ve onlara benzer bir parça adı verir.

Bu yapıldıktan sonra, bilgisayar kaynaklarını kullanmaması için her MIDI izini devre dışı bırakın. Devre dışı bırakılan MIDI parçalarını yerinde bırakın, böylece geri dönmeniz gerektiğinde kullanılabilir ve bulunmaları kolay olur.

5. İzlerinizi Kırpın

Prodüksiyonunuzdaki ses parçaları muhtemelen parçanızın başlangıcında başlar ve sonuna kadar veya sonuna yakın devam eder. Bu gerekli değildir, hatta istenmez.

Hiçbir vokal veya enstrümanın çalınmadığı yerlerde bir ses parçasında normalde sessizlik olması gerekir. Ancak, sessiz olması amaçlanan bu bölümlerde yine de mevcut gürültü olabilir.

Birlikte çalan birkaç parçanız olduğunda, bu arka plan gürültüsü toplanabilir ve oldukça fark edilebilir hale gelebilir. Ses efektleri veya otomatik ses düşüşleri kullanarak bunu kaldırmak veya en aza indirmek mümkündür, ancak bu bölümleri tamamen kaldırmak daha kolay olabilir.

Bu düzeltme, parkuru keserek ve istenmeyen kısımları silerek kolaylıkla yapılabilir. Bu bölümler, ses parçalarının ortasında veya parçanın sonunun başında olabilir.

Muhtemelen ses parçalarınızı yalnızca kendi başınıza karıştıracaksanız bu şekilde kırpmalısınız. Parçalardan bazıları bu şekilde kesilirse, ayrı çoklu kanallarını başka birinin karıştırması için göndermek zor.

Ve Parçalarınızı Karıştırmaya Hazırsınız…

Artık parçalarınızı doğru şekilde hazırladınız, miksleme sürecini gerçekten başlatmaya hazırsınız. Bir sonraki aşama, seviyelerin ayarlanmasını, kaydırma ayarlarının yapılmasını ve ses efektlerinin uygulanmasını içerir.

Miksajı kendiniz yapıyor olabilirsiniz veya bir başkası stüdyonuzda ya da başka bir yerde yapıyor olabilir.

Her iki durumda da, parçaları önceden düzgün bir şekilde hazırladıysanız karıştırmak çok daha kolay olacaktır ve bu kılavuzun bunu yapmanıza yardımcı olacağını umuyoruz.

Kulak Eğitimi Sizi Daha İyi Bir Müzik Yapımcısı Yapabilir

Deneyimli müzisyenler ve müzik yapımcıları ile çalıştığınızda, genellikle müzikte başkalarının göremediği şeyleri fark etme konusunda içgüdüsel bir yeteneğe sahip gibi görünürler.

Birisi hafifçe düz şarkı söylediğinde veya davulcu ritmi sürüklediğinde veya piyano çok sert ses verdiğinde duyabilirler. Belki biraz kulağa yanlış geldiğini söyleyebilirsin, ama nedenini bilmiyorsun.

Bu müzisyenlerin ve yapımcıların diğer insanların duyamayacağı şeyleri duymasını sağlayan kulak eğitimidir.

Kulak eğitimlerini farkında olmadan yapmış olabilirler, uzun süre müzik prodüksiyonunda çalıştıkları için bilgi birikimine kapılmış olabilirler. Veya becerilerini geliştirmek için özel bir kulak eğitimi programı almış olabilirler.

İnsanlar genellikle müzikteki perdeyi, armoniyi, ritmi ve genel sesleri anlamanın doğuştan gelen bir şey olduğunu düşünür. Bunun belirli bir beceri olduğunu düşünmezler ve bunun öğrenebileceğiniz bir şey olduğunu düşünmezler.

Sonra, ürettikleri müziğin, özellikle diğer müzisyen ve yapımcılardan olması gerektiğini düşündükleri sevgiyi neden almadığını merak ederler.

Ünlü müzisyenlerin plak yapımcıları hakkında hayranlıkla konuştuğunu duymuşsunuzdur. Bazen yapımcıları inanılmaz yeteneklere ve “sihirli kulaklara” sahip olarak tanımlıyorlar.

Rod Stewart’ın Tom Dowd hakkında bunu söylediğini duydum ve David Bowie bunu Tony Visconti hakkında söyledi. Sihirli kulaklara sahip pek çok başka yapımcı örneği olacak.

Peki sen de sihirli kulaklara sahip olmak istemez misin? İyi bir kulak eğitimi bunu başarmanıza yardımcı olacaktır.

İşitme duyunuzun nasıl çalıştığına dair hızlı bir özetle başlayacağız, ardından kulak eğitimi ve daha iyi bir müzik yapımcısı olmanıza nasıl yardımcı olabileceği hakkında konuşacağız.

Kulaklarınız Nasıl Çalışır?

Aşağıdaki resim bilgi akışını göstermektedir: havadaki titreşimler beyninize gönderilen ve bu sinyalleri ses olarak yorumlayan sinirsel uyarılara çevrilir.

Ses dalgaları kulağınıza dış işitme kanalından girer ve kulak zarına (timpanik membran da denir) çarpar. Ses dalgaları, kulak zarının ses dalgalarındaki frekanslara göre titreşmesine neden olur.

Titreşimler, birbirine bağlı kemikçikler adı verilen üç küçük kemik tarafından orta kulak yoluyla iletilir. Tek tek kemikler malleus, incus ve stapes’dır (çekiç, örs ve üzengi kemikleri olarak da adlandırılır).

Üzengi kemiği (üzengi kemiği) orta kulağın diğer tarafındaki oval pencereye bağlanır. Üç kemikçik kemiği, titreşimleri kulak zarından titreştirmek için yapılan oval pencereye iletir.

Oval pencerenin titreşimleri, salyangoz kabuğu gibi görünen ve aslında tamamen sarılmış bir tüptür olan kokleaya iletilir. Ses dalgaları bu tüpe girer ve tüpün duvarlarında kıl hücreleri adı verilen minik sinir uçlarını uyarır.

Yüksek frekanslı titreşimler koklea borusunun çok uzağına gitmez, orta frekanslı titreşimler daha derinlere gider ve çok düşük frekanslı titreşimler onu sonuna kadar yapar. Bu, farklı sinir uçlarının farklı frekans sesleri tarafından uyarıldığı anlamına gelir.

Tüpteki bu küçük sinir uçları, sinir uyarılarını işitme siniri boyunca beyne iletir. Beyindeki işitsel korteks daha sonra bu sinirsel uyarıları anlamlı bir şeye çevirir, bu da duyduğunuz sestir.

Kulağınıza gelen şey sadece titreşimlerdir. Sadece beyniniz kulağınızın ürettiği sinirsel uyarıları aldığında sese dönüşür. Buna bazen ses algısı denir

Ses Algılama – Bazı Frekansları Diğerlerinden Daha Yüksek Duyuyoruz

İşitilebilir frekans aralığı normalde 20 Hz ila 20.000 Hz (20 kHz) olarak belirtilir. Bu, 20Hz’nin altındaki sesleri veya 20.000Hz’nin üzerindeki sesleri duyamayacağımız anlamına gelir.

Bir sesin frekansı 20Hz’nin altında olduğunda, onu duymak yerine çoğu kez hissedebiliriz. Benzer şekilde, 20.000 Hz’nin üzerindeki sesler, gerçekten duyamasalar bile insanlar tarafından algılanıyor (yani onların farkında) gibi görünüyor.

Duyulabilir duyulabilir aralık dahilinde işitme duyumuz tüm frekanslara eşit derecede duyarlı değildir. Bazı frekanslara diğerlerinden daha duyarlıyız.

1.000 Hz ile 4.000 Hz arasındaki seslere özellikle duyarlıyız. Sesler (havadaki titreşimler) duyulabilir frekans aralığı boyunca aynı yoğunlukta üretildiğinde, bu aralıktaki seslerin daha yüksek olduğunu algılıyoruz.

Gerçekte üretilen ses titreşimlerinin yoğunluğu genellikle “ses basınç seviyesi” olarak ifade edilir. Dinleyici tarafından algılanan “ses şiddeti” olarak tanımlanabilir. Ses yüksekliği birimine “fon” denir.

Yukarıdaki örnekte gördüğümüz gibi, aynı ses basıncı seviyesi için, sesin şiddeti 1.000 Hz ile 4.000 Hz arasında daha büyüktür.

İşitme Yaşlandıkça Değişebilir ve Hasar Görebilir

Yaşlandıkça, yüksek frekanslı sesleri duyma yeteneğinizi kaybedersiniz. Bu genellikle çok fazla gürültüye maruz kalmanın neden olduğu hasarla ilişkilidir, ancak aslında yaşlanmanın doğal bir parçasıdır.

Yukarıda belirtildiği gibi, işitilebilir frekans aralığı genellikle 20 Hz ila 20.000 Hz olarak belirtilir, ancak yaşlandıkça daha yüksek frekansları duyma yeteneğiniz azalır. Yaşlandıkça duyabileceğiniz en yüksek frekans daha düşüktür.

Daha yüksek frekanslı sese duyulan bu hassasiyet kaybı, kısmen kokleanın ilk bölümündeki sinir uçlarının (kıl hücreleri) gelen tüm ses titreşimlerine maruz kalmasından ve bunlara zarar vermesinden kaynaklanmaktadır.

Bunlar, daha yüksek frekanslı sese tepki veren sinir uçlarıdır. Kokleada daha derin olan sinir uçları yalnızca daha düşük frekanslı sese maruz kalır, bu nedenle burada hasar oluşması için daha az fırsat vardır. Düşük frekanslı işitme, zamanla yüksek seslerden daha az etkilenir.

Kulağın Hangi Kısmını Eğitebilirsin?

Ses dalgalarını kulağınıza getiren ve kokleadaki sinir uçlarını uyaran işitme sisteminizin parçalarını muhtemelen eğitmek mümkün değildir.

Bu bölüme gerçekten yardımcı olmak için yapabileceğiniz tek şey, dış işitme kanalında kulak zarınıza ulaşan ses dalgalarını engelleyebilecek aşırı kulak kiri veya başka herhangi bir şey olmadığından emin olmaktır.

İşitme duyunuzun kulak eğitimi ile geliştirdiğiniz kısmı, beyninize gönderilen sinir uyarılarının işlendiği ve yorumlandığı yerdir.

Aslında eğittiğiniz beyninizdir. Kulak eğitimi aslında psikoakustik ve sesleri duyma ve duyduğunuz sesleri anlama yeteneğinizi geliştirmekle ilgilidir.

Psikoakustik ve Kulak Eğitimi

Psikoakustik, insanların sesleri nasıl algıladıklarıyla ilgilidir. İnsanların belirli bir frekans aralığındaki sesleri daha yüksek olarak algıladıkları yukarıdaki örnek, psikoakustiğin bir örneğidir.

Ses aslında ses basınç seviyesi açısından daha yüksek değildir, ancak ses gerçekten yalnızca dinleyicinin beyninde üretildiği için, önemli olan budur.

Kulak eğitimi, farklı ses türlerini tanıma ve bunlar arasında ayrım yapma becerinizi geliştirmenize yardımcı olur. Bu önemlidir, çünkü duyduklarınız beyninizin gelen sinyalleri işleme biçiminden etkilenir.

Beyniniz tarafından yapılan bu işlemin eğitime ihtiyacı vardır, aksi takdirde sorunlara neden olabilir. Kayıt, miksaj ve mastering sürecinde size yardımcı olması için bu dinleme becerilerini geliştirmelisiniz.

İşte beyninizin işittiğiniz şeyi bozabileceği ve müzik üretimini zorlaştırabilecek birkaç yol örneği. Birincisi “maskeleme etkisi”, diğerine ise “McGurk etkisi” denir.

Maskeleme Etkisi

Sık sık birlikte birkaç ses duyarız. Örneğin, aynı anda birden fazla kişi konuşuyor veya birden fazla müzik aleti çalıyor. Maskeleme, seslerden birinin diğerini duymayı zorlaştırdığı bir efekttir.

Parçalarınızı miksliyorsanız, bu maskeleme efekti, bir parçada diğer parça çalarken neler olup bittiğini doğru bir şekilde duymanızı zorlaştırabilir. Birkaç parça aynı anda çalınıyorsa işler daha da zorlaşır.

Öyleyse cevap nedir? Ayarlarını yaptığınız parçayı düzgün bir şekilde duyabilmek için solo yapmak mı? Evet, ancak son karma prodüksiyonunuzda tüm parçalar birlikte çalacaktır, bu nedenle parçalar kendi başlarına iyi gelebilir ancak birlikte çalındığında kulağa kötü gelebilir.

Kulak eğitimi, birlikte çalarken her parçada tam olarak neler olup bittiğini duyma yeteneğinizi geliştirmenize yardımcı olur. Bu, sesi olabildiğince iyi hale getirmek için genel miksajda ayarlamalar yapabileceğiniz anlamına gelir.

McGurk Etkisi

McGurk etkisi tuhaf ama kulaklarınızın sizi nasıl yoldan çıkarabileceğine dair bir örnek olarak buraya ekledim. Bazen beyniniz, aslında kulaklarınıza gelen ses yerine duymanız gerektiğini düşündüğünü duymanızı sağlar.

McGurk’ün en iyi bilinen örneği aşağıdaki kısa videoda gösterilmiştir. Okumadan önce videoya bir göz atın, böylece sürprizi siz görmeden açıklayarak bozmayayım.

Kulak Eğitimi Sizi Daha İyi Bir Müzik Yapımcısı Yapabilir

Peki videoyu izledin mi? Güzel, o zaman özgürce konuşabiliriz.

Videoda açıklandığı gibi, kişinin dudaklarının “fa” sesi çıkardığını gördüğünüz için, kayıt aslında bir “ba” sesi çalıyor olsa bile, bu duyduğunuz şeydir.

McGurk efekti, parçalarınızı kaydederken, mikslerken ve mastering yaparken görsel ipuçlarının kullanılması nedeniyle müzik üretiminde bir sorun haline gelebilir.

Özellikler biraz farklı olsa da, ses ölçerler, frekans göstergeleri ve DAW yazılım paketlerinin diğer özellikleri duyduklarınızdan şüphe etmenize veya yanlış yorumlamanıza neden olabilir.

Kulak eğitimi buna yardımcı olabilir, böylece işittiğiniz şeye daha fazla güvenirsiniz ve görsel temsillere daha az bağımlı hale gelirsiniz.

Kulak Eğitimi Neleri İçerir?

Kulak eğitimi genellikle sadece seslerin perdesini tanıma ve akorları tanıma yeteneğinizi geliştirmeyi ifade eder. Ancak, daha iyi müzik prodüksiyonu için “kulağınızı” geliştirmek için, aynı zamanda seslerin tınısını da takdir edebilmeniz ve farklı seslerin bir karışımı içinde farklı perdeleri tanıyabilmeniz gerekir.

Kulak eğitimi normalde farklı türden sesleri dinlediğiniz ve bunlar hakkında bir hüküm verdiğiniz çeşitli egzersizlerden oluşur. Ardından, dinleme becerilerinizi geliştirebilmeniz için size doğru cevap verilir.

Aslında, kulak eğitimi eğitimli bir dinleyici olmanızı sağlar. Ne dinlediğinizi anlama yeteneğini geliştirirsiniz. Daha sonra her şeyin üzerinizde yıkanmasına izin vermek yerine, sesin çeşitli yönlerine odaklanabilirsiniz.

Başarılı plak üreticilerinin “sihirli kulaklara” sahip olmalarının nedeni budur. Yılların deneyimi veya özel odaklanmış kulak eğitimi yoluyla, diğer insanların duyamayacağı şeyleri duyma becerilerini geliştirdiler.

Sürükleyen bir ritmi duyabilirler veya bir şarkıcının tam olarak uyum sağlamadığı ve onu düzelttiğini duyabilirler. Enstrümanların bir karışımda nerede çarpıştığını duyabilir ve EQ ile bunu nasıl düzelteceklerini bilirler. Sihirli kulaklar olmadan kulağa yanlış gelebilir, ama muhtemelen nedenini bilemezsiniz.

Belirli Kulak Eğitimi Türleri

Kulak eğitimi normalde belirli becerilerin geliştirilmesini hedefleyen belirli etkinliklere bölünür. Bu farklı beceriler bir araya getirildiğinde, şeyleri çok farklı şekilde duymanızı sağlayabilir ve daha iyi bir müzik yapımcısı olmanıza yardımcı olur.

Belirli bir sırayla, kulak eğitimi türlerinden bazıları şunlardır; perde ve akor tanıma, ritim tanıma ve tını tanıma. Burada ortak bir tema, tanımadır – ne duyduğunuzu bilmek ve anlamak.

Perde ve Akor Tanıma Eğitimi

Satış Konuşması Tanıma

İnsanlar bazen perde tanımanın “mükemmel adım” geliştirmeyi içerdiğini düşünür. Mükemmel ses tonu, birisinin size belirli bir notanın hangi perdeyi kendi başına çaldığını duyarak söyleyebilmesidir.

Aslında perde tanıma eğitimi ile geliştirmeye çalıştığımız şeye “göreli perde” denir. Artık notların birbiriyle ilişkili olduğunu belirleyebileceğiniz yer burasıdır. Örneğin, bir orta C notasının çalındığını duyabilir ve onunla ilişkili olduktan sonra başka bir notanın nasıl çalındığını belirleyebilirsiniz.

Göreceli perde kulak eğitimi ile, bu notanın ne olduğuna bağlı olarak, ikinci notanın küçük bir üçüncü veya beşinci veya düz yedide bir birinci notanın üstünde veya altında olduğunu belirtebileceksiniz.

Burada notalar ve perdeler veya tonlar arasında bir ayrım yapmalıyım. Müzisyenler genellikle nota olarak nota yazılanlara not olarak atıfta bulunurken, gerçekte duyduğunuz şey bir ton veya perde olarak adlandırılır. Burada bu kongreye pek bağlı kalmıyorum, bu sadece bilgi için.

Açıkçası, notlar arasındaki ilişkileri tanımlayabilmek çok değerli bir beceridir. Gerçekte çalan seslerin perdeleri arasındaki ilişkileri bir kez duyduğunuzda, bu sesleri kafanızın içinde hayal etmek çok daha kolaydır.

Bu, müzisyenlere, düşündüğünüzü duyana kadar birbiri ardına çalmalarına gerek kalmadan hangi notaları çalmaları gerektiğini hızlı bir şekilde söyleyebileceğiniz anlamına gelir.

MIDI parçalarını programlıyorsanız, kafanızdaki sesleri duyabilir ve notları çok fazla deneme yanılma işlemine gerek kalmadan ızgaraya çekebilirseniz, süreci hızlandıracaktır.

Enstrümanlar veya vokalistler biraz uyumsuzsa, bunu daha kolay tanıyabilir ve doğru ses tonu vermeleri için onlara rehberlik edebilirsiniz. Yanlış adım zaten kaydedilmişse, adım düzeltme yazılımını kullanarak bunu düzeltebilirsiniz. Satış konuşması tanıma becerileriniz iyi değilse bu zor olabilir ve uzun zaman alabilir.

Parçalarınızı karıştırırken en çok kullanılan efektlerden biri EQ’dur (eşitleme). Bu, belirli ses frekanslarının seviyelerini ayarlamayı içerir ve genel ses içindeki farklı frekansları kolayca duyabilirseniz, bu çok daha kolaydır.

Akor Tanıma

Çalmakta olan akorları tanımlayabilmek, perde tanıma eğitiminin daha da geliştirilmesidir.

İlk aşama, aralıkları duyma yeteneğinizi geliştiren eğitimdir. Aralıklar, iki notanın çalındığı zamandır. Aralıklar melodik veya armonik olabilir.

Melodik aralıklar, notaların arka arkaya çalındığı yerdir. Daha önce ana hatları verilen perde eğitimi aslında melodik aralıkları belirleme yeteneğini geliştiriyor.

Harmonik aralıklar, iki notanın birlikte çalındığı yerdir. Burada, iki notanın birbiriyle etkileşimini tanıma yeteneğini geliştiriyorsunuz. Akorlar aynı anda çalan üç veya daha fazla nota olduğu için bu, akor tanıma eğitiminin ilk aşamasıdır.

Akor tanıma becerilerinizi geliştirdikten sonra, büyük veya küçük, artırılmış veya azalmış, altıncı veya yedinci, baskın yedinci veya askıya alınmış akorlar arasındaki farkı belirleyebileceksiniz.

Perdede olduğu gibi, akorun perdesini gerçekten tanımaya çalışmıyorsunuz, sadece akor türünü ve birbirleriyle nasıl ilişki kurduklarını. Ayrıca, perdede olduğu gibi, gerçekten çalınan akorları duymak veya onları kafanızın içinde hayal etmek, canlı müzisyenlerle veya MIDI programlarken çalışmanızı hızlandırabilir.

Perde ve akor tanıma eğitimi ile geliştirilecek olan sadece çalıştığınız hız değildir. Ayrıca bu sesleri ve kafanızın içindeki ilişki biçimini de duyabileceksiniz, bu da sizi çok daha yaratıcı bir yapımcı yapacak.

Ritim Tanıma Eğitimi

Ritim eğitimi iki ana bölüme ayrılabilir. Birincisi, farklı ritimleri tanıma yeteneği ve ikincisi, zamanında çalma yeteneği.

Burada gerçekten sadece ilkine bakıyoruz – ritmi tanıyabilmek. Zaman içinde oynama yeteneğini geliştirmek için, zamanlamanızı gerçekten kilitlemek için farklı hızlarda bir metronom ile pratik yapmanız gerekir.

Bunu söyledikten sonra, bir müzik parçasının hangi hızda çaldığını da söyleyebilmelisiniz. Bu genellikle dakika başına vuruş (BPM) olarak ölçülür ve belirli bir prodüksiyon için en uygun olanı hissetmek için çok fazla müzik dinlemeniz gerekir.

Bir yapımcı olarak, müziğin hangi hızda çaldığını sadece dinleyerek fark edebilmelisiniz. Bunu yapmaya başlamanın yollarından biri, telefonunuzda bir metronom uygulaması kullanmaktır.

Hoparlörlerde bir şarkı, parça veya başka bir prodüksiyon dinlerken ritmi metronoma aktarabilirsiniz. Metronom, şarkının hangi hızda çaldığını size söyleyecektir.

Bunu yeterince yaptıktan sonra, şarkının hangi hızda çaldığına dair bir his geliştireceksiniz ve bunu telefonunuzdaki metronom ile onaylayabilirsiniz. Ayrıca, ritmi telefonunuza dokundurmak, ek bir bonus olarak bir şarkıyla zamanında çalma (veya en azından dokunma) yeteneğinizi geliştirmenize yardımcı olacaktır.

Ritim tanıma eğitiminin bir başka yönü, farklı zaman imzalarında çalınan müzik arasındaki farkı söyleyebilmektir. Zaman imzaları genellikle biri diğerinin üzerinde olmak üzere iki sayı olarak yazılır. Örnekler 4/4, 3/4, 6/8, 5/4 ve benzerlerini içerir.

Zaman işaretindeki ilk sayı bir çubuktaki vuruş sayısını ifade eder ve alttaki sayı size ne tür notaların çalındığını belirtir. Örneğin, 4/4, bir çubuğa dört çeyrek nota, 3/4, bir çubuğa üç çeyrek nota ve 6/8, bir çubuğa altı sekizinci notadır.

Bir dans müziği yapımcısıysanız, muhtemelen 4 / 4’ten başka pek bir şey için endişelenmenize gerek kalmayacaktır, ancak diğer müzik tarzlarında çeşitli zaman işaretleri kullanılabilir.

Ritim anlayışınız geliştikçe, müzisyenlerin, özellikle de davulcuların zamanında çalıp çalmadığını anlama yeteneğinizi geliştireceksiniz. Ayrıca, kendi müzik prodüksiyonunuz için isteyebileceğiniz veya istemeyebileceğiniz, ritmin biraz ilerisinde veya arkasında çalan enstrümanları da tanıyabileceksiniz.

Tını Tanıma Eğitimi

Tını, burada baktığımız müziğin diğer yönlerinden biraz farklı. Melodi, armoni ve müzikal zamanın size rehberlik etmesine yardımcı olabileceğiniz bazı resmi kuralları vardır, ancak tını gerçekten uyacak herhangi bir kurala sahip değildir.

Tını, bir sesin veya enstrümanın sesiyle ilgilidir, her birinin kendine özgü sesi vardır. Belirli enstrümanlar arasındaki farkı söylemenizi sağlayan tınıdır.

Tını tanıma eğitimi, duyduğunuz seslerin kalitesini takdir etmenizi sağlar. Örneğin, farklı piyanoların sesleri arasındaki ince farkları veya bir odanın bir sesin karakterini nasıl etkileyebileceğini fark edebileceksiniz.

Bir sesin tınısında büyük fark yaratabilecek şeylerden biri de ses filtresidir. Bir ses filtresinin ayarlarında yapılan ince ayarlamalar, sesin dinleyici üzerindeki duygusal etkisini değiştirebilir.

Melodik, armonik veya ritmik olarak çok fazla değişmeyen tekrarlayan bir parça, dinleyiciyi yalnızca ses filtreleri kullanarak zaman içinde tını değiştirerek heyecan verici bir işitsel yolculuğa çıkarabilir.

Tını sevgisi, prodüksiyonunuzdaki çeşitli sesler arasında doğru tını karışımına sahip müzikler üretmenize yardımcı olacaktır.

Sihirli Kulaklarınızı Takın

Bu, kulak eğitimi ile ilgili kısa tanıtımımızı ve bunun sizi daha iyi bir müzik yapımcısı yapmanıza yardımcı olabileceği yolları sonlandırıyor.

Bunu daha da ileri götürmekle ilgileniyorsanız, favori kulak eğitim programlarımızdan biri TrainYourEars’tır . Bağlantı sizi sistemi açıklayan bir videoya götürür.

Deneyimli müzisyenler ve prodüktörler, bir parçanın doğru olmadığını ve sorunun nasıl çözüleceğini fark ederek, kolay görünmesini sağlayabilir. Bu becerileri geliştirmek için uzun zaman harcadılar ve doğru eğitimle bunu da yapabilirsiniz. Öyleyse, sihirli kulaklarınızı kazanma yoluna başlayın.

Örnek Kitaplıklarınızı Harici Bir Sabit Diskte Depolamalısınız?

Örnek kitaplıklar ve diğer ses dosyaları bilgisayarınızın sabit sürücüsünü neredeyse her şeyden daha hızlı doldurabilir.

Örnek kitaplıkları ve diğer ses dosyalarının koleksiyonlarını toplamaya başladığınız anda, yeterince büyük olduğunu düşündüğünüz yerleşik sabit sürücüde hızlı bir şekilde yer kalmaz.

Bu sorunun açık cevabı, harici bir sabit disk kullanmaktır. Çalışmanızı yedeklemek için muhtemelen zaten harici bir sabit sürücü kullanıyorsunuz, ancak örnek kitaplıklarınızı çalışırken erişmek için harici bir sürücüde tutmanız gerekir mi?

Örnek kitaplıklarınızı ve diğer ses dosyalarını harici bir sabit sürücüde depolamalısınız? Örnek kitaplıklarınıza harici bir sabit sürücüden erişmek, bilgisayarınızın kaynakları daha verimli kullanmasına yardımcı olabilir ve çalışmanızı daha iyi düzenlemenizi sağlar. HDD ve SSD iki ana seçenektir. SSD daha pahalıdır ancak daha verimli çalışır. SSD fiyatları düşüyor, bu yüzden bu ileride daha da iyi bir seçenek olacak.

Örneklerinizi Neden Ayrı Bir Sabit Diskte Tutmak İstiyorsunuz?

Örneklerinizi veya kitaplıklarınızı harici bir sürücüde tutmanın en belirgin nedeni, bilgisayarınızın dahili sabit sürücüsünde yer kazanmaktır.

Muhtemelen sabit sürücünüzü ses dosyalarından daha hızlı dolduracak tek şey video dosyalarıdır. Tek tek ses dosyaları, tek tek video dosyalarından çok daha küçük olma eğilimindedir, ancak mevcut örnek kitaplıklardan bazılarının boyutuna bakarsanız, bunların oldukça büyük olabileceğini göreceksiniz.

Örneğin, Native Instruments ‘Kontakt, birçok müzik türünün üretiminde kullanılan en popüler yazılım örnekleyicilerinden biridir. Kontakt enstrümanları, ayrı ses örneklerinin koleksiyonlarıdır ve bazıları yüzlerce ses dosyası içerir.

Kontakt, birkaç örnek kitaplıkla birlikte gelir ve en geniş yelpazedeki farklı aletleri içeren kitaplığa Kontakt Fabrika Kitaplığı denir.

Bu kitaplık, sabit sürücünüzde 23 GB’tan fazla yer kaplar. Bu oldukça fazla, ama aynı zamanda bir püf noktası var.

Örnek Kitaplıkları Kurmak Düşündüğünüzden Daha Fazla Alan Gerekiyor

Kontakt’ı satın aldığımda Fabrika Kitaplığını indiremedim çünkü kurulumu yöneten Native Access uygulaması yeterli alan olmadığını söyledi.

Kullandığım MacBook’un 500 GB’lık bir sabit diski vardı ve disk yönetimi uygulaması neredeyse 90 GB boş olduğumu söyledi, bu yüzden bunun bol olacağını düşünürdünüz.

Uygulamanın indirilmesi için alana ek olarak indirme paketinin paketinden çıkarılması ve kitaplığın yüklenmesi için yeterli alana ihtiyacınız olduğu ortaya çıktı. Bunun kütüphanenin iki katı büyüklüğünde disk alanı gerektirdiği söylendi, ancak pratikte çok daha fazlasına ihtiyaç duyuyor gibi görünüyor.

Kitaplığı yedeklemeler için kullandığım harici bir sabit diske indirecek ve ardından bilgisayarımın sabit sürücüsüne kuracaktım. Ama sonra bu örnek kitaplıkları harici bir sürücüde depolamayı ve oradan çalıştırmayı düşünmeye karar verdim.

Kontakt örnek kitaplıklarını saklamak için oldukça küçük bir harici sabit disk satın aldım ve yaptığıma çok sevindim. Bu tek satın alma (kaçınmaya çalıştığım) büyük bir fark yarattı.

Ses Dosyalarına Erişme – Yalnızca Çalışmanızı Yedeklemek İçin Değil

Burada örnek kitaplıklarınızı harici bir sürücüde depolamak ve ardından kullanmak istediğinizde bilgisayarınızın dahili sürücüsüne kopyalamaktan bahsetmiyoruz. Bu, örnek kitaplıklarınızı harici bir sabit sürücüde tutmak ve örnek kitaplıkları doğrudan bu sürücüden çalıştırmakla ilgilidir.

Bu kurulumda, yazılım örnekleyici cihazınız Kontakt veya HALion, örneğin bilgisayarınızın dahili sabit sürücüsüne yüklenir. Tüm örnek kitaplıklarınızı harici sabit sürücüde tutarsınız ve yazılım örnekleyici ihtiyaç duydukça bunları harici sürücüden çağırır.

Harici Sürücü Kullanmanın Avantajları

Örnek Kitaplıklarınızı Yedekleme

Ticari örnek kitaplıklara genellikle, ihtiyaç duyduğunuzda kitaplıkları yeniden indirmek için kullanabileceğiniz bir lisans numarası verilir.

Ücretsiz örnekler ve kitaplıklarla ve lisans numarası olmayanlarda, bunları indirme sayısında bir sınırlama olabilir. Bunun nedenleri korsanlıktan kaçınmayı içerebilir, ancak çoğunlukla bu kitaplıkların genellikle oldukça büyük olması ve geliştiricilere her indirildiğinde bant genişliğini barındırma maliyetine neden olduğu içindir.

Bu nedenle, ticari örnek kitaplıkların bir yedeğini tutmanız gerekmeyebilir, ancak bir bilgisayar arızası yaşamanız veya dosyaları yanlışlıkla silmeniz durumunda, ücretsiz ve ticari olmayan diğer kitaplıkların bir yedeğini saklamak iyi bir fikir olabilir.

Ancak, daha önce de belirtildiği gibi, burada gerçekten yedeklemeler için harici bir sabit sürücü kullanmaktan değil, örnek kitaplıkları gerçek zamanlı akışla çalıştırarak çalıştırmaktan bahsediyoruz.

Harici Sabit Disk Kullanmak Bilgisayar Performansını Artırabilir

Mevcut tavsiyelerin çoğu, ses örneklerinizi yayınlamak için harici bir sabit sürücü kullanmanın, DAW (dijital ses iş istasyonu) yazılımınızı çalıştıran bilgisayarın performansını gerçekten artırabileceğini söylüyor .

Bu konudaki bilgilerin bir kısmı oldukça teknik ve bazı anlaşmazlıklar var gibi görünüyor, ancak işte bilgili insanların söylediği şey burada.

DAW yazılımı artı sanal araçlar ve efektler bilgisayarın dahili sabit sürücüsünden çalıştırılır. Dolayısıyla bilgisayar işletim sistemini, DAW yazılımını ve diğer işlemleri aynı dahili diskten çalıştırıyor.

Bilgisayarın dahili belleği ve CPU’su (merkezi işlem birimi) her seferinde daha fazla veri talep ettiğinde, o dahili diskten gelir. Aynı diskte depolanan ses bilgilerine yönelik sık talepler, hepsi aynı kanaldan geldiği için ses dosyalarına ve diğer bilgisayar kaynaklarına erişimi yavaşlatabilir.

Ses bilgilerine harici bir sabit sürücüden erişim, büyük ses dosyalarını ayrı bir kanaldan getirir, bu da yukarıdaki senaryoda olası “dar boğaz” sorunlarının önlenmesine yardımcı olur.

Örnek Kitaplıklarınızı Ayrı Disklere Bölün

Ayrıca örnek kitaplıkların birden çok harici sabit sürücüye bölünmesini önerdiğini de gördüm.

Buradaki fikir şudur ki, her bir sürücü bilgisayarınızdaki ayrı bir bağlantı noktasına bağlanırsa, gelen ses dosyası akışının “kısılma” olasılığını azaltacaktır. Bunun nedeni, her diskten gelen verilerin ayrı bir kanaldan bilgisayarın çalışma belleğine gelmesidir.

Birden fazla sürücünün kullanılması, aynı anda veri okumaya ve yazmaya çalışan diskin neden olduğu gecikmeleri azaltmaya da yardımcı olur.

Bu fikri kabul etmekte zorlandım, çünkü benim görüşüm her zaman tüm verilerin tek bir merkezi yerde (dahili sabit sürücü) olması durumunda ihtiyaç duyulduğunda daha verimli bir şekilde erişilebileceği yönündeydi.

Bunun, müzik prodüksiyon sürecinizin yönlerini ayırmanın bilgisayar kaynaklarını daha verimli kullanmanıza yardımcı olabileceği yollardan sadece biri olduğunu öğreniyorum.

Örneğin, Kontakt’a geri dönersek, enstrümanın ayrı kanallarda ayrı örneklerine sahipseniz, bilgisayar kaynaklarını bir Kontakt örneğinde aynı sayıda enstrümanı çalıştırmanıza kıyasla daha verimli kullanır.

Harici Sabit Disk Kullanmak Örneklerinizi Daha İyi Düzenlemenizi Sağlar

Tüm örnek kitaplıklarınızı bilgisayarın dahili diskinde tutmaya çalışmak, dosya yönetimini çok zorlaştırabilir.

Bilgisayarın dahili diskindeki her şeyi yönetmeye çalışırken, diski doldurmak konusunda sürekli endişeliydim. Bundan kaçınmak için örnek kitaplıkları USB flash sürücülere ve harici sabit sürücülere depoluyordum ve bunları yalnızca ihtiyacım olduğunda bilgisayarın sürücüsüne kopyalıyordum.

Sonuç olarak, her şeyin nerede olduğunu sık sık kaybettim ve bilgisayarımın diskindeki ses dosyalarının sayısı arttı, bu da boş alan kaybına neden oldu.

Şimdi, örnek ve ses dosyalarının kitaplıklarını harici bir sabit sürücüde tutmaya çalışıyorum.

Yazılım örnekleyici kitaplıkları sabit sürücüden akışa alınır, böylece bilgisayarın diskine kopyalanmazlar.

Projelere aktarılan ses dosyalarının proje dosyasında saklanan bir kopyası vardır. Kopyalanan yalnızca projede kullanılan ses dosyaları olduğundan, bunun bilgisayarın diskinde çok fazla yer kaplamasıyla ilgili herhangi bir sorun yoktur.

Harici Disk Kullanmanın Dezavantajları

Elverişlilik Kaybı

Muhtemelen örnek kitaplıklarınızı harici bir sabit sürücüde tutmanın ana dezavantajı, rahatsızlıktır.

Dizüstü bilgisayarınızı müzik prodüksiyonu için kullanıyorsanız, müzik üretmeye başlamadan önce harici bir sabit diske bağlanmak gerçekten acı verici olabilir.

Rahatsızlık düzeyi muhtemelen nasıl çalıştığınıza bağlıdır. Çoğunlukla sanal sentezleyiciler kullanıyorsanız, harici sürücünüzü bağlamanıza gerek kalmayabilir. Bunu yalnızca Kontakt veya HALion gibi bir yazılım örnekleyici kullanmak ya da bir projede kullanmak üzere çok sayıda örneği denemek istiyorsanız yapmanız gerekir.

Harici Sürücüler Ek USB Bağlantı Noktalarını Kullanıyor

Bilgisayarınızda bulunan USB (veya diğer harici bağlantı noktalarının) sayısında bir sınır vardır.

Harici bir MIDI klavyeniz varsa, o zaman zaten gitmiştir. Bir ses arabirimi başka birini alacaktır. Cubase kullanıyorsanız, USB lisanslayıcı tarafından bir başkası zaten kullanılmıştır.

MacBook’umun iki USB bağlantı noktası var, bu yüzden bu işleri oldukça zorlaştırır. Ayrıca iki Thunderbolt bağlantı noktasına sahiptir (neredeyse altı yaşında), ancak Thunderbolt bağlantı noktalarını kullanan donanımlar genellikle pahalıdır ve standart USB donanımını kullanmak için adaptörler satın almanız gerekir.

Bir USB hub kullanabilirsiniz, ancak bu muhtemelen daha fazla rahatsızlığa neden olur ve birden fazla harici sabit sürücüyü bağlamak, hub üzerindeki USB bağlantı noktalarının bilgisayara bağlanmak için birleştiği yerde başka bir veri “dar boğazına” neden olur.

Ama Bu Size Stüdyo Kurulumunuzun Gelişmekte Olduğunu Söylüyor

Yine de bu rahatsızlıktan biraz cesaret almalısınız. DAW yazılımınızı çalıştıran bilgisayara bu ek bağlantılara ihtiyaç duymaya başlamak size stüdyo kurulumunuzun gelişmekte olduğunu, yani bir müzik yapımcısı olarak sizin de gelişmekte olduğunuzu söyler.

HDD ve SDD – Hangi Harici Disk Türü En İyisidir?

HDD, sabit disk sürücüsünün ve SSD, katı hal sürücüsünün kısaltmasıdır. Adından da anlaşılacağı gibi, HDD’nin içinde veri okurken ve yazarken dönen bir disk vardır. SSD’nin hareketli parçası yoktur ve bellek yongalarında veri depolama yapılır.

HDD seçeneğinin en büyük avantajı, paranız için çok fazla depolama alanı elde etmenizdir. Yazma sırasında 50 $ ‘dan daha düşük bir fiyata 1 TB (terabayt – 1.000 GB) HDD alabilirsiniz.

HDD’nin dezavantajı, veri erişiminin oldukça yavaş olması ve sürücülerin gürültülü olabilmesidir.

SDD birimleri, aldığınız depolama miktarı için hala oldukça pahalıdır. Örneğin, yazı yazarken Amazon’da yaklaşık 170 $ karşılığında 1 TB SSD satın alabilirsiniz (bir SanDisk Extreme birimi). Fiyat 349 dolardan düşürüldü, bu da SSD fiyatının önemli ölçüde düşmeye başlayabileceğini gösteriyor.

Veri alma dönen bir disk yerine katı hal belleği içerdiğinden, SSD birimleri hızlı veri erişim sürelerine sahiptir. Ayrıca, hareketli parçaların olmaması, herhangi bir ses çıkarmadıkları anlamına gelir.

Örnek kitaplıklara erişmek için harici bir SSD kullanırken beni şaşırtan şey, nasıl elde ettikleri. Sadece ne kadar veri aktarımının devam ettiğini gösteriyor ve bir HDD’nin bu miktarda veriyi aktarmak için ne kadar çalışması gerektiğini düşünmemi sağladı.

Ne Tür Bağlantı Portuna İhtiyacınız Var?

Bilgisayarınızdaki USB bağlantı noktasının türü, verilerin harici sürücüden bilgisayarınıza ne kadar hızlı aktarılabileceği açısından da önemlidir.

Görünüşe göre USB2 bağlantıları, ister HDD ister SSD olsun, harici bir sürücüden örnek kitaplıklara erişilemeyecek kadar yavaş.

Artık çoğu bilgisayarda USB3 veya hatta daha hızlı USBC bağlantı noktaları var, bu nedenle veri aktarımı bununla sınırlanmamalıdır.

Örnek Kitaplıklarımı Saklamak için USB Çubuğu Kullanabilir miyim?

Harici bir sürücü için alışveriş yaparken, USB flash sürücülerin (USB bellek olarak da bilinir) oldukça düşük bir fiyata oldukça fazla kapasite sunduğunu fark edebilirsiniz.

Bu, örnek kitaplık dosyalarına gerçek zamanlı olarak erişmek için gerçekten uygun bir seçenek değildir. Veri erişimi çoğu durumda pratik olamayacak kadar yavaştır.

Bu sürücüler, ses dosyalarını projelere kopyalamak, işlerinizi yedeklemek veya projeleri bir bilgisayardan diğerine taşımak için mükemmel bir seçenektir. Ancak, yazılım örnek kitaplıklarınızı yazılım örnekleyicinize bağlamak için iyi değildirler.

Müzik Üretimi için Sabit Disk Dosyası Organizasyonu

İhtiyaçlarınız için doğru harici sabit sürücüyü seçtikten sonra, sürücüdeki örnek kitaplıkları ve diğer ses dosyalarını düzenlemeniz yeterlidir.

Dosyalarınızı düzenlemek için bir dizi seçenek vardır, ancak birini seçer ve ona tutarlı bir şekilde bağlı kalırsanız daha sonra kafanız karışmaz.

Aradığınız şeyi kolayca bulabilmeniz için sizin için anlamlı olan bir adlandırma sistemi seçin. Geçmişte her şeyi doğru bir şekilde adlandırmak ve düzenlemek için zaman ayırmama hatasını yaptım ve bir şeyler ararken çok zaman ve yaratıcı fikirler harcadım

Örnek Kitaplıklar Büyüyor

Her şeyi bilgisayarın dahili sabit sürücüsünden çalıştırmanın rahatlığını her zaman sevmişimdir (ve hala seviyorum) ama zaman geçtikçe her şey için çok daha fazla alana ihtiyacınız var gibi görünüyor.

Orijinal Steinberg HALion örnekleyici sürüm 1’i aldığımda, ilk gecelerde, 500 MB’ın biraz altında bilgisayar disk alanı kaplayan bazı örnek CD’lerle geldi. O zamanlar çok büyük görünüyordu ama bugünün standartlarına göre oldukça küçük.

Başlamak için tavsiyem, acil ihtiyaçlarınız için size yeterli alan ve çok yakın gelecekte ihtiyaçlarınız için yeterli ek alan sağlayan bir SSD olacaktır.

Şu anda büyük bir SSD’ye çok para harcamak en iyi seçenek olmayabilir, çünkü fiyat muhtemelen oldukça kısa bir süre sonra oldukça düşecektir.

Call Now Button